Arte e reflexão

Malas, palhaços e cambalachos faz homenagem aos palhaços e evocam à alegria que eles proporcionam

2012-01-24T13:04:00.000-08:00

Ano passado falei sobre a peça, mas agora tive o privilégio de revê-la no Teatro Augusta.
O elenco merece e destaco especialmente o diretor Wagner de Miranda e o autor Camilo Brunelli, pois eles têm se esforçado muito para que os trabalhos sejam de qualidade. Talento, pesquisa e dedicação.

Malas, palhaços e cambalachos, de Camilo Brunelli, faz uma bonita homenagem ao universo do circo e fala da importância da amizade e da alegria em nossas vidas, com diversão, música tocada e cantada ao vivo, cenário e figurinos coloridos. Mostra também que falar a verdade sempre é a melhor escolha.
Um texto simples, que traz á tona a ingenuidade do mundo circense e proporciona ao espectador, tanto crianças, quanto adultos, momentos de diversão.
Godofredo é um palhaço apaixonado e não para de chorar porque seu circo foi embora e o deixou. Peripaque, também palhaço, resolveu fugir de seu circo porque não aguenta mais ouvir as pessoas rindo dele ( quer ser um palhaço sério).
Num lugar indefinido, os dois se encontram e depois de trapalhadas e mentiras, se tornam grandes amigos. Têm a companhia de um coro que contribuem para dar dinamismo ao espetáculo e dialogam com os personagens, os ajudando a expressar as suas emoções.
Como nem todos os atores possui formação circense, o objetivo é contar a história de maneira divertida.
Em cena, eles usam técnicas do picadeiro, como a pantomima, mas sem a preocupação em demonstrar que dominam as técnicas do clown. Uma opção acertada do diretor, que faz seu primeiro infantil e conseguiu criar uma montagem atrativa.
Na estreia, mesmo com problemas técnicos, os atores conseguiram alegrar a plateia. Os atores estão em sintonia e merecem aplausos.
A peça estreou no Festival de Teatro da cidade de São Paulo, recebendo os prêmios: Arlequim de Melhor Ator para Luciano Brandão, Melhor Atriz Coadjuvante para Marta Guerreiro, Troféu Arlequim de Melhor Figurino do infantil para Cresso Pessurno e Wagner de Miranda e Troféu Arlequim de Melhor Cenografia para Wagner de Miranda
Malas, palhaços e cambalachos faz temporada até 1 de abril no teatro Augusta.

De: Camilo Brunelli
Produção: Cia Espontânea de Teatro
Direção: Wagner de Miranda
Cenografia: Wagner de Miranda
Figurinos: Creso Pessurno e Wagner de Miranda
Iluminação: Clayton Heringer
Com Clayton Heringer, Luciano Brandão, Álvaro Sabra, Bruna Grassi, Camilo Brunelli, Juscelino Filho, Marta Guerreiro, Rodrigo Melgaço e Rubia Grassi. www.youtube.com/watch?v=IHrj2AK07Lo

HORÁRIOS: SÁBADOS & DOMINGOS 16H00
INGRESSOS: R$ 30,00
Teatro Augusta: Tel.: +55 (11) 3151-4141 Rua Augusta, 943

reportagens
http://blogs.estadao.com.br/jt-variedades/sina-de-palhacos-leva-circo-a-crianca-moderna/

http://guiadecidades.terra.com.br/pe/arte-e-cultura-teatro-infantil-peca-malas-palhacos-e-cambalachos-estreia-en-sao-paulo

http://origin.vejasp.abril.com.br/teatro/malas-palhacos-e-cambalacos

Credores, do Grupo Tapa

2012-01-20T19:41:00.000-08:00

Sergio Mastropasqua e José Roberto Jardim

Credores fala de amor e ódio. Mostra até que ponto uma alma ferida pode endurecer o coração e desejar vingança.

Um homem abandonado, Adolfo, faz de tudo para atrapalhar o atual casamento de sua ex mulher, Tekla com Gustavo, um artista frágil e inseguro. A ação se passa num hotel e a cada momento o relacionamento do casal, já em crise, fica mais complicado. Num primeiro momento não é mostrado ao público a identidade de Adolfo, só dá a atender que é um amigo ou conhecido de Gustavo que tenta a todo custo mostrar que Tekla não é uma mulher confiável.

A montagem é uma adaptação da obra de August Strindberg, que no ano passado foi encenada também pelos atores Reynaldo Gianecchini, Maria Manoella e Erik Marmo , sob direção de Elias Andreato.

Apesar da obra ser a mesma, não é possível fazer comparações. As adaptações e encenações são distintas e cada uma possui qualidades específicas.

No caso de Credores, Tolentino sempre dá espaço para que o diálogo e a interpretação dos atores sejam o centro das atenções. Cenário, trilha, luz e figurino estão totalmente a serviço do texto e da interpretação. Em cena basicamente alguns bancos que se movem de acordo com as cenas.

Os diálogos são fortes e o elenco merece elogios. Sergio Mastropasqua e José Roberto Jardim fazem os seus personagens, Adolfo e Gustavo, com vigor. Estão entre os grandes atores brasileiros. Chris Couto, por sua vez, também tem um bom desempenho.

José Roberto Jardim e Chris Couto

Acompanho especialmente a trajetória de Jardim, integrante do grupo de teatro Os Fofos e o ator, a cada trabalho mostra que merece o reconhecimento que tem conquistado ao longo de sua carreira. Tive o privilégio de assistir a todos os seus trabalhos com o Grupo Os Fofos e diversas participações em espetáculos diversos, entre eles: Recordar é Viver, Na Cama Com Tarantino, O Encontro das Águas e Da Possibilidade da Alegria no Mundo.

Sergio Mastropasqua atuou em peças como Hotel Lancaster, Cândida, A Mandrágora, A Falecida e sempre com um desempenho marcante. A atriz Chris Couto, por sua vez, atuou em A Mandrágora, As Raposas do Café, As Mulheres da Minha Vida e Ligações Perigosas, trabalhos que tive a oportunidade de conferir.

O Tapa está entre os grupos mais conhecidos e respeitados da cena cultural paulistana. Investe em textos clássicos da dramaturgia brasileira e estrangeira e merece a atenção de quem aprecia teatro. Num país em que viver de arte é complicado, o Tapa conquistpou um público cativo e coleciona inúmeros sucessos, como A Importância de Ser Fiel e Camaradagem.

Texto: August Strindberg Direção e tradução: Eduardo Tolentino de Araújo
Elenco: Chris Couto, Sergio Mastropasqua e José Roberto Jardim. Participação de Conrado Sardinha.

Local: Viga Espaço Cênico (74 lugares) Tel.: (11) 3801-1843.
Endereço: Rua Capote Valente, 1.323 (Próximo ao metrô Sumaré)
Horário(s): quinta a sábado, às 21h30; domingo, às20h Preço(s): R$ 40,00 (inteira) - R$ 20,00 (meia)
Classificação: 14 anos. Duração: 60 minutos Temporada: 12 de janeiro a 19 de fevereiro de 2012

http://www.grupotapa.com.br

Para saber mais sobre o ator José Roberto Jardim
http://www.spescoladeteatro.org.br/enciclopedia/index.php/Jos%C3%A9_Roberto_Jardim

Sobre Sergio Mastropasqua

http://ondeanda.multiply.com/photos/album/1803?&show_interstitial=1&u=%2Fphotos%2Falbum

Sobre Chris Couto

http://ondeanda.multiply.com/photos/album/1120

Palácio do Fim

2012-01-17T09:46:00.001-08:00

foto de Guga Melgar

A estreia em São Paulo do espetáculo Palácio do Fim é um dos destaques do início da temporada teatral 2012

Depois de sucesso no Rio de Janeiro, no Teatro Poeira, o espetáculo fica em cartaz até 11 de março no Teatro Sesc Anchieta.

Por Nanda Rovere

Palácio do Fim, de autoria da dramaturga canadense, Judith Thompson, mostra a trajetória de três personagens envolvidos com a guerra do Iraque. A direção é de José Wilker e no elenco estão Camila Morgado, Antônio Petrin e Vera Holtz.

O texto apresenta os dois lados do conflito e como a tragédia afeta igualmente essas pessoas. São monólogos, mas a peça está dividida em 16 partes interligadas, e que, segundo o diretor José Wilker, ¨é a língua que as junta¨. ¨Apesar dos personagens serem estrangeiros, há um sentimento brasileiro nas falas¨, afirma.

O diretor assistiu a uma montagem do texto em Nova York há três anos e se encantou pela obra. Segundo Wilker, o que o atraiu foi a forma como a autora tratou o assunto, a teatralidade presente na obra e o tom de poesia presente o tempo todo, apesar da dramaticidade das histórias. O tema, na sua opinião, é tratado com ternura e sensibilidade. ¨Eu conhecia os fatos, mas não sabia o que havia de sentimento por trás desses fatos", diz o diretor.

Para Wilker, o texto faz referência ao nosso cotidiano e, por mais que possa parecer um paradoxo, a bestialidade lá é semelhante à que encontramos aqui no Brasil. Como exemplo, temos a Cracolândia, que merece um tratamento melhor do que uma simples manchete no jornal.

A atriz Camila Morgado interpreta a oficial do exército americano, Lynndie England, que foi fotografada torturando prisioneiros em Abu Ghraib, no Iraque. O abuso de poder e a atrocidade do seu ato exemplifica a barbárie da guerra.

A atriz se preocupou em dar verossimilhança à sua personagem. Para isso, entrou na atmosfera da guerra a partir de pesquisas e filmes sobre o assunto. ¨A minha preocupação principal foi não julgá-la, já que o público já tem repulsa por ela devido à repercussão do fato¨, conta Camila.

Antonio Petrin vive o inspetor de armas britânico, Dr. David Kelly, que contou à BBC que não havia armas de destruição em massa no Iraque. Petrin salienta que o seu personagem provavelmente se suicidou (apesar de também haver indícios de que foi assassinado) e a sua tentativa foi a de interpretar o seu personagem em toda a sua integridade.

Vera Holtz, num primeiro momento, hesitou em aceitar o convite de Wilker para participar da montagem, mas hoje diz que está muito satisfeita com o resultado. Vera é Nehrjas Al Saffarh, ativista iraquina e membro do Partido Comunista, morta num bombardeio durante a guerra do Golfo, em 1993. Na peça, depois de morta, fala sobre a sua trajetória e os horrores a que foi submetida.

Vera declara que foi muito interessante trabalhar com uma tragédia tão conhecida por todos nós e diz que a personagem começou a ter vida a partir das imagens e leituras dos jornais e internet.

Para Wilker, o teatro aprimora a sensibilidade e visa a comunhão. Neste sentido, salienta que o seu objetivo enquanto diretor foi buscar o que está por trás da palavra e entender como ela pode tocar a alma das pessoas e até que ponto é possível estabelecer com a plateia uma relação ritualística.

Apaixonado por cinema, afirma que a peça é muito cinematográfica e faz uma comparação entre o cinema e o teatro: o teatro roubou muita coisa do cinema e no palco é possível que o ator chame a atenção para si como se tivesse uma câmara a seu serviço, diz.

Um dos destaques da montagem é a iluminação: a luz é cortada como se ela enquadrasse determinadas partes do espetáculo. O jogo de luz e sombras valoriza a poesia do texto e dá beleza à encenação, que prima pela discrição, seja na direção, interpretação, luz, cenário, trilha e figurino, mas sem deixar de lado a força e a precisão do texto.

A receptividade carioca foi muito boa. Os atores e o diretor declaram que o público saía do teatro comovido e a expectativa para São Paulo é que o sucesso se repita. Palácio do Fim chega à capital paulista com quatro indicações ao Prêmio Shell: direção para José Wilker, atriz para Vera Holtz, iluminação para Maneco Quinderé e figurino para Beth Filipecki.

foto do Douglas Picchetti
Coletiva

Serviço:

Palácio do Fim

Estreia dia 20 de janeiro, sexta-feira, às 21 horas, no Teatro Anchieta do SESC Consolação.

Tradução - João Gabriel Carneiro.

Cenografia - Marcos Flaksman.

Figurinos - Beth Filipecki.

Iluminação - Maneco Quinderé.

Música original -Marcelo Alonso Neves.

Temporada - 20 de janeiro a 11 de março.

Sextas e sábados às 21 horas e domingos às 18 horas.

Ingressos - R$32,00 inteira, R$16,00 meia e R$8,00 comerciários.

TEATRO ANCHIETA – Rua Dr. Vila Nova, 245. São Paulo/SP. Tel: 11 3234-3000.

O Grande Espírito da Intimidade

2011-12-17T09:14:00.001-08:00

O Grande Espírito da Intimidade

Complicado descrever em palavras as sensações e emoções da montagem. O diálogo começa intenso, mas os atores estão imóveis e a partir de um certo momento, a intensidade nos movimentos e na interpretação é impressionante.
A inquietude da alma, a vontade de ir de encontro às raízes indígenas, a dificuldade de se entregar a uma só pessoa, são algumas das questões tratadas no texto de Leo Lama. A imutabilidade, a aacomodação diante da vida é espressa pelo não movimento corporal do início. A partir do momento que o protagonista decide transformar a sua vida, os movimentos ficam intensos, circulares, reveladores.

O texto é metafórico, intenso surpreendente e a interpretação dos atores acompanham essas características.

As fraquezas humanas, a arte, o teatro que inunda o cotidiano, as máscaras que escondem a verdadeira essência humana...a carne que queima e dói quando perdemos algo importante em nossas vidas...

Clovys Torres e Adriana Londoño estão excelentes, extasiam o público com tanto vigor na interpretação. Muito bom!

A trilha merece também destaque. Canções que despertam as nossas emoções, nos conectam ao nosso ¨eu¨ e às manifestações indígenas. Fernanda de Paula toca instrumentos de percussão e imana o teatro com a sua bela voz.Quêm não pôde prestigiar a temporada de 2011, fique ligado para não perder no ano que vem!

Teatro que visa a reflexão; difícil não sair da sala de espetáculos com os pensamentos fervilhando. São muitas as ideias que Leo Lama expõe e só assistindo para entender a profundidade de tudo que é tratado. Como é importante para a nossa vida assistir a treabalhos que nos faz pensar sobre as nossas atitudes...

SERVIÇO:
AUTOR: LEO LAMA
DIRETOR: ANDREAH DORIM
ELENCO: ADRIANA LONDOÑO, CLOVYS TORRES e FERNANDA DE PAULA
PRODUÇÃO: Clovys Torres Produções Artisticas
REALIZAÇÃO: Adriana Londoño, Clovys Torres, Andreah Dorim e Fernanda de Paula

Para ler a sinopse e saber mais detalhes:
http://agitosp.wordpress.com/2011/12/03/o-grande-espirito-da-intimidade/

Um Espetáculo Sem Patrocínio
Entrada Gratuita (Retirar ingresso 30 minutos antes)
No site está 23h00 e no cartaz 21h00, é 21h00

A peça "Um Espetáculo Sem Patrocínio" aborda assuntos cruciais em conexão com os diálogos mais importantes da atualidade no Brasil e no mundo. Ética, relação dos artistas com o poder, Leis de Incentivo à Cultura, corrupção, desvios de caráter, abusos sexuais, atalhos para o sucesso e, principalmente, a esperança de que ainda é possível virar o jogo e seguir o caminho do coração, da vocação honesta e não corrompida.

Rua: Inácio Pereira da Rocha, 170
Vila Madalena
Telefone : 3032-4379

Walderez de Barros interpreta Hécuba com um vigor impressionante

2011-11-20T11:11:00.001-08:00

HÉCUBA - Um dos trabalhos mais impactantes de Gabriel Villela quanto ao movimento dos atores em cena, quanto à precisão do canto e dos diálogos... Não que os trabalhos dele não tenham tal qualidade, mas Hécuba, nossa, foi muito marcante...

Abaixo um texto que fiz, mas o impacto da tragédia grega ainda pulsa em mim e certamente ainda farei mais comentários no decorrer da temporada

Walderez de Barros interpreta Hécuba com um vigor impressionante

Por Nanda Rovere

Noite marcante foi a estreia de Hécuba! Cada vez que vejo um trabalho de Gabriel Villela, mais me apaixono pelo teatro e o considero a arte do encantamento.

Para contar a história de Hécuba, que perde seus filhos, e mostrando como a vingança é a maneira pela qual se faz justiça, Gabriel Villela criou cenas com muita beleza, sem deixar de lado o tom trágico da obra.

A tragédia fala da desumanização diante da guerra. Coloca em debate, por exemplo, a deturpação dos valores, o tênue limite entre o que é certo ou errado, o que é moral ou imoral numa guerra.

A tragédia acontece no acampamento dos gregos, à beira-mar, e nos coloca algumas questões: Como é possível para Hécuba lidar com a mítica do sofrimento e com a perda dos filhos? Quantas Hécubas existem hoje nas guerras? O que ela faz é vingança ou justiça? Qual o limite entre vingança e justiça? Qual o limite entre o homem bárbaro e o homem civilizado? O limite é muito pequeno e a vingança se transforma em algo nobre - aparece a questão da legitimidade da vingança: Hécuba mata os filhos de seu inimigo e arranca os olhos de Polimestor. Após a vingança, há o retorno ao animal presente na mitologia grega como um todo. Eis algumas questões presentes na obra, que é colocada no palco com maestria.

Walderez é a estrela! Tinha que ser ela a Hécuba! Magnífica, tom exato para a tragédia! A dor que Hécuba apresenta é insuportável e Walderez dá a cada frase um peso, uma dramaticidade que é impossível não se sensibilizar com tanta tristeza! A atriz, uma das maiores brasileiras, faz a sua terceira tragédia grega: já atuou em Electra, de Sófocles, em 1987, e Medéia, 1997, ambas com direção de Jorge Takla.

É muito bom ver atores experientes e competentes num trabalho tão intenso, com uma expressividade excelente, seja vocal ou corporal. O sentimento está à flor da pele. Flávio Tolezani, Fernando Neves, Léo Diniz, Luisa Renaux, Luiz Araújo, Marcelo Boffat, Nábia Vilela e Rogério Romera, todos merecem elogios, cumprem a sua função em cena com afinco.

O canto toca fundo na alma e transmite ao espectador todo o sofrimento de uma mãe que perde seus filhos; o sofrimento de um povo que vivia na glória, mas padecia na escravidão após a guerra. Um trabalho vocal excelente, que contou com a ajuda preciosa de Francesca della Monica e Babaya.

O candomblé, que norteia a movimentação do coro, nos coloca diante da força mística da natureza, diante da figura mítica da mãe que sofre pela morte dos filhos, mas cujo sofrimento, na verdade, é o sofrimento de todo o seu povo. Os movimentos e gestos são precisos, impactantes. Utilizo aqui uma observação de LUIZ CARLOS MERTEN: ¨O teatro grego tem origem na religião. As tragédias eram representadas como festas litúrgicas. Gabriel Villela, em Hécuba, restabelece a liturgia, acrescentando-lhe elementos de candomblé. Ele colore a tragédia - figurinos, adereços - sem carnavalizá-la. E ainda corta o texto, conduz nosso olhar, como num filme. Se o palco fosse tela, Villela seria o Cacoyannis do teatro brasileiro. Walderez de Barros, com sua máscara trágica, é melhor que Hepburn, mas espere para ver Nábia Vilela cantar. É arrasadora.¨, diz o crítico.

A sobriedade da tragédia domina o cenário, em contraste com o vermelho do ¨portal¨( que é a entrada para o infortúnio); o vermelho, que é dor e sofrimento, que é quente, chamativo, nos faz sofrer juntamente com os personagens...

As máscaras também são marcantes. Usadas no teatro grego, ganharam neste espetáculo um significado especial: a homogeneidade que elas apresentam representaram,, para mim, sofrimento não somente do povo grego, mas de toda a humanidade, que vive subjugada, submissa, escravizada...

Para saber mais detalhes, acessar www.oteatrodadelicadeza2.blogger.com.br. Lá se encontram inúmeras matérias sobre a peça. Escrever mais observações é tirar do espectador a oportunidade de assistir a montagem e tirar as suas próprias conclusões.

Imperdível!

Ficha técnica

Texto – EURÍPIDES. Tradução - MÁRIO DA GAMA KURY - Direção, Adaptação e Figurinos - GABRIEL VILLELA. Assistência de direção - CÉSAR AUGUSTO e IVAN ANDRADE. Elenco – Walderez de Barros, Flávio Tolezani, Fernando Neves, Luisa Renaux, Léo Diniz, Luiz Araújo, Rogério Romera, Nábia Villela e Marcelo Boffat Cenografia - MÁRCIO VINÍCIUS. Adereços - SHICÓ DO MAMULENGO. Desenho de luz - Miló Martins. Preparação vocal – BABAYA. Antropologia da voz - FRANCESCA DELLA MONICA. Direção musical e arranjos vocais - ERNANI MALETTA. Preparação corporal - RICARDO RIZZO.

Serviço:

Teatro VIVO – Av Chucri Zaidan, 860, Morumbi.

De 18 de novembro a 18 de dezembro.

Teatro Vivo. Temporada. sextas às 21h30, sábados às 21h e domingos às 20h Ingressos: R$ 40,00 às sextas e domingos e R$ 60,00 aos sábados - http://ingressorapido.com.br . Fone- 4003-1212, ou diretamente na bilheteria do teatro. Duração: 60 min. Capacidade do teatro: 290 lugares. Classificação etária 12 anos. Estacionamento com manobrista: R$15,00 (só dinheiro) Bilheteria: aberta de terça a quinta das 14h às 20h e de sexta a domingo, das 14h até o início do espetáculo.

Tel: 11 7420-1520 Aceita todos os cartões.

RELEASE DE HÉCUBA ( ARTEPLURAL COMUNICAÇÃO) - trechos

Após a queda de Tróia, conquistada e destruída pelos gregos, eles ansiavam partir de volta à Pátria, mas suas naus estavam retidas no Quersoneso Trácio. Neste ínterim, o fantasma de Aquiles apareceu aos gregos para pedir-lhes que fosse sacrificada sobre seu túmulo a virgem Polixena, uma das filhas de Príamo e Hécuba, rei e rainha de Tróia.

Odisseu (Ulisses) dirigiu-se à tenda onde estava Hécuba com a missão de levar Polixena para o sacrifício. Ele não se comoveu com o desespero de Hécuba nem com a circunstância, relembrada por ela, de Odisseu dever-lhe a própria vida. Mas Polixena, demontrando uma altivez heróica e irredutível a sua honra real, preferiu a morte à escravidão e seguiu espontâneamente Odisseu para seguir seu destino.

Hécuba preparava os funerais da filha sacrificada quando uma nova desgraça recaiu sobre ela. Polidoro, seu filho mais novo, fora confiado por Príamo a certa altura da guerra de Tróia a Polimestor, rei do Quersoneso Trácio, levando consigo parte dos tesouros do rei dos troianos.

Ao saber da rendição de Tróia, Polimestor mandou matar o menino com a intenção de apoderar-se dos tesouros e ordenou que lançassem o cadáver ao mar. O corpo veio ter à praia e foi entregue à rainha desesperada. Hécuba apelou a Agamêmnon para que vingasse a morte do filho, mas ele relutou em atender.

Diante disso, Hécuba vingou-se com suas próprias mãos, atraindo Polimestor e seus filhos a sua tenda, onde elas e suas companheiras de cativeiro mataram os filhos e arrancaram os olhos do pai. Em face do fato consumado, Agamemnom ordenou que Polimestor fosse abandonado numa ilha deserta enquanto as naus gregas, impelidas por ventos finalmente favoráveis, levaram Hécuba e as outras cativas troianas.

Grupo Galpão faz curta temporada em São Paulo

2011-11-12T22:15:00.001-08:00

Grupo Galpão faz curta temporada em São Paulo
Por Nanda Rovere

O Grupo Galpão brinda São Paulo com mais um trabalho, Tio Vânia. O grupo ficou conhecido nacionalmente e internacionalmente com Romeu e Julieta, em 1992, mas antes disso já chamava a atenção por onde se apresentava, pelo talento.
O Galpão tem um trabalho pautado pela pesquisa para a estreia dos espetáculos, apresenta uma agenda diária de ensaios e exercícios para o aprimoramento vocal, corporal e da interpretação.
Conhecidos por trabalhos em que o caráter popular nas encenações impera, o grupo poderia encenar espetáculos que criassem uma espécie de ¨grife¨, mas a busca de desafios guia a trajetória dos artistas.
Tio Vânia apresenta o desfacelamento de personagens que por diversos motivos estão infelizes com a sua rotina. Tio Vânia e Sônia sempre cuidaram da fazenda e deixarem de lado as suas vidas particulares para assim manterem o sustento de seus familiares. É uma encenação contida, com desenho de personagens que estão com a alma dilacerada.
A chegada de Serebriákov e sua jovem esposa, Helena, mexe com a estrutura familiar. Serebriákov, um escritor de renome está doente e a sua mulher Helena, é linda, cobiçada e ela acaba atiçando a desarmonia familiar.
Tio Vânia é um texto pesado, mas as cenas são poéticas e a diretora conseguiu extrair humor do texto, um humor corrosivo, mas que suaviza o teor dramático dos diálogos. Não há final feliz, como na vida em que muitos fatos não terminam como gostaríamos. Após uma briga que quase termina em tragédia, há pedidos de desculpas e a vida continua pacata e mais calma com a volta de Alexandre e Helena para a cidade grande.
A peça começa com a família em torno de uma grande mesa de refeições e os próprios atores transformam os espaços, que se transformam em diversos ambientes, como sala de visitas, cozinhas e quartos. Um cenário funcional e interessante quanto a sua estrutura e aparência. Dr Morris assina a trilha que faz com que as cenas sejam mais interessantes e acentua tanto os momentos mais leves e quanto os mais pesados.
Algumas cenas merecem destaque: A conversa entre Helena e Sônia, na qual esta expõe o seu amor pelo médico amigo da família, Ástrov. É uma cena de reconciliação em que as atrizes estão Fernanda Vianna e Mariana Mariana Lima Muniz, respectivamente, estão sublimes. Há uma cumplicidade entre ambas, apesar de diferenças e desavenças.
A confusão mental dos personagens diante da doença de Alexandre e a sua falta de sensibilidade também merece destaque. Outro momento, o clima de romance que se estabelece entre Helena e o médico, o desejo é intenso. A briga entre Vânia e Alexandre é um momento chocante e que os atores se entregam com vigor. Por fim, a rotina de contas e trabalho, com foco num monólogo de Sônia, que apesar dos pesares, aceita o seu destino, numa interpretação tocante de Mariana Muniz
Citar interpretações marcantes não é possível porque o Galpão sempre apresentou homogeneidade quanto ao talento dos atores, que passam verdade nas emoções e dominam o tom realista da montagem. Falar de um e não falar de outro não seria justo. Mas vale destacar que a atriz Teuda Bara sempre teve uma empatia grande com o público, devido ao seu jeito ¨bonachão¨, alegre. Nessa peça não é diferente. Apesar da história ser um drama. a atriz mantém essa sintonia com o público. Os personagens se adequam às características dos atores e mais uma vez o Grupo mostra o porquê do sucesso que faz. São quase trinta anos de carreira. E se o restante dos integrantes fez falta nesta montagem, uma boa notícia: está para estrear mais uma encenação do Galpão, com texto novamente do Tchékhov, direção de Jurij Alschitz.

Sinopse “Tio Vânia (aos que vierem depois de nós)”

Peça escrita em 1897 por Anton Tchékhov, "Tio Vânia" tem como tema central a perda inevitável das ilusões e a consequente necessidade do homem de se reinventar e de enfrentar o futuro.

Vivendo numa propriedade rural, Vânia, o protagonista, descobre, com quase cinquenta anos, que até então desempenhou um papel secundário e irrelevante na vida. Essa constatação ocorre quando o Professor Serebriákov, viúvo de sua irmã, deixa a cidade para viver na fazenda com sua nova esposa, a jovem e atraente Helena. O novo morador, até então um mito, não só para Vânia, mas para toda a família, acaba revelando, com a proximidade, seu verdadeiro caráter: um homem arrogante e um intelectual medíocre.

A chegada do casal Helena e Alexandre altera completamente a rotina da casa. Não só pela prepotência do Professor, mas também pela perturbadora presença de Helena, que incendeia a imaginação de Vânia e atrai irresistivelmente o Dr. Ástrov, um médico amigo da família, com ideias originais com relação ao futuro da terra, e objeto da paixão de Sônia, sobrinha de Vânia e filha de Serebriákov. Atormentada entre o desejo e o sentimento de culpa, Helena acaba seduzida por Ástrov sem, contudo, se permitir realizar sua paixão.

Elenco
Antonio Edson / Tio Vânia
Arildo de Barros / Serebriákov
Eduardo Moreira / Ástrov
Fernanda Vianna / Helena
Paulo André / Teléguine
Teuda Bara / Maria Vassiliévna
Atriz convidada: Mariana Lima Muniz / Sônia
Direção: Yara de Novaes
Texto: Anton Tchékhov
Tradução e adaptação: Grupo Galpão
Cenografia e Figurino: Márcio Medina
Iluminação: Pedro Pederneiras
Preparação Corporal e Assessoria de Movimento Cênico: Mônica Ribeiro
Trilha Sonora e Música Original: Dr Morris
Direção vocal de texto: Babaya
Caracterização: Mona Magalhães
Assistência de Direção: Paulo André
Cenotécnicos: Helvécio Izabel, Bruno Cerezoli, Elton John
Fotos: Guto Muniz
Produção Executiva: Beatriz Radicchi
Direção de Produção: Gilma Oliveira
Produção: Grupo Galpão
Patrocínio: Petrobras

Tio Vânia (aos que vierem depois de nós)
Direção: Yara de Novaes

4 a 20 de novembro de 2011
Sexta e sábado, às 21h
Domingo, às 18h
Teatro Sesc Vila Mariana
Rua Pelotas, 141 – Vila Mariana
Telefone: (11) 5080 3000
Ingressos à venda na bilheteria do teatro
R$ 24 (inteira)
R$ 12 (meia-entrada para jovens de até 21 anos, estudantes, classe teatral, maiores de 60 anos,
clientes Cartão Petrobras – até 2 ingressos –
e força de trabalho da Petrobras – até 2 ingressos com a apresentação do crachá)
R$ 6 (comerciários)
Não recomendado para menores de 12 anos

Serpente Verde Sabor Maçã

2011-11-05T23:11:00.000-07:00

Lulu Pavarin

Serpente Verde Sabor Maçã, de Jô Bilac e Larissa Câmara, apresenta a loucura da Senhora G, que mata as suas visitas se estas lhe parecem portadoras de um caráter duvidoso.
Um delicioso chá de maçã pode reservar desagradáveis surpresas...
As vítimas são pessoas interessadas na compra da casa em que Senhora G reside. Nenhum personagem é totalmente bom ou mau. Aos poucos eles vão expondo as suas qualidades e defeitos e a anfitriã Senhora G considera que está fazendo um favor á humanidade quando elimina um ser abominável. Ela decide quem vive, quem é bom ou mau, e se sente importante pelo poder que detém sobre o destino dessas pessoas: se escolher o chá do bule prateado o envenenamento.; senão a pessoa ainda tem uma chance de sobreviver...
A cada momento em que a Senhora G vai servir o chá há o suspense: mais um assassinato? Mas a montagem não é depressiva e Lulu é uma das responsáveis pelo dinamismo das cenas.
Num tom expressionista, a peça transcorre com humor e tem como trunfo o talento dos atores, especialmente de Lulu Pavarin que dá um show em cena e está ao lado de atores competentes.
Os personagens são caricatos e os atores criaram vozes para ampliar o caráter exagerado e sombrio da montagem, além das movimentações e gestos que deixam os personagens mais bizarros quando estão prestes a morrer.
Lavínia Pannunzio é uma diretora talentosa, que conseguiu criar cenas inteligentes. A encenação teve como inspiração obras cinematográficas como Cidade dos Sonhos, de David Lynch e o público se diverte com os atos e delírios, absurdos, de Senhora G.
Luz, cenário, figurino e trilha reforçam o espírito sombrio da peça e entre os destaques: a roseira na qual as vítimas são enterradas e a escadaria do casarão, que nos remete a filmes de época.
Confesso que esse estilo de espetáculo não é da minha preferência, mas como não tecer elogios a uma equipe competente?
Sempre é um prazer prestigiar as direções de Lavínia, um dos grandes talentos do nosso teatro, seja atuando ou dirigindo.
Para quem gosta de comédia de humor negro esta peça é uma boa pedida. Sem contar, claro, a competência da equipe envolvida.
A produção é da Casa 5 (do titã Branco Melo e da atriz Angela Figueiredo, que interpreta o papel da Senhora White) em parceria com a recém-formada Cia das Trevas, fundada por Ângela Figueiredo, Luna Martinelli e Fernando Fecchio.
Algumas matérias revelam mais detalhes da peça:
http://www.colheradacultural.com.br/content/jo-bilac-e-larissa-camara-criam-fabula-dark-insana-em-serpente-verde-sabor-maca.php
http://www.dcomercio.com.br/index.php/dcultura/sub-menu-dcultura/74356-dois-bules-para-brincar-de-deus
Serviço

Espaço Parlapatões
Temporada: Quintas e sextas-feiras às 21 horas.

Ingressos: R$15,00 e R$30,00.
Duração: 75min
Censura: 14 anos.

Ficha Técnica

Texto: Jô Bilac e Larissa Câmara
Direção: Lavínia Pannunzio.
Elenco: Lulu Pavarin, Ângela Figueiredo, Luna Martinelli e Fernando Fecchio.
Cenário: Cássio Brasil.
Luz: Aline Santini
Figurinos: Daniel Infantini
Trilha Sonora: Branco Mello.
Coreografia: Lara Pinheiro.
Programação Visual: Zootz Comunicação.
Realização: CASA 5 e Cia das Trevas.

Lobato ou O Labirinto dos Sonhos evoca a imaginação das crianças

2011-11-05T22:48:00.000-07:00

"Um escritor em crise só consegue resolver esse problema com a ajuda de amigos".

Através dessa história interessante, a peça não subestima a criança. Coloca em pauta assuntos que contribuem e ressaltam o respeito ao próximo e fortalecem a idéia da necessidade do outro para nos ajudar a enfrentar as barreiras que a vida nos oferece. Não podemos perder a capacidade de sonhar, nem a força para lutar nos momentos difíceis.

Lobato não consegue cumprir a promessa de terminar um livro com histórias folclóricas. Tudo que coloca no papel lhe soa banal e repetitivo. Desesperado, e sem saber o que fazer, a realidade se fundem em sua mente.

Uma boneca inteligente e vivaz sai de um baú e ajuda Lobato a resolver a sua crise de criação. Numa aventura, cheia de mistérios, encontram um cigano alquimista, uma linda sereia do mar e a curupira. Não dá para saber se o que estamos vendo é realidade ou imaginação de Lobato.

Assim como na obra de Monteiro Lobato, a peça promove leva pessoas de todas as idades a uma viagem deliciosa, mágica e sem limites pela nossa cultura.

Explicar com maiores detalhes a montagem tirará o prazer da descoberta, pois o que vale é deixar a sensibilidade aflorar, o que é fácil diante dos figurinos coloridos e da encantadora trilha sonora, que dá ritmo às cenas e salienta o clima de fantasia.

Pouco a pouco o livro vai ganhando forma, numa lúdica homenagem aos artistas, sobretudo aos escritores que como Monteiro Lobato enriquecem a vida das crianças com suas histórias instigantes…afinal que artista nunca passou por uma crise de criação?.

O elenco está de parabéns, assim como o autor e diretor estreante. Canto, movimentações criativas, um elenco competente e uma direção que valoriza o caráter lúdico do texto, garantem a qualidade da montagem.

Essa é a dica de espetáculo infantil para os próximos finais de semana. A vida corrida não possibilita que tenhamos tempo para dar vazão à nossa imaginação, para valorizar o onírico. Peças como Lobato ou O Labirinto dos Sonhos contribuem para que a criança não deixe morrer a sua capacidade de sonhar.

Lobato ou O Labirinto dos Sonhos Texto e direção: César Augusto, ator e diretor que já fez parte do CPT e hoje trabalha com o diretor Gabriel Villela
Elenco: Haroldo Joseh, Ana Paula Grande, Eduardo Tocha Poyares, Yayá Vasconcelos, Giovanna Romanelli e Célia Garcia Ferper
Produção: HS Produções, do ator Hélio Souto Jr

super dica

2011-11-05T22:46:00.000-07:00

peça com a querida e muuuuuito talentosa Lavínia Pannunzio eu indico com muito gosto! Com Julio Machado, Marcio Aurelio, Renata Araújo, Regina França, Antonio C A Campos, João Carlos Andreazza Andreazza, Lavínia Pannunzio e Maria Stella Tobar. Direção do Marcio Aurélio

Ator Elias Andreato brilha no espetáculo solo Doido

2011-11-03T10:28:00.000-07:00

Já indiquei muito o espetáculo Doido, solo de Elias Andreato. Não vou
repetir dados sobre o espetáculo, que estão logo acima no folder, mas saliento que quanto mais conheço o Elias como artista e pessoa, mais fico encantada.
Elias está pleno, sublime em Doido. Seu mergulho na alma de um artista com
seus amores, alegrias e angústias, emociona muito.

Ator Elias Andreato brilha no espetáculo solo DoidoPor Nanda Rovere

Elias Andreato é um dos profissionais de teatro mais experientes e atuantes
no momento.

Só neste ano, esteve em cartaz com Édipo (direção e atuação) e direção: Futilidades Públicas, Decifra-te ou Me Devora, Cruel,
Florilégio, em cartaz no Museu da Casa Brasileira, e Que Rei Sou Eu? no Eva Herz ( ler meu texto sobre a peça no http://arteessenciadavida.blogspot.com/).

Doido faz uma interessante miscelânea de diversos artistas que escreveram
com maestria sobre a essência humana e sobre a arte.
Apresenta textos de autores que falaram de uma maneira tocante sobre o amor,
a vida e o teatro, como Shakespeare, Vinícius de Moraes, Oscar Wilde, Dante
e Fernando Pessoa.
Um foco de luz dirige o olhar do espectador para o ator e durante 60 min não
é possível desgrudar a atenção do palco. Elias Andreato tem uma energia
tocante e domina o palco, seja em espetáculos solos (Doido é o seu sétimo
monólogo) ou contracenando com outros colegas de profissão.
No palco, além do ator, uma mesa, uma cadeira e poucos objetos de cena.
Elias passa quase toda a apresentação sentado e interagindo com os objetos,
num misto de reflexão, loucura e êxtase diante do amontoado de emoções que
transmite.
Dirigindo-se à platéia, o ator expõe sentimentos comuns a todos nós com uma
força avassaladora. Ele se entrega de corpo e alma a esse trabalho, que
reflete as suas alegrias e indagações sobre a profissão de ator. ¨É no
teatro, a 'grande casa de doidos da humanidade', que podemos viver
intensamente todos os personagens e espiá-los pelo buraco da fechadura¨,
declarou, para constar no release.
Quem acompanha a sua carreira, sabe que o seu talento para interpretar
personagens ecléticos proporcionou-lhe um merecido reconhecimento, com
diversos prêmios no currículo nos seus 30 anos de carreira.
Assistir a esse espetáculo é passeio obrigatório para quem aprecia as artes
cênicas. É diversão, aliada a excelente oportunidade para uma reflexão sobre
o ser humano e a arte.
O público sai do teatro impressionado com a entrega do ator, fato comprovado
pelas calorosas e demoradas palmas após o espetáculo.

> Trajetória profissional:
Domina o drama e a comédia, criando personagens carismáticos. Dirigiu
inúmeras montagens, como Andaime, Adivinhe Quem Vem Para rezar e Visitando O
Sr Green.
Atua no teatro, cinema e TV. Estreou profissionalmente em 1977, em Pequenos
Burgueses, numa montagem dirigida por Renato Borghi, e conquistou o
reconhecimento do público e da crítica.
Lua de Cetim, Artaud, O Espírito do Teatro,Van Gogh, Oscar Wilde, O Avarento
e Amigas Pero No Mucho são algumas peças em que atuou e exemplificam a
competência do artista para atuar em estilos de peças diferentes.
No cinema, participou dos filmes: O Príncipe, Boleiros, Sábado, O Efeito
Ilha, Doces Poderes, Irmãos de Fé, entre outros. Na TV, merece destaque o
Adamastor em Beleza Pura.
O crítico Armindo Blanco definiu muito bem o talento do ator: "É um
arco-íris de sensibilidade, um poderoso supridor de emoções, empenhando-se
até o limite da exaustão. Tem a técnica vocal e gestual de um ator
consumado¨ (Fonte Enciclopédia de teatro do Itaú Cultural).

Florilégio
Mira Haar e Carlos Moreno, acompanhados do tecladista Jonatan Harold
Sábados e domingos às 16h
No terraço do Museu da Casa Brasileira
Avenida Faria Lima, 2705 - Jardim Paulistano. Fone: 11 3032-3727
Gratuito

Que Rei Sou EU?
Renato Borghi divide o palco com Patrícia Gasppar e o maestro Jonathan Harold
Teatro Eva Herz (166 lugares). Av. Paulista, 2.073 – Livraria Cultura / Conj. Nacional. Quartas-feiras, às 21h. Ingressos: R$ 40. Duração: 60 minutos. Classificação etária: 14 anos. Bilheteria: terça a sábado, das 14h às 21h; domingo, das 12h às 19h. Em feriado, sujeito à alteração. Aceita todos os cartões de crédito. Não aceita cheque. Informações: (11) 3170-4059

Bjs
Nanda

A Javanesa, de Alcides Nogueira, fala do amor com maestria

2011-10-30T22:29:00.000-07:00

Alcides Nogueira é daqueles dramaturgos que tocam no fundo da alma. A Javanesa, de sua autoria, que entrará em cartaz no Rio de Janeiro, não é diferente. A peça já fez temporada em São Paulo e fica a dica para os cariocas.

O monólogo, escrito especialmente para o ator Leopoldo Pacheco, apresenta o intenso relacionamento amoroso de um casal que se conhece aos 25 anos, se separa e após 30 anos se reencontra. Não há nomes; ele a chama de Javanesa, por não saber seu nome, e por ela sempre cantarolar a nostálgica canção de Serge Gainsbourg.

De modo não linear, cada personagem vai contando a sua versão da história, expondo os seus sentimentos.

O medo de se entregar fervorosamente à paixão fez com que o casal se separasse. Não compartilharam um com o outro as dúvidas, as inseguranças e acabaram por desperdiçar uma relação... O reencontro é sofrido, bonito. Trinta anos não foi tempo suficiente para apagar as boas - e más - lembranças...as noites de amor e carinho, a estranha sombrinha amarela da Javanesa, a sua predileção pela flor chamada saudade, as angústias, as brigas e os ressentimentos...

Citar momentos marcantes é tirar do espectador o prazer da visualização das cenas, cada uma com uma delicadeza ímpar.

Alcides consegue criar magias dramatúrgicas inesquecíveis. Numa entrevista concedida a mim há alguns anos, declarou sua extrema paixão pela música; música que guia as suas criações (Pólvora e Poesia, por exemplo, tinha as composições de Chopin como pano de fundo) e que foi a inspiração para a criação desse texto que transborda sensibilidade. Apresenta uma linguagem apurada, mas que, ao mesmo tempo, pode ser compreendida por qualquer pessoa.

Léo Pacheco está sublime no palco. Faz os quatro personagens (o homem e a mulher, nos dois períodos da vida, com uma entrega muito bonita). Sua performance da mulher é sutil e cativante.

O teatro tem me proporcionado diversão e reflexões interessantes sobre a vida e o amor. Saí da sessão da peça com a cabeça fervilhando e com a emoção à flor da pele. Saí com a certeza de que o teatro é o responsável pelos melhores momentos de minha vida, que me fez uma pessoa melhor, mais sensível.

Márcio Aurélio, que já dirigiu com competência inúmeros textos de Alcides, mais uma vez conseguiu captar toda a poesia dos textos do autor.

Cenário, trilha sonora, desenho de luz e figurinos são ao mesmo tempo simples e sofisticados.

O cenário é simples e coloca em cena uma cadeira de palha, um tapete caucasiano, um guarda-chuva e um fundo de papel, que lembra uma luminária japonesa. Objetos citados no texto e que de alguma maneira tiveram participação marcante na história.

O figurino é sóbrio, de cor clara e tecido leve; tem como destaque um cachecol que diferencia o personagem masculino do feminino e a passagem dos anos.

A luz direciona a mudança de tempo e está em harmonia com os demais aparatos cênicos.

Várias versões e trechos (vinhetas) de La Javanese, além da Sinfonia n1 de Bério, embalam as cenas e intensificam as emoções transmitidas pelos personagens.

O projeto está sendo planejado há algum tempo, com a realização de uma produção minuciosa.

Quem só conhece o Leopoldo e o Alcides pelos seus trabalhos na TV não pode deixar de ir ao teatro, lugar onde esses artistas cativam pelo talento.

A Javanesa é avassaladora, estonteante.

A JAVANESA

Direção, Cenário e Iluminação - Marcio Aurelio.

Figurino - Leda Senise.

Trilha Sonora e direção musical - Fernando Esteves.

Direção de Produção - Bel Gomes.

Texto: Alcides Nogueira.

Com: Leopoldo Pacheco.

Renato Borghi e Patrícia Gasppar estão em cartaz com o musical Que Rei Sou EU?

2011-10-28T10:10:00.000-07:00

O roteiro é baseado na obra de Oswald de Andrade e os atores dão um show em cena

O musical é inspirado na obra de Oswald de Andrade e apresenta composições que remetem ao povo brasileiro, à riqueza de nossa cultura, à antropofagia e ao Tropicalismo.

A alegria rege as cenas e a peça vai ganhando em dinamismo, aos poucos, para chegar ao ápice com a canção Bandeira Branca, sucesso na voz de Dalva de Oliveira e que é bastante emocionante. Renato Borghi e Patrícia Gasppar interpretam com maestria canções de suma importância para a nossa história e poemas, como Que Rei Sou eu, de Francisco Alves, Eu Quero Botar Meu Bloco na Rua (Sérgio Sampaio) e Bandeira Branca (Zé Keti, Max Nunes, André Filho). Eles vão animando a platéia, que os acompanha nas canções e se diverte com as cenas.

A luz, os figurinos e o cenário estão adequados à proposta da encenação, com destaque para Borghi, que está vestido de rei e, através dos textos que apresenta, propõe reflexões sobre a nossa vida e a arte.

Faço minhas as palavras de Mauricio Mellone, em crítica publicada no site Aplauso Brasil: ¨ Espetáculo simples, alegre e com um roteiro muito bem alinhavado. Elias Andreato soube intercalar as canções com os textos, de maneira que em algumas vezes elas complementam a ideia desenvolvida pelo Rei, em outras fazem o contraponto e até ironizam o texto apresentado¨. Para a matéria completa: http://colunistas.ig.com.br/aplausobrasil/2011/10/25/oswald-de-andrade-inspira-musical-protagonizado-por-renato-borghi/#more-4979

É uma honra para o nosso teatro contar com um artista como Renato Borghi. Considero um privilégio acompanhar a carreira do Renato, que sempre me emociona, pois ele está sempre em busca de trabalhos instigantes, que suscitem reflexões sobre a vida e a arte. A sua peça ¨A Estrela Dalva¨ marcou a minha vida, porque fiquei encantada pela Dalva de Oliveira, uma das cantoras que mais aprecio. Infelizmente, não pude conhecê-la, mas a peça, como disse, despertou a minha admiração por ela.

Elias Andreato é outro artista que merece atenção e admiração. Patrícia Gasppar é uma das atrizes mais versáteis do nosso teatro. Uma equipe, portanto, especial, e que conta com a presença do músico Jonatan Harold para acompanhar os atores/cantores na viagem pelas pérolas do nosso cancioneiro popular.

Renato diz que é uma delícia apresentar Que Rei Sou Eu? E eu afirmo que é uma delícia assistir Que Rei Sou Eu?

Serviço:

QUE REI SOU EU?
Quarta, às 21h; até 30/11
Teatro Eva Herz (Avenida Paulista, 2.073 - tel. 0/xx/11/3170-4059)
R$ 40,00
14 anos

Roteiro e direção: Elias Andreato. Elenco: Renato Borgui, Patrícia Gasppar e Jonatan Harold. Pesquisa: Elcio Nogueira. Arranjos: Jonatan Harold. Figurinos: Laura Huzak Andreato. Iluminação: Wagner Freire. Fotos: João Caldas. Direção de produção: Marlene Salgado.

NÃO PERCAM

O BEIJO NO ASFALTO
Sexta e sábado, às 21h; domingo, às 19h, até 27/11
Teatro de Arena Eugênio Kusnet (Rua Teodoro Baima, 94 - tel. 0/xx/11/3256-9463)
R$ 20,00

A crítica de Luíza Barreto Leite sobre seu trabalho em O Rei da Vela define bem quem é o artista Renato Borghi:

¨Renato Borghi está absoluto. diverte-se, divertindo a platéia, com o rasgar das próprias entranhas, com o expor das próprias vísceras, com o prazer sádico que só Oswald em pessoa teria empregado".Fonte: Enciclopédia Itaú Cultural

Oxigênio encerra temporada paulistana no próximo final de semana

2011-10-24T11:48:00.000-07:00

Oxigênio encerra temporada paulistana no próximo final de semanaPor Nanda Rovere

Rodrigo Bolzan e Patrícia Kamis protagonizam a montagem. Não há personagens definidos o embate de duas pessoas, que, aos poucos, constroem um diálogo instigante.
O encontro de um homem e uma mulher, chamados Sacha, serve de mote para refletirmos sobre a nautureza humana, seus desejos, qualidades, defeitos, sonhos, angústias. Além disso, os relacionamentos humanos são colocados em xeque num mundo em que o respeito aos seres humanos precisa ser resgatado. O Oxigênio, essencial para a preservação da vida, está em contínua ameaça diante da cobiça humana que destrói a natureza e promove, consequentemente, tragédias.
A montagem, com direção competente de Marcio Abreu, fala sobre os problemas do mundo moderno e, neste sentido, o cenário , o figurino, a luz e a trilha, realçam o caráter contemporâneo da encenação. As músicas ao vivo promovem, especialmente, dinamismo e vigor á encenação.
No palco, dois excelentes atores que se movem e dialogan entre si num ritmo é alucinante, assim como é o nosso cotidiano - corrido e estressante.
Além da qualidade do trabalho apresentado, a peça é uma excelente oportunidade para se conhecer a obra de obra do siberiano Ivan Viripaev, um dos destaques da dramaturgia russa.

Cia. Brasileira de Teatro
Criada em Curitiba em 2000, sob a direção de Marcio Abreu, notabilizou-se no eixo Rio-São Paulo com o espetáculo Volta ao Dia, adaptação da obra de Cortázar. Seu último trabalho, Vida, conquistou vários prêmios e firmou o lugar do grupo na cena nacional.

SESC Consolação - Até 30 de outubro

Sexta e sábado , 21h00 e domingo, 19h00

rua Dr. Vila Nova, 245
Vila Buarque
São Paulo - SP
11 3234-3000

Renato Borghi está em cartaz com O Beijo no Asfalto, de Nelson Rodrigues

2011-10-21T09:16:00.000-07:00

A montagem faz parte do projeto Quem Ainda tem Medo de Nelson Rodrigues

Arandir beija um homem que está prestes a morrer por pena, mas ninguém acredita. A sua mulher, Selminha, a sua cunhada, Dália, e o seu sogro Aprígio, não acreditam que o ato foi apenas por misericórdia. As notícias dos jornais, sensacionalistas, valem mais do que a palavra de Arandir, que jura nunca ter falado com o morto, muito menos ter mantido com ele relacionamento amoroso.
Pela primeira vez Borghi encena Nelson Rodrigues e faz com vigor o pai de Selminha, um homossexual enrustido que faz de tudo para separar a filha do marido.
Ver Renato Borghi em cena sempre é um prazer, um dos grandes atores do nosso teatro. O elenco é homogêneo, apesar de algumas diferenças quanto à interpretação. Os atores se misturam à platéia e essa proximidade, aliada ao palco em forma de arena, dá dinamismo ao espetáculo. Além disso, faz com que o público sinta com mais intensidade as emoções transmitidas pelos personagens.
Em O Beijo no Asfalto, Nelson Rodrigues critica a hipocrisia da sociedade, o quanto o ser humano é capaz de prejudicar o semelhante para obter benefícios e a atuação da imprensa que visa o lucro e a fama. Arandir agiu por impulso e para dar uma pequena alegria a um homem que estava á beira da morte, mas os homens são gananciosos, presunçosos, preconceituosos...já criam histórias mirabolantes em cima do fato e a palavra de Arandir não vale nada. Aprígio cego de amor pelo sogro não titubeia em causar o sofrimento da filha.
Uma montagem que merece ser vista e faz parte da mostra Quem Ainda tem Medo de Nelson Rodrigues para celebrar os cem anos de nascimento do dramaturgo.
A companhia Círculo dos Canastrões, dirigida por Marco Antônio Braz, e o grupo Teatro Promíscuo, formado por Elcio Nogueira e Renato Borghi, se unem para o projeto que terá a estreia dos espetáculos: Valsa nº 6 e Os Sete Gatinhos, direção Marco Antônio Braz, 17x Nelson” - A Nudez Feia da Família Brasileira, direção de Nelson Baskerville, o ciclo de leituras Primeiros Atos, além de workshops, ensaios abertos, exposição e leitura.

Texto: Nelson Rodrigues
Direção artística: Marco Antônio Braz
Sonoplastia: Tunica Pereira
Designer de luz: Roberto Cohen
Cenografia e figurino: Telumi Hellen
Assistente de cenografia e figurino: Clau do Carmo
Assistência de direção e preparação corporal: Ana Nero
Produtora: Sinal Vermelho Filmes
Produção executiva: Paulo Ferrer e Cristina Satto
Assistente de produção: Rafael Augusto
Elenco: Renato Borghi, Hudson Senna, Élcio Nogueira, Gabriela Fontana, Rodrigo Fregnan, Lívia Ziotti, Willians Mezzacapa, Amanda Pereira, Michel Waisman, Carol Carreiro, Rafael Boese, Adriana Guerra.

Serviço:
O Beijo no Asfalto
De 14 de outubro a 27 de novembro, 4, 11 e 18 de dezembro
*Exceto 11 de novembro. Temporada continua em 2012
Sextas e sábados, 21h; domingos, 19h
Ingressos: RS 20 (meia: RS 10).
Teatro de Arena (99 lugares)
Rua Teodoro Baima, 94 Tel: 11 3256.9463/3259.6409
Bilheteria abre uma hora antes do espetáculo
Para saber mais: http://www.funarte.gov.br/evento/o-beijo-no-asfalto-4/

Não percam também:
Serviço

Local: Teatro Eva Herz
De 19 de outubro a 30 de novembro de 2011
Quartas, às 21h
No feriado de 2 de novembro a sessão será às 18h
Duração: 60 minutos
Faixa etária: Recomendado para maiores de 14 anos
Ingresso: R$ 40

Ficha Técnica

Com Renato Borghi, Patrícia Gasppar e Jonatan Harold

Roteiro e Direção: Elias Andreato
Pesquisa: Elcio Nogueira
Arranjos: Jonatan Harold
Iluminação: Wagner Freire
Figurinos: Laura Huzak Andreato
Fotos: João Caldas
Programação Visual: Elifas Andreato
Direção de Produção: Marlene Salgado

Dica

2011-10-14T09:58:00.000-07:00

dicas

2011-10-12T14:17:00.000-07:00

Última semana. quem não viu, seja por qual motivo for, ainda tem sexta, sábado e domingo. A ida ao Sesc Vila Mariana já é um passeio e vale dar uma passada na comedoria. Dib Carneiro Neto que transpôs a obra de Lúcio Cardoso para os palcos... e um elencão,de tamanho e de talento heheh, só olhar no folder) ...E em novembro mais uma direção do Gabriel Villela: Hécuba, no Teatro Vivo.
Matérias que saíram sobre a peça estão no
http://www.oteatrodadelicadeza2.blogger.com.br/
http://www.pop4.com.br/3208-cronica-da-casa-assassinada.html

e mais: Solidão , a comédia, com Maurício Machado
http://www.pop4.com.br/4236-uma-entrevista-com-mauricio-machado.html

O menino que vendia palavras
http://arteessenciadavida.blogspot.com/2011/09/o-menino-que-vendia-palavras-mostra.html#!/2011/09/o-menino-que-vendia-palavras-mostra.html

Serpente Verde, Sabor Maçã
AINDA NÃO VI, MAS A DIREÇÃO É DA COMPETENTE E QUERIDA Lavínia Pannunzio
Espaço Parlapatões - pça. Franklin Roosevelt, 158, República, região central, tel. 3258-4449. 98 lugares. Qui. e sex.: 21h. Até 4/11. Ingr.: R$ 30.

Conversando com Mamãe
http://arteessenciadavida.blogspot.com/

Circuito Ordinário - São Paulo
De 14 de outubro a 4 de dezembro de 2011
Sextas e Sábados, às 21h
Domingos, às 19h
Duração: 60 minutos
Faixa etária: Recomendado para maiores de 14 anos
Ingresso: Sextas-feiras, R$ 40
Sábados e Domingos, R$ 50
www.nossadica.com

Que Rei Sou Eu? - São Paulo
Roteiro e Direção: Elias Andreato
De 19 de outubro a 30 de novembro de 2011
Quartas, às 21h
No feriado de 2 de novembro a sessão será às 18h
Duração: 60 minutos
Faixa etária: Recomendado para maiores de 14 anos
Ingresso: R$ 40

Florilégio Musical estreia segunda temporada no Museu da Casa Brasileira
Direção:
Elias Andreato
Elenco: Carlos Moreno e Mira Haar
Roteiro: Mira Haar, Carlos Moreno e Elias Andreato
Arranjos e Direção Musical: Jonatan Harold
Preparação Vocal:
Caio Ferraz
Tecladista: Jonatan Harold
Cenários e Figurinos: Mira Haar
Direção de Produção: Rosângela Longhi Local: Museu da Casa Brasileira (terraço)
Endereço: Av. Brigadeiro Faria Lima, 2705 – Jardim Paulistano, São Paulo Temporada: 1º de outubro a 11 de dezembro de 2011
Dias e horários: Sábados e domingos, 16h (não haverá apresentação nos dias 19 e 20 de novembro)
Duração: 70 minutos
Capacidade: 220 lugares
Ingressos: Entrada franca. A retirada do ingresso poderá ser realizada com 40 minutos de antecedência.
Informações: (11) 3032-3727 / 3032-2564

http://www.pop4.com.br/2427-florilegio-reune-carlos-moreno-e-mira-haar.html

O Libertino, direção Jô Soares, com os queridos Cássio Scapin e Luciana Carnieli
Não poderei ver na estreia, mas desejo muita merda a esses grandes atores
Elenco: Cassio Scapin, Luciana Carnieli, Luiza Lemmertz, Tânia Casttello, Erica Montanheiro e Daniel Warren
De 13/10 a 27/11, qui. 21h; sex. 21h30; sáb. 21h; dom. 18h.
Teatro Cultura Artística Itaim: Av. Pres. Juscelino Kubitschek, 1.830, Itaim Bibi, tel. 3258-3344

entre outras que já publiquei no Facebook ou indiquei por e-mail
Bjs Bom Feriado

Beatriz Segall dá um show no espetáculo Conversando com Mamãe

2011-10-12T13:40:00.000-07:00

Beatriz Segall dá um show no espetáculo Conversando com Mamãe
A atriz estabelece uma emocionante cumplicidade com o colega de cena
Herson Capri
Por Nanda Rovere

Conversando com Mamãe é uma montagem dedicada à família. A peça está
lotando o teatro Folha, em São Paulo, e a maioria dos espectadores são da terceira idade. Obviamente, não há idade para apreciar a relação mãe e filho e rever ou conhecer o trabalho de atores de importância para o teatro e para a TV no Brasil.
No dia em que fui assistir a plateia participava das cenas interagindo
com os atores, talvez por se identificar com a história. Além disso,
Herson Capri e Beatriz Segall são conhecidos por seus
trabalhos na TV e esse detalhe coloca o espectador mais próximo aos
atores.
Beatriz Segall interpreta a mãe que dedicou a vida ao filho, Jaime ,
mas este, apesar de amá-la, pouco lhe dá atenção devido ao trabalho.
Quando perde o emprego, no entanto, vai visitar a mãe porque está
interessado em vender o apartamento no qual ela reside.
Jaime vive um cotidiano cheio de aparências e quando percebe que pode
levar a vida de maneira mais leve e começa a dar atenção maior à sua
mãe, uma fatalidade acontece.
O texto não traz nada de original no retrato entre a relação mãe e
filho, mas comove sobretudo porque mostra que não há idade para o amor
e para rever conceitos e atitudes.
Os atores dão um show em cena. É emocionante ver Beatriz Segall em
cena, esbanjando talento e provando que tem muito ainda a oferecer ao
nosso teatro. Vale ressaltar que aos sábados são duas sessões.

Direção: Susana Garcia
Texto: Santiago Carlos Oves

Conversando com Mamãe
Teatro Folha
Avenida Higienópolis, 618
Tel. (011) 3823-2323. 6ª, 21h30; sáb., 20 h e 22 h; dom., 19h30.
Preço: R$ 50/R$ 70.
Até 18/12

Entrevista com Maurício Machado

2011-10-10T11:45:00.000-07:00

Maurício Machado em cena de Solidão, a comédia
Foto de Guga Melgar

Maurício Machado atua no teatro e na TV. Em mais de 20 anos, está sempre atuando no Rio e em São Paulo e é um dos grandes atores da atualidade

Por Nanda Rovere
Iniciou sua carreira no musical infantil “Sonhar Colorido”’ dirigido por Alexandre Mendonça e não parou mais de atuar: A Bruxinha que era Boa”, clássico texto de Maria Clara Machado, Patinho Feio”, com direção de Joselita Alvarenga, A Filha da Branca de Neve e “O Mistério do Fantasma Apavorado, de Walcyr Carrasco,“As Filhas da Mãe” comédia escrita e dirigida por Ronaldo Ciambroni, Concílio do Amor, direção de Gabriel Villela, 'Em Nome do Pai', dividindo o palco com o ator Cláudio Cavalcanti, direção de Marcio Aurelio, 'Cyrano, ''As Traças da Paixão', de Alcides Nogueira e direção de Marco Antonio Braz, e Solidão a Comédia , seu mais novo trabalho, estão entre os destaques. Na TV, acabou de viver o personagem Silvério Duarte na novela Cordel Encantado, da rede Globo.
Além de atuar é sócio da produtora e agência de eventos, manhas & manias de eventos. Seu talento foi reconhecido por diversos prêmios e indicações, como a indicação ao PRÊMIO ZILKA SALABERRY, como melhor ator de 2008, e Indicação aos PRÊMIOS PANAMCO e DANÇA BRASIL, Como melhor ator de 2008 e PRÊMIO MAMBEMBE/87 - ator além do Prêmio Apetesp, de SP, como ator revelação de 1988, e o Prêmio Mambembe de melhor ator de 1996. Solidão, a comédia é seu primeiro SOLO no palco, no qual vive 5 personagens.
Nesta entrevista maurício fala sobre a sua carreira e destaca a sua atuação neste texto clássico do Teatro Besteirol, de autoria de Vicente Pereira, com direção de Claudio Tovar.

Entrevista com Maurício Machado
Maurício Machado atua no teatro e na TV. Em mais de 20 anos, está sempre atuando no Rio e em São Paulo e é um dos grandes atores da atualidade
Por Nanda Rovere

Iniciou sua carreira no musical infantil “Sonhar Colorido”’ dirigido por Alexandre Mendonça e não parou mais de atuar: A Bruxinha que era Boa”, clássico texto de Maria Clara Machado, Patinho Feio”, com direção de Joselita Alvarenga, A Filha da Branca de Neve e “O Mistério do Fantasma Apavorado, de Walcyr Carrasco,“As Filhas da Mãe” comédia escrita e dirigida por Ronaldo Ciambroni, Concílio do Amor, direção de Gabriel Villela, 'Em Nome do Pai', dividindo o palco com o ator Cláudio Cavalcanti, direção de Marcio Aurelio, 'Cyrano, ''As Traças da Paixão', de Alcides Nogueira e direção de Marco Antonio Braz, e Solidão a Comédia , seu mais novo trabalho, estão entre os destaques. Na TV, acabou de viver o personagem Silvério Duarte na novela Cordel Encantado, da rede Globo.
Além de atuar é sócio da produtora e agência de eventos, manhas & manias de eventos. Seu talento foi reconhecido por diversos prêmios e indicações, como a indicação ao PRÊMIO ZILKA SALABERRY, como melhor ator de 2008, e Indicação aos PRÊMIOS PANAMCO e DANÇA BRASIL, Como melhor ator de 2008 e PRÊMIO MAMBEMBE/87 - ator além do Prêmio Apetesp, de SP, como ator revelação de 1988, e o Prêmio Mambembe de melhor ator de 1996. Solidão, a comédia é seu primeiro SOLO no palco, no qual vive 5 personagens.
Nesta entrevista maurício fala sobre a sua carreira e destaca a sua atuação neste texto clássico do Teatro Besteirol, de autoria de Vicente Pereira, com direção de Claudio Tovar.

Nanda Rovere - Você está sempre atuando e produzindo no Rio e SP. Como é trabalhar nessas cidades?
Maurício Machado - Diferentemente do que as pessoas costumam dizer do ponto de vista do que o público médio das duas cidades .... não vejo diferença sobre o que esse púbico gosta e quer ver entre Rio e SP... infelizmente ! as acho também o público paulistano mais relaxado para assistir ... embarca mais nas experiências sejam elas quais forem ! É muito curioso, porque embora trabalhar em ambas, e as duas sejam literalmente minha casa mesmo, não há fórmula exata para se acertar duplamente nas duas ... O que pode dar muito certo em uma pode vir a ser uma catástrofe na outra.

NR - Como é produzir diante de dificuldade para patrocínios, apoios para viagem? Foi uma escolha trabalhar como produtor?
MM- É uma luta. Uma tarefa árdua, suada e muitas vezes inglória ... o público não calcula que para uma peça estar apenas aquelas 3 sessões semanais ... consomem a semana inteira de muitos trabalhos, providências e resolver muitos ‘pepinos’. SP ainda é uma cidade muita boa para se trabalhar com apoios e patrocínios; claro, quando se tem uma comédia e atores famosos !; mas o cenário de outras cidades (mesmo o Rio é muito mais complicado). E estar à mercê das decisões de analistas de marketing (que invariavelmente são profissionais muito jovens recém-formados), e que cabe a estas pessoas praticamente a decisão do que vai ou não para a cena. Produzir teatro nos últimos tempos tem ficado cada vez mais caro ! Os teatros são mais caros, as condições oferecidas pelos mesmos são piores ainda ... mídia, profissionais tudo uma pequena grande fortuna ! Viagens é um capítulo à parte. Eu por mim, adoro viajar, acho fundamental a circulação dos espetáculos fora do ¨circuitão¨ Rio-SP, mas tenho cada vez menos vontade de viajar .... Quando você faz um sucesso e tem um produto que todos querem os produtores locais te procuram ... mas hoje eles querem ganhar o mesmo ou mais do que a estrela do elenco e principalmente mais do que o produtor. As companhias aéreas por sua vez, se fecharam totalmente, e hoje não há nenhuma delas no país com um plano claro de apoio ao teatro. As prefeituras locais ... não ajudam em NADA o produtor nacional na chegada do espetáculo ... Há teatros públicos em várias cidades, grandes capitais mesmo onde o teatro PÚBLICO ... custa ... R$ 6 mil por dia ! Isso é possível ? Para piorar e agravar ainda mais o problemão que é viajar, há agora a lei do ISS sobre a venda de ingressos que leva mais de 2 a 5% dependendo da cidade. E a equipe do espetáculo claro, toda quer aumento para deslocamento em viagens ! A conta não fecha ! E hoje em dia, justiça seja feita só há política pública pelos editais da Petrobras ou Funarte, e imagine o quão isso é insuficiente para a produção cultural realizada, e quantos bons espetáculos adultos, infantis, de dança ficam de fora de uma excursão pelo país. O público cobra a circulação do espetáculo ... Mas também muitas vezes um espetáculo chega numa grande cidade e sequer consegue preencher 50% da lotação do teatro ... Em cidades menores às vezes acontece o mesmo ... e mesmo com grande nomes no elenco, e sem qualquer outra atividade na cidade, na mesma noite ... o público não comparece ! É além de tudo um problema cultural ... As pessoas preferem neste caso, descobrir aonde os artistas vão jantar para tirar foto do que ver o espetáculo. Não sei se ando muito pessimista, se ando realista ... ou se ando precisando de pausa e descanso de produzir ! Senhores diretores ou produtores ... Atenção contratem-me ! rs !

NR - Como foi o início de carreira, quais trabalhos pode destacar?
MM- Tenho ótimas lembranças de vários, de todos eles ... é sempre difícil destacar um. Mas a primeira peça adulta que fiz, ‘As Filhas da Mãe’ em que atuava nos 7 papéis masculinos da peça, e como comediante, foi incrível ! ‘O Concílio do Amor’, com direção do Gabriel Villela, que foi um marco na história do teatro brasileiro, minha entrada no universo dos eventos, atuando todos os dias em eventos corporativos (em congressos, feira, lançamentos de produto) todo dia, cada dia numa situação diferente e personagem dos mais variados tipos e necessidades ... Tudo isso me deu um estofo, experiência enorme !

NR - Neste sentido, O grupo Boi Voador foi marcante da história do nosso teatro. Fale das suas experiências nos grupos Boi Voador e da Vic Militello?
MM- Foram experiências teatrais completamente distintas entre elas .... Mas no Boi Voador, foi importantíssimo para afirmar a responsabilidade que já tinha como artista .... para com meu ofício, com o público e a excelência de qualidade de um trabalho a ser apresentado. Me valeu também pelo estudo. Lamentei muito logo depois não ter vivido outra experiência de participar efetivamente de um grupo ! Afinal me julgo um homem de teatro que pensa, fala e é apaixonado por ele ... 24 horas ! No caso do Grupo da Vic ... o trabalho era bem mais relaxado, com um descompromisso totalmente compromissado. Era um forma típica de fazer circo-teatro, vindo da Vic que nasceu e se criou como artista em melodramas circenses ! A tônica era o humor, o timing da comédia, o improviso.

NR - Sempre se diz que o teatro está em crise... como está o cenário teatral hoje?
MM- Bom se pararmos para analisar que o maior fenômeno do teatro do momento ... é não teatro ... mas show de humor com nome americano ...Acho que isso já diz tudo !! Nada contra ! Tenho muitos amigos talentosos que fazem ... que eu não só os admiro, como são grande atores e comediantes ! Mas, não é gênero teatral, né ? É show de humor ! E vamos combinar que o precursor disso foi José Vasconcelos contando piadas no microfone há muitas décadas atrás. Depois Chico Anysio, Jô Soares....O Teatro vive um momento de produção cultural incrível eu acho ... com muita coisa boa. Espetáculos de grande nível e de estilos diferenciados .... Mas percebo que o público ... bom o público está mais preocupado com Futebol, com a TV e os mais jovens quando saímos do teatro ... lotam os bares e as baladas e com raríssimas exceções.

NR - Mulheres Alteradas é um sucesso e tem pessoas famosas. Ao mesmo tempo há peças com pessoas famosas que não estão lotando...Isso prova que o público não está somente interessado em ver o famoso no teatro, mas ver peças boas no teatro...Na sua opinião, o que determina, ou pode determinar, o sucesso de uma montagem?
MM- Acho que ninguém sabe a magia que se dá num sucesso. Sim, sabemos que muitos ingredientes podem sim ajudar ... mas não é fórmula ! ‘Mulheres Alteradas’ é um daqueles espetáculos que em centenas recebem a benção. E particularmente acho que tudo ali no espetáculo soma para isso .... mas em primeiro lugar foi a adaptação de uma obra tão conhecida mundialmente e a direção em sintonia com a linguagem e obra. E bem, sobre a benção desse sucesso ... bom, acho que estava na hora né ? Quase 20 anos produzindo ...

NR - Atuar na TV era um desejo? Fale sobre a sua atuação em novelas.
MM- Atuar sempre foi meu desejo. Sempre me senti seduzido, hipnotizado pelo teatro ... aquela caixa preta, palco, cortinas, platéia e tudo que pudesse sair dali ... um mundo de sonhos, fantasias, emoções ! Mas quando me tornei ator, meu sonho era ter meu dia ocupado (como um operário de minha profissão ! mesmo !) no teatro, no cinema, na publicidade, no circo, na publicidade, na dublagem, na TV ! Enfim, acreditava que seria um ator melhor e mais bem ferramentado e preparado se pudesse atuar em todas as áreas ! Até que isso aconteceu sim ... No início da carreira tentei fazer TV, mas como não tive oportunidade e tentei ainda durante algum tempo ... aconteceu só quando completei 18 anos de carreira. Como vinha de uma formação bem teatral e de um grupo também muito sério paulistano, ouvi invariavelmente de um ou outro colega, que TV era uma arte menor e todo aquele preconceito para com a TV ... quando fui fazer fiquei tão apaixonado, é um veículo que te deixa tão preparado para o teu veículo, ele te possibilita o exercício continuado do improviso, do desafio todo dia de uma cena nova, e ser rápido para os comandos imediatos de direção e também para a ‘decoreba’, só te faz um ator ainda mais preparado para o processo de criação seja lá em que veículo for.

NR - Como surgiu o interesse em remontar Solidão a Comédia - o que mais te chama atenção no texto?
MM- Tive a oportunidade de ver a primeira montagem desse texto feito pelo próprio autor, Vicente Pereira, que foi um dos ‘papas’ criadores do gênero besteirol, a montagem tinha direção do Jorginho Fernando. Isso em 1990. Nunca me esqueci daquela montagem e do humor cítrico, apurado, escancarado e inteligente do texto, os personagens tão bem desenhados. Depois em 93, o genial Diogo Vilela remontou, e eu tive a ideia de montar; sinceramente queria muito, mas fiquei felizmente surpreso com a aquisição dos direitos autorais, com o Tovar dirigindo, que é um homem de teatro e que ama e respeita o teatro como eu, e que vem da mais forte experiência cênica que foi os DZI CROQUETTES, que depois deles nada de mais original, de mais revolucionário se fez, e eles sucederam até mesmo o besteirol. E claro, o interesse também veio do desejo de sempre me ‘atirar’ em desafios que mexam comigo, que me desafiem 100%. E em meu último trabalho no teatro, ‘As Traças da Paixão’, era um trabalho tão complexo e difícil que depois daquele, tive certeza que a hora de encarar a solidão no palco, no texto e de 5 criaturas diferentes, tinha chegado.

NR - Você assistiu a montagem com o Vicente Pereira. O que pode falar sobre aquela montagem? O que a diferencia da sua?
MM- Com relação as duas montagens o que havia de muito similar são as encenações mais íntimas (Vicente e Eu estreamos em teatros no Rio de 133 lugares). Ele em 1990, no Teatro Posto 6 e eu em 2011, no Teatro Cândido Mendes, mas a diferença também entre a minha e a nossa, é que meu ¨dzi-croquette¨ diretor Claudio Tovar, situou os 5 quadros e todo o visagismo dos personagens na década de 20, já que Tovar é também o responsável pelos figurinos e cenário, e com isso o espetáculo ganhou muito requinte, bom gosto e apuro de produção. Uma outra diferença entre nossa montagem e a de Vicente, é que ele não se caracterizava radicalmente e por inteiro para a mudança de cada esquete, era só a utilização de um adereço e tal. No nosso caso, tenho no máximo 40 segundos para a troca por completo de personagem masculino (de smoking) para ... uma melindrosa de perucas, chapéu, luvas, sapato salto alto, maquiagem ... Semelhança mesmo nas 3 montagens da peça (a do Vicente, do Diogo Vilela e a minha), só o iluminador ... a criação de luz para as 3 montagens do texto do Vicente Pereira foram de Aurélio Di Simoni, mestre da luz do teatro brasileiro !

NR - Como foi a criação dos personagens, sobretudo com relação aos papéis femininos? O que você pode dizer sobre a encenação?
MM- Quase endoideci. Viver 5 papéis diferentes. 3 personagens femininos, e ter que dar corpo, voz e atitudes diferentes para cada uma delas, onde não ficasse o menor vestígio da anterior na próxima. Descobrir o ritmo e a velocidade de cada e tudo isso partindo só de mim, sem o apoio ou seu o jogo cênico de um colega ... Foi um processo doloroso de ‘me rasgar’ e conviver com essa solidão também. Mas tão rico, tão profundo. Fui buscar em referências de vários lugares, da infância, da rua, do cinema, do cotidiano urbano. A encenação o que se pode esperar de uma equipe como a que tive ? Só tem craque ! Só tem fera ! O mais bobinho ali sou eu ... e completo em Novembro 24 anos de carreira ! A Luz acho um espetáculo, a trilha, a direção é dinâmica e envolvente, os figurinos são ótimos e já dão o tom do espectador num tom certo com divertimento e sem ser apelativo ... aliás, não há nada apelativo.

NR- E a solidão, como fugir dela?
MM- Dando risada dela, subvertendo ... como os próprios personagens da peça de uma maneira ou outra fazem .... E na vida real, apesar da vida dura das cidades grandes, ainda é possível encontrar poesia em tanta coisa ... e isso aplaca a solidão.
NR - Como foi a temporada carioca e as viagens com Solidão, a comédia?
MM- Bom a temporada no Rio foi mais do que uma surpresa ... tudo deu muito certo .... A escolha do lugar ... o Teatro Cândido Mendes que é um teatro hoje reconhecido por grandes fenômenos teatrais que saíram dele (‘Cócegas’, ‘Os Homens são de Marte ...’, ‘Minha mãe é uma peça’ só p/ falar de alguns), mas foi principalmente palco das montagens antológicas do besteirol. Foi o celeiro no coração de Ipanema dessas montagens. Consegui também a galeria de arte do mesmo espaço (o centro cultural Cândido Mendes), para uma exposição intitulada ‘Assim era o Besteirol’. A peça ia ficar 2 meses, ficou quase 6, e ainda era de quinta a domingo ... Aqui em SP estou de sexta a domingo, num teatro que é a metade do tamanho do que estava no Rio, e espero que o sucesso se repita também.

NR - Neste sentido, e a recepção da crítica, visto que o besteirol sempre foi visto como algo inferior?
MM- A crítica no início do besteirol foi muito preconceituosa com os textos que vinham com proposta de esquetes engraçadas, e menosprezavam a dramaturgia e as encenações. Tempos mais tarde o crítico de teatro Macksen Luis em uma das críticas a um desses espetáculos, ‘As Mil e uma encarnações de Pompeu Loredo’ (da qual o Tovar meu diretor também fazia parte), definia como gênero teatral e anos mais tarde Bárbara Heliodora, crítica mais importante em exercício até hoje, escreveu a respeito da importância que o besteirol teve no período da censura, e como os textos tinham sempre uma mensagem subliminar, referências muitas também a cultura enlata, e como ele formou grandes exponentes das artes e da dramaturgia brasileira, como: Mauro Rasi, Miguel Falabella, Guilherme Karan, Pedro Cardoso ... Tudo isso pode ser também conferido na exposição que criei e que acompanha a montagem e está lá exposta no saguão do Teatro NeXT.

NR - Depois da temporada em SP, quais os projetos?
MM- Estou buscando um novo texto para eu fazer ... não consigo atuar sem já pensar no próximo ... É o meu vício, minha cachaça. Na Tv e no cinema, não sou dono de meu nariz, então fico a espera de oportunidades. E estou louco de vontade de fazer cinema !!

‘SOLIDÃO, A COMÉDIA’
Estreia dia 07 de Outubro de 2011 em São Paulo, no Teatro NeXT
Rua Rego Freitas, 454 – São Paulo – SP
De Sexta a domingo – Até 27 de novembro
Outras apresentações:
50 apresentações pelos CÉUS, fiquem ligado Conferir a agenda no site: www.mauriciomachadoator.com.br

Depois Daquela Viagem apresenta a superação de uma adolescente portadora do vírus da Aíds

2011-10-09T13:36:00.000-07:00

Teatro é para refletir e divertir...quando o teatro nos faz pensar, traz experiências de vida que contribuem para que as pessoas tenham mais subsídios para fazerem boas escolhas, tenho certeza que vale a pena prestar tanta atenção a essa manifestação artística.

Depois Daquela Viagem fala se superação e coragem. A autora Valéria Piassa Polizzi, portadora do vírus da Aíds, é um exemplo de superação e força. A peça retrata, de modo não linear, a infância, a viagem na qual a protagonista se contaminou com o vírus, o susto da descoberta e o medo da morte e das pessoas se afastarem.

O preconceito existe, mas Valéria contou com o apoio da família e dos amigos. Passou por sérios problemas por causa da doença, relutou em tomar remédios, mas, aos poucos, foi aprendendo a conviver com o vírus, a enfrentar o preconceito e a acreditar que vale a pena viver.

Valéria teve a coragem de escrever o livro e hoje ele se constitui num interessante meio de reflexão sobre essa doença.

Dib Carneiro Neto conseguiu captar a essência da obra, assina a adaptação para o teatro. A sua ideia de transformar a protagonista em três, ressaltando os vários momento da trajetória de Valéria, foi excelente e como ele mesmo declarou em entrevista ao jornal O Estado de São Paulo ("Quando uma pessoa recebe uma notícia dessas, ela se esfacela. Tive a impressão de que a Valéria se dividiu"), teve o objetivo de retratar uma menina de 16 anos esfacelada pela notícia da doença, mas também evidenciou que apesar das dificuldades, nunca devemos perder a força e a esperança.

Em 2006 aconteceu uma leitura no Masp, no Letras em Cena, e agora a peça fica em cartaz, em curta temporada, no Sesc Consolação.

A montagem é simples e dinâmica. Como são muitos os fatos apresentados, com mudanças de tempo e espaço, a cada cena há troca de cenários, o que contribui para que a apresentação não fique cansativa. São 14 atores em cena, os quais conseguem um bom resultado: são esforçados e merecem aplausos. Destaque para as atrizes que vivem a Valéria. Cada uma dá à Valéria um carisma especial e transmitem com competência as várias facetas da personagem.

Depois Daquela Viagem é imperdível, pois fala dos problemas e sonhos de jovens que estão em busca da felicidade e promove o respeito ao próximo, às diferenças, ao amor, amizade e solidariedade.

Ainda, por incrível que pareça, há desinformação e a ideia ¨de que comigo não vai acontecer nada¨ prevalece muitas vezes. Valéria não culpa o namorado, de quem contraiu o vírus, reconhece que errou por aceitar que o namorado não usasse a camisinha e demonstra o quanto é importante se prevenir.

Texto: Dib Carneiro, baseado no livro de Valéria Piassa Polizzi

Elenco: Camila Minhoto, Carol Capacle, Charlene Chagas, Daphne Bozaski, Eliot Tosta, Geraldo Rodrigues, Giovani Tozi, Leonardo Stefanini, Maria Bia Martins, Mariana Leme, Naiara de Castro, Osvaldo Antunes, Rafael Sola e Renata Fasanella.

Direção e direção musical: Abigail Wimer

Assistente de direção: Alcione Alves

Direção de ator: Silen de Castro

Direção de Produção: Roseli Tardelli

Cenografia e Figurinos: Márcio Medina

Iluminação: Domingos Quintiliano

Trilha Sonora: Ed Côrtes

Fotos: João Caldas

Ilustração: Gilberto Miadaira

Produção: Maurício Barreira

Assistente de Produção: Gabriela Palumbo

Assistente de Produção de Ensaio: Françoise Plas

Pré-produção de Casting: Jeanne de Castro

Assistente de Produção de Casting: Pedro Duarte

Preparação Corporal: Fernando del Santo e Helena Castro

Assessoria de imprensa: Arteplural

http://depoisdaquelaviagemteatro.blogspot.com/

Sesc Consolação

Rua Dr. Vila Nova, 245

Vila Buarque

Tel: 11 3234-3000

São Paulo – SP

De 05/10 a 20/10. Quartas, às 20h e quintas, às 15h e 20h

Jairo Mattos e Paulo Gorgulho estão em cartaz em São Paulo com a peça Catadores.

2011-09-30T09:15:00.001-07:00

Jairo Mattos e Paulo Gorgulho estão em cartaz em São Paulo com a peça Catadores.

Através das técnicas do circo-teatro, Catadores trata com poesia da velhice e da amizade. Dois palhaços (Jairo Mattos e Paulo Gorgulho), catadores de papel, tentam amenizar o tédio. Um deles, não agüentando mais a velhice, se transforma num rapaz.

A partir desse momento, os personagens estabelecem uma cumplicidade e refletem sobre a rotina e a possibilidade, ou não, de se construir um cotidiano mais interessante.

O ponto alto é a interpretação dos atores. O cenário com inspiração no picadeiro e nas lonas dos circos-teatros que mambembavam pelo país afora também merece atenção.

Depois de viajar pelo Brasil e já ter realizado uma temporada em teatros da capital paulista, a peça fica em cartaz até o dia 9 de outubro, no Teatro Eva Herz.

Entrevista Jairo Mattos

Jairo fala sobre a peça, sobre TV, teatro e sobre o encontro com Gorgulho, que segundo o artista foi mágico; tanto que já existe o projeto de outro trabalho em conjunto no teatro.

Nanda Rovere - Como surgiu seu interesse pelo circo?

Jairo Mattos - Em 83 fui visitar uns amigos que estavam fazendo oficinas no Circo Royal, futura escola de circo picadeiro, me apaixonei por ele e fiquei um bom tempo.

O circo está presente na sua trajetória profissional.

NR - Quais trabalhos você pode destacar?

JM - Bem, em todos os trabalhos trago alguma coisa do circo, e principalmente da técnica do palhaço, sem exceção. No cinema, TV ou teatro. mas além dos CataDores, os primeiros espetáculos de rua e teatro dos Parlapatões Patifes e Paspalhões, do qual fui fundador. Tarde de Palhaçadas, sete anos em cartaz, espetáculo para toda a família. Carro de Paulista, infanto-juvenil de muito sucesso, tem forte influencia circense. e mais uma infinidade de peças...

NR - Como os elementos circenses são usados na peça?

JM - A encenação é inspirada em circo teatro, marcações paralelas, diagonais e triangulação com a platéia. Piso e telão, muito comum em todas as encenações circenses. E outros segredinhos que não posso contar. rs.

NR - Como surgiu a parceria Jairo Mattos/Paulo Gorgulho?

JM- No aeroporto indo gravar uma novela, como irmãos, não nos conhecíamos pessoalmente, houve uma empatia imediata e dai para o teatro foi um pulo.

NR - Desde o início a ideia era criar um espetáculo baseado no palhaço, no circo? Como foi o processo de criação desse trabalho?

JM - Já tinha a peça na gaveta e a vontade de montar havia 3 anos. Portanto, no encontro com o Paulo, e nos papos seguintes, já tinha a encenação e a utilização das técnicas de palhaço na cabeça. O processo foi muito rápido e intenso, o Paulo não conhecia essas técnicas, mas como excelente ator que é dominou-as rapidamente.

NR - Vocês já viajaram com a peça por diversas localidades. A recepção do público nesses lugares é diferenciada?

A peça é muito poética, sempre causa estranheza no principio, mas normalmente o público embarca e se entrega no segundo quadro. É sempre uma delicia.

NR - Como está a situação - das salas de espetáculos pelo Brasil?

JM - Terrível, os teatros apresentam mais espetáculos do comportam, é uma loucura. Não há tempo para preparar a luz, cenário, nada... Infelizmente perdemos todos, produtores, artistas e publico.

NR - Qual a sua opinião sobre o teatro hoje?

JM - O teatro esta precisando passar por uma reflexão profunda, em varias questões. Mas continuará vivo e firme porque não faltam talentos para transformá-lo. Isso é o que realmente importa.

NR - Você já assinou inúmeras direções. Dirigir era um desejo?

JM - Sempre foi, como criar luz, meter o bedelho em cenografia, adereços etc... tudo que está ligado à criação me interessa.

NR - Como você aliou direção e interpretação em Catadores?

JM - Gosto muito, sem falsa modéstia, conseguimos uma interação cênica, Gorgulho, Amalffi e eu, que é muito próximo do que sempre desejei. Estou muito contente com o resultado.

NR - Como você encara a passagem o envelhecimento?

JM - Acabei de completar 49 anos, na véspera da estréia. Isso me fez refletir muito. Estou satisfeito. Muito mesmo. Acho um privilegio chegar aonde cheguei vivendo principalmente de teatro.

NR - Houve modificações na encenação para essa reestreia?

JM - A partitura do espetáculo continua a mesma da estreia. Mudamos, na medida em que o Paulo foi vivenciando o palhaço, a maneira de fazer. Nossa experiência com essa montagem foi tão boa que já estamos começando a preparar um novo trabalho, agora mais direcionado para a técnica do palhaço tradicional, para a rua, para cidades com menos de cinco mil habitantes. Será para meados do ano que vem, pelo Brasil todo.

Ficha técnica:
CataDores
Texto: Cláudia Maria de Vasconcellos.
Direção: Jairo Mattos.
Elenco: Jairo Mattos e Paulo Gorgulho.
Trilha sonora original e música ao vivo: maestro Marcello Amalfi.
Assistente de direção: Carlos Baldim.
Iluminação: Ari Nago.
Cenário: Aluísio Salles.
Figurinos: Vania Gnaspini.
Adereços: Armando Junior.
Maquiagem: Caco Mattos

Serviço:
Teatro Eva Herz, Livraria Cultura – Conjunto Nacional
Av. Paulista, 2073.
Sextas e Sábados 21h. Domingos 19h.
Ingressos: Sexta R$ 40. Sábado e Domingo R$ 50.
Duração: 70 minutos. Recomendação: 12 anos.
Bilheteria: (11) 3170-4059
Temporada: até 09 de outubro
www.teatroevaherz.com.br. .

Crõnica da Casa Assassinada coloca no palco a decadência de uma família

2011-09-30T09:08:00.000-07:00

Crõnica da Casa Assassinada coloca no palco a decadência de uma família

Tabus são questionados e a hipocrisia da sociedade é colocada em xeque

Há alguns anos o diretor Gabriel Villela e o produtor Cláudio Fontana sonhavam em montar este clássico da literatura mineira.

A peça estreou no Rio, devido a patrocínio, fez temporada de final de semana em Belo Horizonte e fica até meados de outubro no sesc Vila Mariana, em São Paulo.

Xuxa Lopes é a protagonista da montagem e havia entre ela e o diretor o desejo de voltarem a trabalhar juntos ( a atriz foi dirigida por Villela em Buscar-me que ainda sou teu e Mary Stuart. O restante do elenco também já tem experiências de trabalhos com Villela.
A primeira pergunta que me veio à cabeça quando soube que a obra A Crônica da casa Assassinada ia ser adaptada para o teatro há algum tempo atrás, a primeira pergunta que me veio?
Como fazer com que uma história tão intensa, densa, que mergulha o leitor na vida de pessoas solitárias, com sonhos, desejos e inveja, seja transportada para o teatro sem perder a sua essência?
Dib Carneiro fez a adaptação a convite do diretor Gabriel Villela e conseguiu preservar todo o vigor dos personagens.
Gabriel Villela salienta toda a intensidade da trama, que tem como ponto forte as cenas de incesto entre mãe e filho, mas sem deixar de lado a poesia e o humor, características dos seus
As cenas se entrelaçam como num quebra-cabeça e o público vai, cada vez mais, conhecendo a alma dos personagens, seus defeitos e qualidades.
A obra foi escrita em 1959 e continua atual porque mesmo com a urbanização das cidades, ainda encontramos muitos resquícios de uma vida rural, em que o tempo parece não correr. Lúcio Cardoso escreveu A Crônica da Casa Assassinada para criticar Minas, a sua terra natal, mas ela se torna universal porque as pessoas ainda estão presas à convenções, pudores, preconceitos e falsos moralismos.
Xuxa Lopes dá um show de interpretação, com certeza uma das melhores atuações de sua carreira, e tem a companhia de atores afinados, que fazem com competência e vigor os personagens.
Marcio Vinícius criou um cenário que nos remete à Minas, através da porta que lembra a igreja de são Francisco de assis de Ouro Preto, lugar que simboliza toda a religiosidade de um povo. Salienta com precisão o cotidiano familiar solitário ao colocar em cena uma enorme mesa, a qual é o lugar do encontro de pessoas que não conseguem uma convivência amigável.
Há uma carência sentimental que atordoa. O sagrado e o profano, o pecado e o desejo, uma família à beira do abismo, retratada com maestria por Villela. É uma encenação forte, sensual, sexual, que toca fundo nos tabus, preconceitos e sonhos humanos.
Demétrio e Ana vivem com o coração amargurado, num casamento sem amor. Nina casou-se com Valdo, devido a um acordo de jogo e a sua vitalidade e muito grande para suportar uma vida sem graça. Foi para a Chácara de Vila Velha, mas a rotina sem graça da cidade do interior a sufoca. Timóteo, homosexual, se veste com a roupa da mãe, que já morreu. Está enclausurado porque a família não o aceita, mas ele mesmo acaba se fechando no quarto porqwue não suporta as falsidades de seus parentes. Nina é o seu sopro de vida, a vida que se esvai a cada dia e é por isso que ela incomoda. O jardineiro assombra a casa, símbolo da liberdade de se viver o amor e o prazer sem limites. André é o amor, a jovialidade, mas nasceu de um adultério. Fica encantado por Nina e perde todos os medos e pudores, entregando-se a ela de corpo e alma. Betty, a empregada, ressalta o cotidiano tedioso e a imutabilidade da vida (a Betty sabe de tudo o que acontece e cuida da família há muitos anos). O médico, o padre e o farmacêutico ressaltam a hipocrisia da família Menezes. a qual é assunto em todo o lugarejo.
Os demais personagens, o padre, o farmacêutico e o médico, são os narradores da saga familiar e contribuem para que a história seja entendida mais facilmente. Mas a casa é a protagonista. A casa que a cada dia fica mais velha, descuidada tão quanto os Menezes estão assolado em dívidas e tragédias. Símbolo de valores ultrapassado, de uma Minas Gerais arcaica.
O figurino de Gabriel é muito bonito e traz a cor e a voluptuosidade de uma família que apesar de decadente, ostenta e se preocupa em transmitir uma boa imagem.
A plasticidade é um atrativo da montagem, um dos trabalhos em que o gestual e a movimentação dos atores mais contribui para que a encenação apresente cenas fortes, mas com muita beleza e poesia. O texto e a interpretação, no entanto, também são valorizados em igual tamanho. Esse equilíbrio proporciona um resultado excelente. Não é à toa que a peça concorre a vários prêmios Shell e provoca muita emoção aos espectadores, pelo menos esse contentamento foi visível na estreia paulistana.

O menino que vendia palavras mostra como é bom brincar e aprender ao mesmo tempo

2011-09-30T09:06:00.000-07:00

O menino que vendia palavras mostra como é bom brincar e aprender ao mesmo tempo

O espetáculo O Menino que vendia palavras valoriza a capacidade da criança de refletir sobre a nossa realidade, não a subestimando. Num momento em que a tecnologia, sobretudo os computadores, fazem com que cada vez mais as brincadeiras tradicionais sejam deixadas de lado, a peça apresenta maneiras interessantes de se divertir e mostra o quanto é gostoso estar ao lado dos amigos.

Uma turma muito animada está sempre à procura de diversão e descobre que decifrar o significado das palavras pode ser um meio muito bacana de se divertir e de aprender.

Pablo Sanábio acaba se tornando o líder do grupo porque seu pai conhece a maioria dos vocabulários contidos no dicionário e todos ficam tão encantados com a possibilidade de conhecer novas palavras que ele começa a vender os significados dela; como é um apaixonado por coleções, começa a pedir objetos em troca das informações.

Mas João Perneta, o antagonista, não acredita na sabedoria do pai de Pablo e, para colocar o menino numa situação complicada, questiona qual o significado de uma palavra muito diferente e difícil.

Que filho nunca viu os seus pais como seres perfeitos e não se decepcionou ao descobrir que eles são pessoas comuns, que erram, acertam, choram, ficam tristes e alegres? A mesma coisa aconteceu com Pablo: seu pai desconhece a palavra e o menino fica envergonhado, com medo de encarar os amigos, apesar de ter sido aconselhado pelo pai a não se deixar abater por essa situação, visto que ninguém é perfeito.

A montagem é dinâmica e valoriza o lado lúdico não somente das crianças, mas também dos adultos. O cenário e figurino são inspirados nas histórias em quadrinhos.

O cenário é formado por uma biblioteca gigante, na qual o pai está sempre lendo, buscando novas palavras; também estão em cena móveis coloridos que servem para várias funções, projeções que atiçam a imaginação da criança, com vídeos, música, percussão e muita animação. O fomento à percepção sonora e visual está aliado a um texto inteligente, que coloca em questão os defeitos e qualidades humanas.

Sonho, imaginação, histórias tradicionais contadas com criatividade garantem o universo lúdico da montagem. João e o pé de feijão, por exemplo, história tão conhecida, é apresentada através de projeções de vídeo e chama a atenção pela beleza da cena. Mas citar todas as qualidades desse trabalho é tirar do espectador a oportunidade de se encantar.

A diretora captou com maestria o universo infanto-juvenil. Os atores não param um minuto e interpretam com competência porque não beiram à caricatura e sim procuram expor o ¨seu lado criança¨, uma característica que todos temos ou deveríamos ter. Os atores brincam em cena e interagem com as crianças.

Eduardo Moscovis, que faz o pai e o menino João, apesar de ser um ator famoso de TV, está sempre inserido em projetos que primam pela qualidade e inteligência. Nesta peça ele estabelece uma tocante sinergia com os colegas de cena. Não há protagonista e sim um elenco coeso.

A peça fez temporada no Rio e fica na capital paulista até novembro. Uma boa pedida para crianças e adultos.

Baseado na obra de Ignácio de Loyola Brandão

Direção: Cristina Moura

Colaboração: Mariana Lima

Assistente de direção: Fernanda Félix

Dramaturgia: Pedro Brício

Elenco: Eduardo Moscovis, Pablo Sanábio, Leticia Colin, Renato Linhares, Luciana Froes, Raquel Rocha

Direção Musical / Trilha Sonora Original: Domenico Lancelotti e Pedro Sá

Figurino: Thanara Schonardie

Iluminação: Tomás Ribas

Vídeos: Paola Barreto

Produção Executiva: Daniela Paita

Coordenação de produção: Elisa Padilha

Produção SP: NIA Teatro | José Maria Pereira Jr

Direção de produção: Gustavo Nunes

Produção e realização: Turbilhão de Ideias Cultura e Entretenimento

Serviço

Estréia dia 24 de setembro (sábado), às 16h

Temporada até 20 de novembro

Não haverá espetáculo no dia 08/10

Horários: sábados e domingos, às 16h

Duração: 60 minutos

Preços: R$ 50,00

Teatro Shopping Frei Caneca

Tel: (11) 3472-2226

Malas, palhaços e cambalachos faz homenagem aos palhaços e evocam à alegria que eles proporcionam

2011-09-17T14:58:00.001-07:00

Confesso que acordar cedo aos sábados não é uma paixão. Hoje, 17 de setembro, no entanto, acordei cedo e fui ver Wagner de Miranda (direetor) e Camilo Brunelli (autor e ator) na estréia da Cia Espontânea de Teatro, no Festival de Teatro da cidade de São Paulo, teatro União Cultural.
Malas, palhaços e cambalachos, de Brunelli, faz uma homenagem ao circo e fala da importância da amizade e da alegria em nossas vidas, com diversão, música tocada e cantada ao vivo, cenário e figurinos coloridos.
Godofredo é um palhaço apaixonado e não para de chorar porque seu circo foi embora e o deixou. Peripaque, também palhaço, resolveu fugir de seu circo porque não aguenta mais ouvir as pessoas rindo dele ( quer ser um palhaço sério).
Num lugar indefinido, os dois se encontram e depois de trapalhadas e mentiras, se tornam grandes amigos. Têm a companhia de um coro que contribuem para dar dinamismo ao espetáculo e dialogam com os personagens, os ajudando a expressar as suas emoções.
Como nem todos os atores possui formação circense, o objetivo é contar a história de maneira divertida.
Em cena, eles usam técnicas do picadeiro, como a pantomima, mas sem a preocupação em demonstrar que dominam as técnicas do clown. Uma opção acertada do diretor, que faz seu primeiro infantil e conseguiu criar uma montagem atrativa.
Como foi estreia, ainda há alguns ajustes de marcações e interpretação, mas os atores estão em sintonia e merecem aplausos.
Torcer pra que logo a peça entre em cartaz. Fico feliz sempre que vou ao teatro por para prestigiar artistas que merecem tudo de bom!

De: Camilo Brunelli
Produção: Cia Espontânea de Teatro
Direção: Wagner de Miranda
Cenografia: Wagner de Miranda
Figurinos: Creso Pessurno e Wagner de Miranda
Iluminação: Clayton Heringer
Com Clayton Heringer, Luciano Brandão, Álvaro Sabra, Bruna Grassi, Camilo Brunelli, Juscelino Filho, Marta Guerreiro, Rodrigo Melgaço e Rubia Grassi. www.youtube.com/watch?v=IHrj2AK07Lo

INAUGURAÇÃO Sesc Bom Retiro

2011-08-23T10:37:00.000-07:00

INAUGURAÇÃO 27 DE AGOSTO, SÁBADO, A PARTIR DAS 11H

Alameda Nothmann, 185.
Bom Retiro, São Paulo
Telefone: 3332-3600 (em funcionamento a partir do dia 27/8)

tem peças e shows gratuitos
sáb tem Lamartine Babo e A Casa Amarela

http://www.sescsp.org.br
Bj
Nanda

espetáculo AS ERUDITAS fará uma promoção especial no último domingo do mês

2011-08-23T10:08:00.000-07:00

espetáculo AS ERUDITAS fará uma promoção especial no último domingo do mês. No dia 28 de agosto, domingo, o ingresso custa R$2,00 (graças ao patrocínio da Projeto BR de Cultura 2011/2012, da Petrobrás).
Sexta e sábado, às 21h30 e domingo às 19h30. O ingresso normal custa: R$ 20,00.

Teatro Brigadeiro. Av. Brigadeiro Luís Antonio, 884 - Bela Vista. Telefone - 3107.5774 / 3115.2637. Bilheteria de quarta a domingo a partir de 14 horas.

PARABÉNS ATORES QUERIDOS

2011-08-19T09:49:00.000-07:00

PARABÉNS ATORES E ATRIZES, QUE ABRILHANTAM OS NOSSOS PALCOS, E TELAS TAMBÉM
ADMIRO MUITO O TRABALHO DOS ATORES, QUE PROVAM ATRAVÉS DO SEU OFÍCIO, QUE AINDA É POSSÍVEL DEIXAR A IMAGINAÇÃO AFLORAR E SONHAR COM UM MUNDO MELHOR

O ator Antonio Calloni tem um texto sobre o ator
vale a pena ler, concordemos ou não com o que ele diz, é a fala de um tor sobre o seu ofício:

Ser ator é realmente uma profissão de maluco, fascinante. A poética do ridículo, o brincar de faz de conta, o infindável universo onírico infantil e a tremenda cara de pau fazem com que os atores encantem - pelo seu poder de transgressão, pela sedução, pelo poder de conscientização, pela capacidade de simplesmente entreter e pela mágica de poder ser quase todo mundo - aos que os assistem e sonham junto com eles.

Lemos Diderot, Stanislavsky, Grotovsky, Maierhold, D. T. Suzuki e uma infinidade de outros livros (todos fundamentais). Ouvimos muita música clássica para apurarmos nossa noção de ritmo, de cor, de intensidade. Ouvimos samba, pagode, MPB, música sertaneja e o diabo a quatro, graças ao bom Deus. Graças a obrigatória falta de preconceito para ver e viver a vida como ela é (obrigado, grande Nelson!) e poder reproduzi-la, e, melhor ainda, recriá-la como uma pintura, que quase sempre é mais rica do que uma foto. Vemos (com o corpo inteiro) pinturas de Bosch, Goya, Velásquez, Max Ernst, para tentar compreender alguns mistérios da vida, para provocar nossos sonhos, ou, para nada. Só para ver mesmo. Que bom!
Conversamos com o Zé que vende coco no quiosque da praia e notamos um gesto diferente, um ritmo novo, outras possibilidades de comportamento e de comunhão com a vida. Observamos sem pensar. Viva o Zé! Precisamos dele. E depois colocamos uma armadura e dizermos que somos cavaleiros da Távora Redonda, dizemos que somos bons, que somos maus, que somos bons e maus, que somos gente. É uma profissão que deveria se iniciar logo que a pessoa começasse a falar e a ler, e terminar no início da adolescência, já que os adolescentes têm verdadeiro horror a pagar mico. Mas não, o maravilhoso complexo de Peter Pan nos acompanha pelo resto da vida e passamos a nos comportar como crianças relativamente adultas. E aí entra a poética do tempo que estará sempre a nosso favor.

Fazer um bom trabalho de ator é sempre muito arriscado, mesmo que o personagem seja comum, simples, cotidiano. É mais arriscado ainda. É raro, mas acontece de ver um ator dizendo que está arriscando quando na verdade está fazendo um trabalho histérico e fora da medida. No caso de uma novela, geralmente as pessoas se acostumam e até passam a gostar. O erro faz parte do show, eliminá-lo é impossível, diminuir a margem de erro através do estudo, dedicação, e, principalmente, leveza e bom humor, talvez seja o melhor caminho. Cada um escolhe o seu.

É uma profissão generosa, democrática e acolhedora. Qualquer um pode ser ator, basta saber falar, andar, ler e ter o juízo mais ou menos perfeito. Todos têm direito a tentativa e ninguém tira o lugar de ninguém. Fazer um bom trabalho de ator, permanecer digno praticando o ofício já são outros quinhentos, não é para qualquer um. A consciência de que somos inevitavelmente precários por sermos humanos pode ser um grande estímulo para fazermos trabalhos grandiosos. Viramos heróis, mendigos e uma infinidade de outros
personagens para, entre outras coisas, vencer a morte (êta coisinha incômoda). E, no final, conseguimos rir de nós mesmos.

Quero, por fim, agradecer aos meus nobres e loucos companheiros atores por percorrerem esse caminho inventado e que aumenta a vida, o prazer e o sonho. Quero agradecer aos grandes atores que já superaram o estágio dos adjetivos e conquistaram a liberdade plena da criação. Qual o adjetivo para Fernanda Montenegro, para Laura Cardoso? Quero agradecer também aos que estão começando, aos que estão terminando (se é que isso é possível) e aos que estão por vir.

Sou ator, acho que isso quer dizer alguma coisa.

Evoé!

O ator, que faz um trabalho que merece aplausos na novela O Astro, tem um site: http://www.antoniocalloni.com/

Bjs Boa sexta

Futilidades Públicas

2011-08-16T19:34:00.000-07:00

Uma mulher está presa em umbanheiro durante um assalto a um banco.

Entre o espanto e o desespero, eladiscorre sobre a vida, se indignando com suas injustiças e ironias, com muitodeboche e cantoria.

A personagem expõe a realidade deseu universo particular. De uma maneira peculiar escapa da dureza que asituação em que se encontra lhe proporciona e encontra sua saída poética nascanções, que fazem a trilha sonora da sua vida.

Esse é o enredo de Futilidades Públicas,texto escrito e interpretado por PatríciaGasppar. Uma comédia, com direção de Elias Andreato, cenário de CarlosMoreno e figurino de FábioNamatame, Futilidadesfoi o primeiro texto de Patrícia premiado na JORNADA SESC DE TEATRO, 93 –“O RISO NO TEATRO”. Desde lá já foi apresentado inúmeras vezes eassistido por centenas de pessoas em São Paulo, interior do estado e capitais.

Num cenário que reproduz umminúsculo banheiro a personagem vai além das dimensões em que está enclausuradae nos 60 minutos de duração da peça, consegue levar o público com ela em suasreflexões e visões cômicas da vida.

Com direção de Elias Andreato, Patrícia Gasppar apresenta seu premiadosolo todas as terças no Teatro Folha

Ficha Técnica

Texto: PatríciaGasppar

Direção: Elias Andreato

Atriz: Patrícia Gasppar

Cenário: Carlos Moreno

Figurino: Fábio Namatame

Iluminação: WagnerFreire

Produção musical: Surdina

Designer gráfico: ZeleComunicação

Fotos: João Caldas

Produção executiva e administração: AndréiaPorto

Direção de produção: ClarissaRockenbach e Fernando Padilha

Realização: Pad RokProduções Culturais

“Uma delícia de espetáculo! Ah! Como eu ri”

Paulo Autran

“O verdadeiro talento de Patrícia se multiplica naonipresença de seu monólogo”

Nando Reis, músico

“Escrevendo e atuando, Patrícia chega num grau deexcelência em seu trabalho que a credencia ao primeiro time não dascomediantes, mas das atrizes paulistanas. Precisa, concentrada e impagável”

Aimar Labaki, dramaturgo e roteirista

Teatro Folha (305 lugares)
Shopping PátioHigienópolis
AvenidaHigienópolis, 618 / Terraço.
Informações:3823.2323
Vendas:3823.2737 e www.conteudoteatral.com.br/teatrofolha
Grupose Escolas: 3104.4885
Bilheteria: deterça a quinta, das 15h às 21h. Sexta das 13h às 24h. Sábado, das 12h às 24h.
Domingo das 12hàs 20h. Clube Folha 25% de desconto.
Aceita cartão dedébito e crédito: Visa, Máster e Amex. Não aceita cheque.
EstacionamentoR$ 8, por duas horas. Acesso para deficiente. Ar-condicionado.
Terças, às 21h.
Ingressos: R$ 20.
Duração: 60minutos
Recomendação:14 anos
Estreia 23 de agosto.
Temporada: até 27 de setembro.

HORÁRIO DE MEU VERÃO de Ruy Jobim Neto

2011-08-16T19:33:00.001-07:00

HORÁRIO DE MEU VERÃO (8min18s / color / 2010 / elenco: Renata Becker e Fernando Pivotto)

http://www.youtube.com/watch?v=Hokvg5EGvhk&feature=mh_lolz&list=HL1313530930

e eis o clipe da canção "Estação", escrita por Jairo Cechin para o curta "HYPPÓLITA", de 2011:

http://www.youtube.com/watch?v=ORQoMQaXnDo&feature=related

Bete Coelho e Ricardo Bittencourt protagonizam o espetáculo Cartas de Amor para Stalin

2011-08-16T10:21:00.001-07:00

Bete Coelho e Ricardo Bittencourt protagonizam o espetáculo Cartas de Amor para Stalin

Por Nanda Rovere

Cartas de Amor para Stalin é uma peça que fala com maestria da paixão pela arte e por um país e como o poder autoritário pode destruir vidas.

Mikhail Bulgákov, um dos principais escritores e dramaturgos soviéticos da década de 1930, conta com o apoio de sua esposa, que lê as suas criações e lhe dá conselhos.

Devido ao conteúdo considerado subversivo de suas obras, é censurado, desrespeitado pela sociedade e vive enclausurado com a esperança de um dia voltar a trabalhar.

Essa situação o atordoa de tal modo que ele começa a escrever cartas a Stalin, pedindo que o estadista entenda os seus motivos em questionar o regime, defendendo que o papel do artista é falar com liberdade sobre todos os assuntos. Pede que Stalin o entenda e interceda a seu favor perante a classe artística.

Para a sua surpresa, numa noite, atende ao telefonema do próprio Stalin, que deseja marcar um encontro entre os dois. Mas a ligação cai e a partir desse momento o artista vive em função de um novo contato telefônico. Como ele não acontece, começa a escrever cartas endereçadas ao Kremlin desesperadamente. A inspiração para os conteúdos vem de sua mulher, que finge ser Stalin e indica como é a melhor maneira para que os pedidos sejam atendidos...

O novo telefonema não acontece, mas o escritor não desiste e escreve cartas diárias. A realidade e o delírio se juntam. O encontro com Stalin vira uma obsessão de tal maneira que não se sabe mais o que é real o que é imaginário nos diálogos entre os personagens

O drama do escritor vai ficando insuportável. Sua mulher não aguenta tanta pressão e o relacionamento entre os dois estremece.

Nada mais chama a atenção do escritor, só a esperança de voltar a ter as suas criações respeitadas ou pelo menos que a sua extradição do país seja concedida na impossibilidade de permitirem que as suas peças sejam encenadas.

As cenas vão ficando cada vez mais atordoantes e a interpretação dos atores cresce a cada momento.

O texto inédito no Brasil do dramaturgo espanhol Juan Mayorga é atual, já que, mesmo após tantos anos e lutas em favor da democracia, ainda muitos países não têm liberdade e, mesmo os que têm, ainda sofrem com a censura, embora disfarçada.

Outro mérito da obra é a citação da trajetória de artistas de suma importância para o teatro Russo, como Stanislavski e Maiakóvski.

A falta de luz em vários momentos ressalta a dificuldade de se viver numa época de censura. Os efeitos luminosos também delimitam as mudanças de cena, a passagem de tempo e as emoções dos personagens.

O figurino é sóbrio e contribui para ambientar a ação num país soturno devido ao regime repressivo.

O cenário é formado por objetos e telas que colocam a ação da peça na sala da casa do artista e, com as mudanças de luz e projeção, é possível ver imagens da antiga União Soviética.

Ricardo Bittencourt transmite com competência o transtorno de seu personagem e Bete Coelho mais uma vez demonstra que está entre as melhores atriz do país. Está excelente como esposa e Stalin, com destaque para os gestos e a dicção da atriz, que diferenciam os personagens com precisão.

Imperdível! Uma ótima oportunidade para, através da ficção, reviver momentos históricos da Rússia, que marcaram o mundo todo.

Ficha Técnica
Texto: Juan Mayorga
Direção: Paulo Dourado
Tradução e dramaturgia: Manuel da Costa Pinto
Elenco Bete Coelho e Ricardo Bittencourt
Realização: BR 116

Serviço:

SESC Santana
Av Luiz Dumont Villares, 579
Santana - Tel: 11 2971-8700
Ingressos: R$20,00 (inteira); R$10,00 (usuário matriculado no SESC e dependentes, + de 60 anos, estudantes e professores da rede pública de ensino). R$5,00 (trabalhador no comércio e serviços, matriculado no SESC, e dependentes).

QUANDO sex. e sáb., às 21h; dom., às 18h

Temporada: de 13 de agosto a 18 de setembro. Sexta e sábado, às 21h. Domingo, às 18h.

Adultérios marca o feliz encontro entre os atores Norival Rizzo e Fábio Assunção

2011-08-16T10:07:00.001-07:00

Foto

Norival Rizzo, Fábio Assunção e Carol Mariottini

Divulgação

Adultérios marca o feliz encontro entre os atores Norival Rizzo e Fábio Assunção

O espetáculo está em cartaz na capital paulista

Por Nanda Rovere

Um escritor está à espera da amante para terminar o relacionamento e é abordado por um mendigo, Fred.

O moço conhece detalhes da vida de James e o acusa de ter plagiado as suas idéias, as quais se transformaram no roteiro de um filme de sucesso.

Fred, que sofre de esquisofrenia e psicose, aos poucos vai demonstrando a sua inteligência, a sua capacidade de imaginar histórias e outras características comuns a essas doenças. A sua lábia para conseguir a atenção de James é impressionante, pois este acaba lhe fazendo confidências e deixando-o intervir na sua vida pessoal.

As nuances do ser humano são apresentadas com maestria no texto. Fred não esconde o seu problema e verificar até que ponto a mente humana é capaz de criar situações irreais e elaborar crimes com precisão é um dos destaques da obra. Jim, por sua vez, ama a mulher, está arrependido da traição e não concorda com os conselhos de Fred – isto num primeiro momento, porque depois se mostra uma pessoa com princípios não muito confiáveis...

O diálogo entre os personagens vai ganhando cada vez mais força, com pitadas de humor, e a qualidade do texto prende a atenção. A montagem é focada na interpretação dos atores, porém o cenário é grandioso. Lembra um deck e a estrutura de um barco e sugere que os atores estão à beira do rio Hudson, já que a história se passa em Nova Iorque.

Alexandre Reinecke é um diretor atuante e merece atenção; tem muitas peças em cartaz simultaneamente; alguns trabalhos são bons, outros devem ser analisados com ressalvas. Adultérios foi um acerto, a sua concepção para as cenas é competente, e contribuem para isso a qualidade do texto e dos atores Norival Rizzo e Fábio Assunção.

Fábio Assunção e Norival Rizzo estão muito bem e conseguem uma ótima sintonia no palco, num instigante jogo cênico.

Assunção posta um pouco demais a voz, certamente com a preocupação em ser ouvido num teatro grande como o Frei Caneca, mas esse detalhe não chega a prejudicá-lo em cena, pois apresenta com precisão a astúcia de Fred, bem como os seus distúrbios psicológicos. Rizzo, por sua vez, é um ator experiente no teatro e dá ao seu personagem um tom cômico.

Carol Mariottini faz uma pequena participação como a amante de Jim.

Quanto ao cenários, figurinos, luz e trilha: Apesar de possibilitar aos atores uma movimentação que contribui para o dinamismo da encenação, o cenário cansa um pouco os olhos. Os figurinos estão adequados e a trilha acompanha o clímax nos diálogos e a luz delimita com sutileza o ambiente, as emoções e ações dos personagens.

Quem considera Fabio Assunção apenas um galã de TV vai se surpreender com a sua atuação no teatro.

Ficha técnica:

Texto: Woody Allen

Tradução: Rachel Ripani

Direção: Alexandre Reinecke

André Cortez – cenografia

Leopoldo Pacheco – figurinos

Caetano Vilela – iluminação

Eduardo Queiroz - trilha sonora original

Serviço:

Adultérios

Teatro Shopping Frei Caneca

Rua Frei Caneca, 569 - 6º Andar

Sextas às 21h30 – Sábados às 21h – Domingos às 19h. Tels: 11 3472.2229 e 3472.2230

Temporada: De 8 de julho a 25 de setembro de 2011

Sextas: R$ 50,00 – Sábados: R$ 70,00 – Domingos: R$ 60,00
http://www.teatrofreicaneca

CRÔNICA DA CASA ASSASSINADA

2011-08-13T20:39:00.000-07:00

A foto eu peguei dos meninois, não lembro se do Ãlbum do Cacá Toledo , do Hélio Souto Jr...

Já está no site do SESC:

SESC Vila Mariana

16/09 a 16/10

Sextas e sábados, às 21h; domingos, às 18h.

Release: Direção de Gabriel Villela. Espetáculo inspirado no romance homônimo do escritor mineiro Lúcio Cardoso e adaptado para o teatro por Dib Carneiro Neto. A trama acompanha a decadência de uma tradicional família mineira, os Meneses. Uma saga que se desenrola nos limites de uma casa de fazenda. A montagem reconstrói o clima que envolve os ambientes e os personagens. Fixa a angústia de um amor que se crê incestuoso através de cartas, diários e confissões das pessoas que conheceram Nina, a protagonista. A peça mostra a decomposição moral dos parentes exposta em brigas, casos extraconjugais e atos de violência.

Elenco: Xuxa Lopes, Sergio Rufino, Flavio Tolezani, Pedro Henrique Moutinho, Rogério Romera, Maria do Carmo Soares, Letícia Teixeira, Cacá Toledo, Helio Souto Jr. e Marco Furlan. Teatro. Venda pelo sistema INGRESSOSESC, a partir de 01/09, às 14h.

R$ 24,00 [inteira]

R$ 12,00 [usuário matriculado no SESC e dependentes, +60 anos, professores da rede pública de ensino e estudantes com comprovante]

R$ 6,00 [trabalhador no comércio e serviços matriculado no SESC e dependentes]

Para saber mais sobre a peça: www.oteatrodadelicadeza2.blogger.com.br

No Facebook http://www.facebook.com/home.php#!/groups/133795370015657/

Denise dá um show

2011-08-12T22:40:00.000-07:00

Dica

2011-08-12T22:39:00.000-07:00

Imperdível

2011-08-12T00:04:00.000-07:00

Duas dicas

2011-08-10T22:35:00.000-07:00

-Espaço Elevador promove mostra gratuita: A Mostra dará a oportunidade pra novos artistas de todo Brasil de mostrarem seus trabalhos em São Paulo. Os ingressos são gratuitos e as reservas podem ser feitas no 11 3477-7732

-A Idade da Ameixa

O texto de Aristides Vargas narra memórias femininas num casarão, rodeadas pelas sombras de ameixeiras. Nove personagens na visão de duas irmãs que se correspondem através de cartas relatam três gerações e a eterna vontade de partir, jamais consumada, há não ser no mundo dos sonhos. Tradução: Mario Viana. Direção e Iluminação: Luiz Valcazaras. Com Gabrila Elias e Nathalia Lorda. Espaço Beta - Sesc Consolação, 3º andar.

11/08 a 02/09
Quintas e sextas, às 21h.

Espartilho

2011-08-10T09:53:00.000-07:00

A Comédia dramática tem direção de Roberto Lage

Em texto inédito de José Antônio de Souza, os atores Dani Mustafci e Fábio Ock vivem uma história de amor e sedução ambientada nos anos 50 - década marcada por avanços científicos, tecnológicos e mudanças culturais e comportamentais. A trama gira em torno de Virgínia, dona-de-casa, católica e frustrada com o casamento, que tem sua rotina alterada quando um misterioso homem entra em sua vida. A partir daí, começa um inquietante jogo de sedução e fantasia. Wagner Freire assina a luz e Renata Zhaneta a preparação dos atores

Cenário: Heron Medeiros.
Figurinos: Luciano Ferrari.
Assistente de figurino: Elen Zamith.
Iluminação: Wagner Freire.
Trilha Sonora: Aline Meyer.
Fotografia: Tika Tiritilli.
Preparação gestual e de ator: Renata Zhaneta.
Censura: 12 anos.
Duração: 75 minutos.
Até 4 de setembro.
Espaço Parlapatões - Pça Roosevelt, 158 – Centro. Fone: 3258-4449. Bilheteria: das 16h às 22 horas. Capacidade: 96 lugares.

Historias da Meia Noite

2011-08-08T19:10:00.001-07:00

Um amigo meu está estreando um programa na rádio do site: www.redeamigosdacultura.com.br O acesso está no canto superior esquerdo

O nome é Historias da Meia Noite. São contos que serão lidos de segunda a sábado à meia-noite. São 60 episódios.

Para quem puder conferir, fica a dica.

Bjs

Nanda

Ciranda, encontros e desencontros entre mãe e filha

2011-08-08T12:06:00.001-07:00

Ciranda, encontros e desencontros entre mãe e filha
O amor enfrenta a barreira das divergências de pensamento e temperamento.

Cena do espetáculo Ciranda, foto de João Caldas.
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Sobre Teatro Eva Herz
Da editoria de Artes Cênicas

As atrizes estão em ótima sintonia. Tânia Bondezan vive com maestria as duas personagens, destacando com precisão as características que diferenciam o comportamento da mãe, Lena, e da filha, Boina, Daniela Galli. Daniela também está muito bem em cena e a sua interpretação cresce no momento em que vive Sara.

Célia Forte tem muita sensibilidade para captar o universo das relações humanas. Em Amigas, Pero no Mucho era mostrado um relacionamento cunturbado de quatro amigas. A comédia era o mote da encenação e as nuances do universo feminino foram muito bem transferidas para o palco. Já em Ciranda, é o drama familiar que é levado ao palco. Uma história de encontros, desencontros e muita poesia.

O espetáculo acabou de estrear e por esse motivo ainda tem a crescer durante a temporada, mas esta observação não é uma crítica e sim a constatação de uma das mais belas características do teatro: a possibilidade do aprimoramento do ator a cada apresentação.

Em Ciranda, mãe e filha não conseguem se entender. Lena é uma mãe que preza a filha e tem um temperamento expansivo e, aos olhos da filha, excêntrico. Lena é uma personagem que encanta. Um segredo que não teve coragem de revelar à filha a atormenta, mas todas as suas ações são em prol de um bom relacionamento com a filha e a neta. Idealista, perdeu o grande amor de sua vida e criou a filha com dificuldade, mas sempre procurando ver a vida com positividade. Já Boina dá valor aos bens materiais e ao poder. Acredita que vive um casamento feliz, mas o marido causa um grande desfalque na empresa que dirige. Para não ser presa, é obrigada a fugir, abandonando a filha, Sara, aos cuidados da sua mãe. O tempo passa e Sara apresenta o mesmo temperamento da avó, pois não perdoa ter sido abandonada pela mãe.

Num dos momentos mais bonitos da peça, Sara e Boina se encontram, segredos do passado são revelados e o relacionamento mãe e filha tende a um final harmonioso. O curso da vida nem sempre é como queremos e uma fatalidade impede que Lena e Boina se reencontrem.

As diferenças de temperamento e pensamento distanciam Lena e Boina; já o relacionamento entre Lena e Sara é amistoso.

O cenário é exageradamente colorido e cheio de objetos hippies e posters, que salientam o gosto e a personalidade da protagonista: uma espécie de relicário, que detém as lembranças e serve de companhia, os figurinos usados por Lena e Sara (exceto o concebido para Boina, que é sóbrio e elegante). São objetos que transmitem beleza e alegria, já que Lena, apesar dos problemas, procura viver com humor. Tem um cotidiano pouco regrado, mas tudo serve para tentar dar maior leveza à sua vida, fugir da tristeza, da solidão e da culpa de sempre ter mentido para a filha sobre o passado. A trilha ressalta os momentos de nostalgia e as emoções do complexo relacionamento familiar. Apesar dessa relação ser cheia de percalços, o amor está presente.

Vale muito a pena conferir. É daquelas peças que nos tocam bastante.
Detalhes

Ciranda
Temporada: até 28 de agosto
Sextas e Sábados às 21h; Domingos às 18h
Ingressos: Sexta R$ 40; Sábado e Domingo R$ 50
Teatro Eva Herz
Avenida Paulista, 2.073 – Livraria Cultura / Conjunto Nacional
Informações: (11) 3170-4059
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músicas do chico buarque

2011-08-07T18:04:00.001-07:00

músicas do chico buarque - uns vídeos muito legais que achei em pesquisas no youtube

‏

dias que fico com sensibilidade à flor da pele tenho necessidade de ouvir o Chico sem parar...aí pesquei esses vídeos:

alguns vídeos tem no chicobastidores, mas está demorando mto pra abrir bjs boa semana

Elis Regina - Atras da Porta

http://www.youtube.com/watch?v=35FPZR24djg

NUNCA OUVI, E VI, UMA INTERPRETAÇÃO TÃO LINDA EM TODA A MINHA VIDA! MAGNÍFICOOOOOOOOO! elis realmente é única, magnífica, esplêndida!

http://www.youtube.com/watch?v=2IxyQctm4u8 Chico e Diogo Nogueira - Sou Eu ( música de Ivan, Letra Chico)

http://www.youtube.com/watch?v=eGPGgQQeUeQ Ivan Lins e Claudio Lins - Sou Eu

http://www.youtube.com/watch?v=trbpqIMFAKA&feature=related Sou Eu - Chico e Wilson das Neves

http://www.youtube.com/watch?v=T4CP6aCXq9I&feature=related Chico e João Bosco

outra música que gosto muito do cd novo

http://www.youtube.com/watch?v=M7Ej1bSIMzs&feature=related Se eu soubesse com Thaís Gulin

Chico: Bastidores - "Essa Pequena"
http://www.youtube.com/watch?v=ZRLayH21Gnk&feature=relmfu

Chico: Bastidores - "Barafunda"

http://www.youtube.com/watch?v=ioq7DaOCU_8&feature=relmfu

http://www.youtube.com/watch?v=PkHgisB8Rpg Renata Maria, Chico e Ivan Lins - Belas imagens

outro vídeo, este mais antigo. Uma música que toca fundo na minha alma, recordaçõies...
Futuros Amantes - Chico Buarque

http://www.youtube.com/watch?v=LOwQLarDhvI

Clipe "Ela faz Cinema" Chico Buarque

http://www.youtube.com/watch?v=cGxtihukKiI&feature=related

Mambembe - Chico Buarque e Roberta Sá

http://www.youtube.com/watch?v=u0-iovg0mq4&feature=related

Elis Regina y Chico Buarque - "Pois é"

http://www.youtube.com/watch?v=1N97Cbv8xZs&feature=related

Sem compromisso / Deixa a menina - Chico Buarque e Mart'nália

http://www.youtube.com/watch?v=6F-NirTkoDc&feature=related

Caetano Veloso & Chico Buarque

http://www.youtube.com/watch?v=8JDk6ZTBjAg&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=lSOAXDkFgxM&feature=related interessante ver a abertura do programa que eles faziam juntos

O Quereres - Chico e Caetano

http://www.youtube.com/watch?v=97JGiKnzsKc apesar da má qualidade do vídeo, vale a pena ver

Imagina - Olivia Byington e Chico Buarque

http://www.youtube.com/watch?v=_buRbDLDmc8&feature=related

Ive Brussel - Jorge Ben, Chico Buarque, Caetano Veloso, Paulinho da Viola e Herbert Viana

http://www.youtube.com/watch?v=gZ0O8oWZFc4

Chico e Caetano. Milton Nascimento, Mercedes Sosa e Gal Costa. 1987

http://www.youtube.com/watch?v=ZV878gHW-Sw&feature=fvsr apesar da má qualidade do vídeo, vale a pena ver

CLARA NUNES--MORENA DE ANGOLA

http://www.youtube.com/watch?v=gm8TfCxt_2g&feature=related

Gal Costa, Chico Buarque e Milton Nascimento ( ser mágico, iluminado) não ér à toa que ele e Elis se amavam, cantores magníficos) - Sabiá

http://www.youtube.com/watch?v=mZSme8BB78A

O cio da Terra

http://www.youtube.com/watch?v=mAS9a7H2T78&feature=related

O que será ( Milton como sempre emociona com a sua magia; é uma luz que ilumina a vida, a arte)

http://www.youtube.com/results?search_query=milton+nascimento+chico+buarque&aq=f

Pedaço de mim - Chico Buarque e Zizi Possi

http://www.youtube.com/watch?v=JIFWpMzwUnc&feature=related

Noite dos mascarados - Chico Buarque, Nara Leão e MPB-4

http://www.youtube.com/watch?v=fgaKvFqD2CU&feature=related

Contigo - Chico Buarque e Fagner

http://www.youtube.com/watch?v=c6_o9WqGxF8&feature=related

Chico Buarque e Paula Toller cantam "Dueto"

http://www.youtube.com/watch?v=MvkRVELL6dg&feature=related

O Meu amor com as maravilhosas Maestrini e Soraya Ravenle -

http://www.youtube.com/watch?v=Srs_P3uVy_Y

Alessandra Maestrini - Palavra de Mulher

não estava morando em Campinas e não pude ver a montagem. Fiquei tão triste, pois tinha visto a montagem do Gabriel ( Villela) e adoradoooooo!

chico buarque e caetano veloso - merda

http://www.youtube.com/watch?v=ZICYoeTovXA

OUTRAs PÉROLAs

Augusto Boal no Arquivo N da Globo News

http://www.youtube.com/watch?v=iVaJ-QlgMpA

Imagens originais de "Gota D'água", com Bibi Ferreira

http://www.youtube.com/watch?v=fsWpljeQO-o

http://www.youtube.com/watch?v=y8Mr3Zreh5c&feature=related

Chico homenageando Noel Rosa no extinto programa musical "Bar Academia".

http://www.youtube.com/watch?v=zV-7eaY9TnA&feature=related

Construção - Chico Buarque e Fernanda Montenegro - Arr. Vittor Santos

http://www.youtube.com/watch?v=aJWzeVLrxwg

Bethânia e Chico Buarque - Contracenando em Quando o Carnaval Chegar

http://www.youtube.com/watch?v=xju3mecGUNA

Bethânia entrevista Chico

http://www.youtube.com/watch?v=lasPk6HaZH4

Chico Buarque fala de Maria Bethânia

http://www.youtube.com/watch?v=c4c4gA53sVU

http://www.youtube.com/watch?v=N9myi3acTwM&feature=related
Chico Buarque e Wilson das Neves - Grande hotel - Show CarioCA

O MEU AMOR - MARIETA E ELBA - OPERA DO MALANDRO

http://www.youtube.com/watch?v=ZPAMVYQFnRo&feature=related

Marieta e Tânia Alves

http://www.youtube.com/watch?v=XQ5PzgCX0Ho&feature=related

01:03

Responder ▼

Chananda Bento

dias que fico com sensibilidade à flor da pele tenho necessidade de ouvir o Chico sem parar...aí pesquei esses vídeos:

alguns vídeos tem no chicobastidores, mas está demorando mto pra abrir bjs boa semana

Elis Regina - Atras da Porta

http://www.youtube.com/watch?v=35FPZR24djg

NUNCA OUVI, E VI, UMA INTERPRETAÇÃO TÃO LINDA EM TODA A MINHA VIDA! MAGNÍFICOOOOOOOOO! elis realmente é única, magnífica, esplêndida!

http://www.youtube.com/watch?v=2IxyQctm4u8 Chico e Diogo Nogueira - Sou Eu ( música de Ivan, Letra Chico)

http://www.youtube.com/watch?v=eGPGgQQeUeQ Ivan Lins e Claudio Lins - Sou Eu

http://www.youtube.com/watch?v=trbpqIMFAKA&feature=related Sou Eu - Chico e Wilson das Neves

http://www.youtube.com/watch?v=T4CP6aCXq9I&feature=related Chico e João Bosco

outra música que gosto muito do cd novo

http://www.youtube.com/watch?v=M7Ej1bSIMzs&feature=related Se eu soubesse com Thaís Gulin

Chico: Bastidores - "Essa Pequena"
http://www.youtube.com/watch?v=ZRLayH21Gnk&feature=relmfu

Chico: Bastidores - "Barafunda"

http://www.youtube.com/watch?v=ioq7DaOCU_8&feature=relmfu

http://www.youtube.com/watch?v=PkHgisB8Rpg Renata Maria, Chico e Ivan Lins - Belas imagens

outro vídeo, este mais antigo. Uma música que toca fundo na minha alma, recordaçõies...
Futuros Amantes - Chico Buarque

http://www.youtube.com/watch?v=LOwQLarDhvI

Clipe "Ela faz Cinema" Chico Buarque

http://www.youtube.com/watch?v=cGxtihukKiI&feature=related

Mambembe - Chico Buarque e Roberta Sá

http://www.youtube.com/watch?v=u0-iovg0mq4&feature=related

Elis Regina y Chico Buarque - "Pois é"

http://www.youtube.com/watch?v=1N97Cbv8xZs&feature=related

Sem compromisso / Deixa a menina - Chico Buarque e Mart'nália

http://www.youtube.com/watch?v=6F-NirTkoDc&feature=related

Caetano Veloso & Chico Buarque

http://www.youtube.com/watch?v=8JDk6ZTBjAg&feature=related

http://www.youtube.com/watch?v=lSOAXDkFgxM&feature=related interessante ver a abertura do programa que eles faziam juntos

O Quereres - Chico e Caetano

http://www.youtube.com/watch?v=97JGiKnzsKc apesar da má qualidade do vídeo, vale a pena ver

Imagina - Olivia Byington e Chico Buarque

http://www.youtube.com/watch?v=_buRbDLDmc8&feature=related

Ive Brussel - Jorge Ben, Chico Buarque, Caetano Veloso, Paulinho da Viola e Herbert Viana

http://www.youtube.com/watch?v=gZ0O8oWZFc4

Chico e Caetano. Milton Nascimento, Mercedes Sosa e Gal Costa. 1987

http://www.youtube.com/watch?v=ZV878gHW-Sw&feature=fvsr apesar da má qualidade do vídeo, vale a pena ver

CLARA NUNES--MORENA DE ANGOLA

http://www.youtube.com/watch?v=gm8TfCxt_2g&feature=related

Gal Costa, Chico Buarque e Milton Nascimento ( ser mágico, iluminado) não ér à toa que ele e Elis se amavam, cantores magníficos) - Sabiá

http://www.youtube.com/watch?v=mZSme8BB78A

O cio da Terra

http://www.youtube.com/watch?v=mAS9a7H2T78&feature=related

O que será ( Milton como sempre emociona com a sua magia; é uma luz que ilumina a vida, a arte)

http://www.youtube.com/results?search_query=milton+nascimento+chico+buarque&aq=f

Pedaço de mim - Chico Buarque e Zizi Possi

http://www.youtube.com/watch?v=JIFWpMzwUnc&feature=related

Noite dos mascarados - Chico Buarque, Nara Leão e MPB-4

http://www.youtube.com/watch?v=fgaKvFqD2CU&feature=related

Contigo - Chico Buarque e Fagner

http://www.youtube.com/watch?v=c6_o9WqGxF8&feature=related

Chico Buarque e Paula Toller cantam "Dueto"

http://www.youtube.com/watch?v=MvkRVELL6dg&feature=related

O Meu amor com as maravilhosas Maestrini e Soraya Ravenle -

http://www.youtube.com/watch?v=Srs_P3uVy_Y

Alessandra Maestrini - Palavra de Mulher

não estava morando em Campinas e não pude ver a montagem. Fiquei tão triste, pois tinha visto a montagem do Gabriel ( Villela) e adoradoooooo!

chico buarque e caetano veloso - merda

http://www.youtube.com/watch?v=ZICYoeTovXA

OUTRAs PÉROLAs

Augusto Boal no Arquivo N da Globo News

http://www.youtube.com/watch?v=iVaJ-QlgMpA

Imagens originais de "Gota D'água", com Bibi Ferreira

http://www.youtube.com/watch?v=fsWpljeQO-o

http://www.youtube.com/watch?v=y8Mr3Zreh5c&feature=related

Chico homenageando Noel Rosa no extinto programa musical "Bar Academia".

http://www.youtube.com/watch?v=zV-7eaY9TnA&feature=related

Construção - Chico Buarque e Fernanda Montenegro - Arr. Vittor Santos

http://www.youtube.com/watch?v=aJWzeVLrxwg

Bethânia e Chico Buarque - Contracenando em Quando o Carnaval Chegar

http://www.youtube.com/watch?v=xju3mecGUNA

Bethânia entrevista Chico

http://www.youtube.com/watch?v=lasPk6HaZH4

Chico Buarque fala de Maria Bethânia

http://www.youtube.com/watch?v=c4c4gA53sVU

http://www.youtube.com/watch?v=N9myi3acTwM&feature=related
Chico Buarque e Wilson das Neves - Grande hotel - Show CarioCA

O MEU AMOR - MARIETA E ELBA - OPERA DO MALANDRO

http://www.youtube.com/watch?v=ZPAMVYQFnRo&feature=related

Marieta e Tânia Alves

http://www.youtube.com/watch?v=XQ5PzgCX0Ho&feature=related

Uma peça que quero ver

2011-08-06T13:37:00.000-07:00

Assistência da querida Maria Carolina Dresller

blog "coruja cultural:"

2011-08-06T13:15:00.001-07:00

O blog "coruja cultural:" é mais um espaço para ampliar a divulgação de sua obra. Sem qualquer ônus você poderá anunciar exposições, lançamentos, publicações.

Acesse e participe:

www.corujacultural.com

um olhar cultural: www.corujacultural.com

Quem administra é o ator, escritor e dramaturgo Flávio de Souza

Show "A FINA FLOR DO SAMBA" - Carlos Navas

2011-08-06T13:11:00.000-07:00

10 DE AGOSTO - QUARTA - 20 HS
Show "A FINA FLOR DO SAMBA"
Carlos Navas interpreta clássicos de Dorival Caymmi, Ney Lopes, Dona Ivone Lara, Adoniran Barbosa, Baden Powell e Vinicius de Moraes, entre outros.
Teatro Carlos Zara - CEU BUTANTÃ
Av. Engenheiro Heitor Antônio Eiras Garcia 1.870. Fone: 3732-4551

13 DE AGOSTO - SÁBADO - 17 HS
Show Infantil "CHICO E VINICIUS PARA CRIANÇAS"
CEU CAMINHO DO MAR
Rua Engenheiro Armando de Arruda Pereira, 5.241 - Jabaquara - Fone: 5624-8739

GRÁTIS

As Eruditas, de Molière

2011-08-01T19:15:00.000-07:00

Com 20 anos de estrada, 16 peças no repertório – de montagens de obras do teatro clássico – e antes de estrear novo espetáculo ainda este ano, a Cia Limite 151 volta a São Paulo com AS ERUDITAS, de Molière, a partir do dia 5 de agosto, sexta-feira, no Teatro Brigadeiro. Os atores convidados Marco Pigossi, Élcio Romar e Teresa Amayo estarão no palco ao lado Gláucia Rodrigues, Jacqueline Brandão, Gustavo Ottoni, Janaína Prado, Tony Giusti, Marcelo Sant´Anna e Renata Sabino. O espetáculo foi selecionado para viajar pelo Brasil pelo Projeto BR de Cultura 2011/2012, da Petrobrás.

Molière e a Cia Limite 151

Fundada em 2001, por Edmundo Lippi, Gláucia Rodrigues, Cristiane D'Amato, Marcelo de Barreto e Wagner Campos, o grupo estreou com a peça Os Sete Gatinhos, de Nelson Rodrigues, com direção de Marcelo de Barreto, e o infantil Dom Quixote, adaptação de Wagner Campos para a obra de Cervantes, com direção de Cláudio Torres Gonzaga.

Depois vieram A Comédia dos Erros e O Mercador de Veneza, de William Shakespeare; À Margem da Vida, de Tennesse Williams; O Olho Azul da Falecida, de Joe Orton; Frankenstein, de Mary Shelley; A Moratória, de Jorge Andrade; O Santo e A Porca, de Ariano Suassuna; Vicente Celestino, A Voz Orgulho do Brasil, de Wagner Campos, além de As Malandragens de Scapino, O Avarento, O Doente Imaginário, As Preciosas Ridículas, Tartufo: O Impostor e As Eruditas – todas de Molière.

As Eruditas foi a penúltima peça escrita pelo autor francês. Para o diretor, o foco da montagem é o texto, e toda a encenação foi criada para que o público aprecie o espírito e o humor de Molière. “O que mais tem divertido os espectadores é ouvir os atores falando em versos, como no original do século XVII. A combinação da rima com a piada, que Molière faz como ninguém, é de uma comicidade inigualável, e todas as plateias tem apreciado essa experiência tão rara no teatro de hoje.”

A peça conta a história de Henriqueta (Janaína Prado) e Armanda (Jacqueline Brandão), duas filhas de Filomena (Theresa Amayo) e Crisaldo (Élcio Romar), um fidalgo da alta sociedade parisiense. Filomena deslumbra-se com o mundo das letras e da filosofia a ponto de querer casar Henriqueta com Tremembó (Gustavo Ottoni), um oportunista que tenta conquistar, com seus versos, a mão e o dote de uma das moças.

Henriqueta – ao contrário de sua irmã – não se sensibiliza com os galanteios, preferindo para noivo Cristóvão (Marco Pigossi), um jovem preterido por Armanda devido à sua simplicidade intelectual. Com esta trama, Molière esmiúça a hipocrisia, a crueldade e outras fraquezas humanas. “Os vícios apontados por Molière no século XVII continuam presentes e universais”, destaca José Henrique, completando que Gláucia Rodrigues interpreta a desvairada Belisa.

Gláucia Rodrigues comemora o sucesso e a continuidade do grupo ao longo destes 20 anos. “Considero fundamental a nossa afinidade artística. Pensamos e queremos a mesma coisa, cada um na sua função. Em especial o Edmundo Lippi, com sua obstinada vontade de colocar obras clássicas no palco, e o Wagner Rodrigues, apresentando os textos, em sua maioria desconhecidos do público em geral. A atriz e produtora também destaca a importância de estabelecer parcerias com empresas estatais e privadas. “A conquista de editais públicos, como o FATE, os editais da BR/Petrobrás e nossa longa parceria com a AON, são fundamentais para a manutenção do grupo.”

Reestreia dia 5 de agosto, sexta-feira, às 21 horas, no Teatro Brigadeiro. Texto: Molière. Tradução: Millôr Fernandes. Direção: José Henrique. Elenco: Theresa Amayo, Élcio Romar, Gláucia Rodrigues, Jacqueline Brandão, Marco Pigossi, Gustavo Ottoni, Janaína Prado, Tony Giusti, Marcelo Sant´Anna e Renata Sabino. Cenários e Figurinos: Colmar Diniz. Iluminação: Rogério Wiltgen. Programação visual: João Carlos Guedes. Produção Executiva: Valéria Meirelles. Direção de Produção: Edmundo Lippi. Temporada:De 5 de agosto a 25 de setembro. Sexta e sábado, às 21h e domingo às 19 horas. Ingressos: R$ 20,00. Duração: 80 minutos. Classificação Etária: 10 anos.

Teatro Brigadeiro. Av. Brigadeiro Luís Antonio, 884 - Bela Vista. Telefone - 3107.5774 / 3115.2637. Bilheteria de quarta a domingo a partir de 14 horas. Capacidade: 700 lugares. Projeto Selecionado pelo Programa BR de Cultura 2011/2012.

CARTAS DE AMOR PARA STALIN

2011-08-01T19:11:00.000-07:00

Temporada: de 13 de agosto a 18 de setembro. Sexta e sábado, às 21h. Domingo, às 18h.

SESC Santana

Endereço: Avenida Luiz Dumont Villares, 579, Santana

Telefone: 11 2971-8700

Duração: 70 minutos

Classificação: 14 anos

Capacidade: 337 lugares

Ingressos: Ingressos: R$20,00 (inteira); R$10,00 (usuário matriculado no SESC e dependentes, +60 anos, estudantes e professores da rede pública de ensino). R$5,00 (trabalhador no comércio e serviços matriculado no SESC e dependentes).

Um dos principais escritores e dramaturgos soviéticos da década de 30 vive recluso em casa com sua esposa. Ele não se conforma em ver sua obra desaparecendo da vida pública por conta da censura imposta pelo regime. O escritor recebe uma ligação telefônica. Do outro lado da linha está o próprio Stálin, seu admirador confesso. Então, poderia ser algo promissor. Porém, pouco depois, a ligação cai. Qual o motivo daquele contato?

É a partir desse impasse que se desenvolve o espetáculo “Cartas de Amor para Stálin”, texto inédito no Brasil do dramaturgo espanhol Juan Mayorga, que estreia dia 13 de agosto (sábado), às 21h, no teatro do SESC Santana. No elenco, Bete Coelho e Ricardo Bittencourt, criadores da companhia BR 116, que convidaram para a direção o encenador baiano, Paulo Dourado. A tradução e adaptação da peça são assinadas pelo jornalista e escritor Manuel da Costa Pinto.

REESTREIA - OS DIFAMANTES – TEATRO GAZETA

2011-08-01T19:08:00.001-07:00

A comédia OS DIFAMANTES reestreia nesta sexta-feira dia 05 de agosto às 21h.

Com Emilio Orciollo Netto e Paula Cohen. Direção Ernesto Piccolo.

EMÍLIO ORCIOLLO NETTO e PAULA COHEN

em

De Martha Mendonça e Nelito Fernandes

Direção Ernesto Piccolo

Direção de Produção Maria Siman

Agora no Teatro Gazeta

Curta temporada: de 05 a 28 de agosto

Em cartaz desde 2008, essa comédia é sucesso de público e crítica em todas as 20 cidades onde se apresentou, inclusive na primeira temporada paulista.

OS DIFAMANTES reestreia dia 05 de agosto no Teatro Gazeta.

Maurício é advogado e sua mulher, Beatriz, professora de Educação Física. Insatisfeitos com sua rotina, eles querem mudar de vida. Uma noite, Beatriz percebe como se divertem assistindo a programas na televisão. Maurício, então, inventa um talk show no qual receberão convidados em sua cama e farão entrevistas e comentários sobre o que passa na telinha. Para sua surpresa, o projeto que enviam para uma emissora é aprovado. A partir daí, a vida do casal não será mais a mesma. Sempre críticos em relação ao mundo das celebridades, Bia e Mau - como chamam um ao outro na intimidade - se vêem seguindo o modelo dos famosos: dietas, silicone, depilação, modismos, excentricidades. A mudança começa a interferir no dia-a-dia e nos costumes do casal, que começa a se desentender. Enquanto analisam a instituição do casamento e a vida a dois, eles se vêem diante de um dilema: é preciso ser famoso para ser feliz? Ou na verdade virar celebridade vai acabar com seu casamento?

OS DIFAMANTES

Teatro Gazeta (640 lugares)

Avenida Paulista, 900 - Térreo

Informações: 3253.4102

Bilheteria: de terça a quinta e domingo, das 14h às 20h. Sexta e sábado das 14h às 22h.

Aceita cartões de débito e dinheiro. Cartão de crédito somente pelo site ou telefone.

Estacionamento: convênio com MultiPark (Rua São Carlos do Pinhal, 303 - subsolo do teatro. R$ 12. Ou Av. Paulista, 867 (com selo do Teatro) R$ 12

Vendas: www.teatrogazeta.com.br e 4003.1527

Sextas às 21h; Sábados às 20h; Domingos às 18h

Preços populares:
Sexta R$ 20; Sábado R$ 50; Domingo R$ 40

Duração: 80 minutos / Recomendação: 12 anos / Comédia

Reestreia 05 de agosto – sexta às 21h

Temporada: até 28 de agosto

Ficha Técnica:

Texto - Martha Mendonça e Nelito Fernandes

Direção – Ernesto Piccolo

Elenco – Emílio Orciollo Netto e Paula Cohen

Iluminação - Paulo Cesar Medeiros

Cenários - Sergio Marimba

Figurinos - Laura Lima

Direção de Produção - Maria Siman

Gerencia de Projetos - Paula Salles

Produção Executiva - Gabriela Mendonça

Realização - Primeira Página Produções Culturais e Emílio Orciollo Netto

Patrocinio Oi e Banco BMG

Recursos captados através da Lei Rouanet – Ministério da Cultura

Dentro da Noite apresenta dois contos de João do Rio

2011-08-01T15:57:00.000-07:00

Dentro da Noite apresenta dois contos de João do Rio
O ator Marcus Alvisi leva o grotesco e o bizarro para o palco

Dois contos de autoria do jornalista, cronista, contista e teatrólogo João do Rio, são transportados para o palco. A peça fala de situações bizarras, absurdas e que mostram a loucura, a volúpia, o desejo e o horror dos seres humanos. O nome Dentro da Noite é uma alusão ao primeiro texto encenado, que conta o desespero de um homem com a tara de espetar agulhas nas mulheres e com isso sentir prazer: Rodolfo Queiróz encontra um conhecido num trem do subúrbio carioca e relata a sua miséria.
Logo em seguida, Alvisi encena O bebê de tarlatana rosa, episódio em que Heitor de Alencar relata um estranho episódio de carnaval a amigos da elite carioca.
O ator e diretor Marcus Alvisi manteve o texto original, a linguagem rebuscada da obra, com narrativas em off e a presença de vários personagens. Apesar da obra ser datada do início do século passado, o seu conteúdo continua interessante e merece ser conhecido por todos que buscam aprimorar os seus conhecimentos. através do teatro.
É Alvisi o responsável por viver os personagens no palco e a sua interpretação é visceral. Nos dois contos apresentados há um personagem central e os demais servem para dar sentido às histórias.
O artista é o criador do projeto e contou com o apoio de Ney Matogrosso para dar precisão aos gestos, enxugar as cenas e delimitar as emoções dos personagens . A luz ora instigando um clima soturno, ora focalizada no ator, contribui para que o público seja captado pelas histórias. A trilha, o figurino e o cenário, que na verdade é a caixa preta do teatro, com uma cortina vermelha e objetos de cena, também contribuem para a qualidade da montagem.

Dentro da Noite fica em cartaz até 27 de agosto, no Sesc Pinheiros, depois de temporadas no Rio de Janeiro e viagens por várias cidades paulistas e fluminenses.

Para saber mais sobre João do Rio:
http://www.academia.org.br/abl/cgi/cgilua.exe/sys/start.htm?sid=261
http://www.gargantadaserpente.com/coral/contos/jr_noite.shtml

Serviço: SESC Pinheiros
Sextas e sábados, 20h
Rua Paes Leme, 195
Pinheiros
São Paulo - SP
Telefone: 11 3095-9400

Fragmentos do Desejo é poesia através de gestos carregados e emoção e precisão

2011-07-29T20:47:00.000-07:00

Por Nanda Rovere

As várias cenas contam histórias que não são lineares, mas que se ligam por mostrarem pessoas em busca do amor, do afeto, em buscas do próprio eu.
Sem ler a sinopse talvez não seja possível traçar com exatidão o significado das cenas, mas isso não é o essencial; o que importa são as sensações que a montagem nos proporciona.
As movimentações e expressões corporais, bem como a luz, a trilha e a mudança de cenários são de uma sensibilidade ímpar. A beleza plástica e a precisão nos gestos, muitas vezes milimétricos, se aliam para apresentar as tristezas, alegrias, ilusões e momentos de felicidade.
A temporada em São Paulo termina este final de semana, mas a companhia segue para apresentações em Salvador, Fortaleza, Recife, Natal, Florianópolis, Porto Alegre, Santa Maria e depois segue para o exterior, a partir de setembro.
Fragmentos do Desejo leva ao palco artistas experientes e que demonstram um talento especial para trabalhar com o corpo, misturam técnicas do teatro e da dança com maestria.
Artur Ribeiro e André Curti são brasileiros, mas criaram a Dos à deux em Paris, em 1997, e, desde então, viajam pelo mundo levando poesia em forma de teatro e dança.
É gratificante ver artistas brasileiros fazendo sucesso no exterior, mas uma boa notícia é que a companhia pretende abrir uma sede no Rio de Janeiro, na Glória. Boa notícia porque será possível acompanhar mais de perto o trabalho de profissionais competentes e que conseguem cativar o público com montagens que retratam o cotidiano de pessoas comuns e que muitas vezes têm histórias parecidas com a nossa.

Para Saber mais:

http://www.dosadeux.com/spip.php?article443&lang=pt_br

Fragmentos do desejo - Teatro Anchieta

SESC Consolação
De sexta e sábado às 21h, a domingo, às 19h
Telefone: 11 3234-3000 / 11.3234-3000
rua Dr. Vila Nova, 245 Vila Buarque
São Paulo - SP - Brasil
Ingresso: R$ R$ 32,00; R$ R$ 16,00 (usuário matriculado, idosos e estudantes com carteirinha). R$ R$ 8,00 (trabalhador no comércio e serviços matriculado e dependentes, aposentados e estudantes com carteirinha).
Quem quiser assistir é viável verificar se ainda tem ingressos e comprar com antecedência.

Absinto está em cartaz no Espaço dos Parlapatões em São Paulo

2011-07-27T11:54:00.001-07:00

Absinto está em cartaz no Espaço dos Parlapatões em São Paulo
O espetáculo fala da solidão, da amizade e do amor

Uma amizade colorida entre uma atriz e um zelador. Ela está de mudança para o prédio pelo qual ele é responsável.
O interesse mútuo faz com que os personagens se encontrem com frequência e estabelecem uma amizade em que o gosto pela leitura os une. Ela fica encantada pelo moço, porque ele se mostra uma pessoa culta e que tem vontade de crescer profissionalmente.
Ela acabou de se separar; ele é casado e tem uma filha, o que impede que invistam num relacionamento amoroso, mas em vários momentos é nítido que a correria e os compromissos do dia-a-dia os atordoam e que os momentos que eles passam juntos servem para amainar a solidão.
Não há declaração de amor, mas as ações dos personagens levam o público a perceber que há uma paixão contida, uma forte atração.
O texto retrata uma situação à qual qualquer pessoa está suscetível, além de ganhar em emoção nos momentos em que a realidade se confunde com a ficção da peça Um Bonde Chamado Desejo, de Tennessee Williams. Vale ressaltar que Luciana já assinou a autoria do ótimo monólogo Meu Abajur de Injeção (sobre a atriz Cacilda Becker) e a comédia musical As Favoritas do Rádio (coautora).
O cenário é montado com a chegada da atriz à nova moradia, com alguns móveis e objetos brancos. A cor do ambiente é dada pelo desenho de luz, que delimita os momentos em que a peça Um Bonde Chamado Desejo se mistura à história dos personagens de Absinto, além da mudança de tempo e as emoções dos personagens.
Luciana Carnieli é uma atriz experiente, talentosa e versátil, que dá a esse trabalho um humor que deixa a peça mais leve, mas um humor que denota muitas vezes o momento delicado que a sua personagem vive: recém separada, tendo que administrar sozinha a sua vida e carreira e buscando a felicidade no amor.
Sua experiência na dança e no canto contribuem para que tenha uma excelente expressão corporal e vocal no palco e retrate com desenvoltura as inseguranças, desejos e sonhos de sua personagem.
Bruno Perillo, também um ator experiente estabelece com a atriz uma boa química no palco.

Serviço:
Absinto
Direção: Cássio Scapin. Assistência de direção: Ando Camargo
Espaço Parlapatões Pça. Franklin Roosevelt, 158 - República - Centro. Tel: 11 3258-4449.
Quintas e sextas, às 21h
Ingressos: R$ 30 (inteira) e R$ 15 (meia)

Cruel

2011-07-18T15:21:00.000-07:00

Reviews // Artes Cênicas

Artes Cênicas \ por Nanda Rovere \ 12.07.2011

Teatro FAAP

Amor e vingança se misturam no espetáculo Cruel

Até que ponto uma pessoa com o orgulho ferido pode prejudicar os outros?

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Sobre Teatro FAAP
Da editoria de Artes Cênicas

Gustavo (Reynaldo Gianecchini) teve o seu orgulho ferido ao ser traído e deixado pela mulher, Tekla (Maria Manoella), que agora está casada com o pintor Adolfo (Erik Marmo).

Adolfo é uma pessoa insegura, que se deixa manipular por Gustavo (astuto e cínico); Tekla, por sua vez, tem um comportamento considerado excêntrico para a época e é desejada pelos dois homens.

Tekla e Adolfo estão passando um tempo numa ilha. Sem contar a sua verdadeira identidade, Gustavo se torna amigo de Adolfo e, aos poucos, vai tecendo considerações sobre Trekla, diminuindo-a perante o marido e provocando neste desconfianças sobre as atitudes da mulher.

Até que Gustavo propõe a Adolfo um jogo perigoso para testar o caráter de Tekla. O diretor Elias Andreato guiou os atores com maestria nessa trama para que os mesmos mostrassem com competência as nuances de seus personagens.

O cenário é grandioso; a ação é ambientada na residência em que Gustavo e Tekla passaram a lua de mel e esse detalhes esquentam mais ainda o perigoso jogo de sedução, cobranças, e mesmo afetividade.

A trilha de Daniel Maia pontua os momentos de sutil tensão, que vai crescendo até a ocorrência de uma tragédia.

É uma montagem que vale a pena conferir, devido ao texto de Strindberg, à direção sempre sensível de Elias Andreato, ao elenco que consegue um bom desempenho e a toda a equipe, formada por reconhecidos profissionais.

Detalhes

Cruel, de August Strindberg
Direção e Adaptação: Elias Andreato
Até 4 de outubro
Segundas e Terças às 21h
Ingresso: R$ 40
Teatro FAAP
Rua Alagoas, 903, Consolação – São Paulo
Informações: (11) 3662-7233 / 3662-7234

Ivan Feijó por ele mesmo

2011-07-18T15:16:00.000-07:00

O artista se dedica ao Teatro e ao Cinema e conta mais sobre seu trabalho.

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Sobre Ivan Feijó
Da editoria de Artes Cênicas

Ivan Feijó é diretor de Teatro e Cinema, e especialista em História do Teatro.

Com mais de 20 anos no teatro, se dedica ao cinema há oito anos.

Integrou o CPT (Centro de Pesquisa Teatral) dirigido por Antunes Filho e foi assistente de Direção, do diretor Ulysses Cruz. Entre os espetáculos dirigidos estão: O Concílio do Amor (de Oscar Panniza) O Balcão (de Jean Genet), Os Dois Lados da Rua Augusta, A Maçã de Eva, de Dario Fo, Franca Rame e Jacopo Fo, Desconhecidos (de Dioníso Neto), Seios de Walcyr Carrasco e Rancor - Farsa Intelectual, de Otavio Frias Filho, atualmente em cartaz no Espaço Parlapatões, em São Paulo.

Em Madri, Espanha, participou de grupos de estudos cinematográficos e dirigiu seu primeiro curta metragem, Amor de Cura. Mundo Animal é o seu primeiro longa. É fundador e Diretor do Núcleo de Pesquisa Cinematográfica.

Nesta entrevista, o artista fala da sua carreira e da produção de Cinema e Teatro no Brasil.

Fale sobre o seu processo de trabalho.

A minha atividade entre o teatro e cinema está focada no processo de trabalho do ator. Me interessa o instrumental técnico do ator no teatro, que é uma expressão de caráter mítico, simbólico, e a sua expressão no cinema, que é naturalista. O meu processo de pesquisa está voltado no naturalismo no cinema, já que eu não acredito no naturalismo no teatro. O meu filme é simples, radicalmente naturalista. Tudo o que eu amo no cinema eu não gosto no teatro.

Quais os seus trabalhos no cinema?

Dirigi o média metragem Espanca que está no youtube, feito com uma câmera doméstica e resultado de uma longa pesquisa. Em seguida fiz o curta amor de padre, que foi rodado na Espanha e em 2007 dirigi o meu primeiro longa, Mundo Animal, que trata da falência das relações humanas e esse filme está em fase de finalização e será lançado no final deste ano.

Como vê a produção cinematográfica brasileira hoje?

O cinema hoje é diversificado quanto aos temas e eu gosto disso. Tem muitos filmes que falam do nordeste, das favelas...A diversidade temática é positiva.

Como está o teatro e cinema quanto à interpretação?

Há uma radical separação entre o naturalismo usado no cinema, como na novele vague e no cinema novo e o teatro cada vez mais físico, que não imita a realidade, mas trabalha com o sagrado na nossa contemporaneidade., com representantes desse teatro na dança butoh e na criação de artistas, como Pina Bausch, Kanton, Bob Wilson.

O teatro hoje infelizmente é acessório da TV e o teatro está em crise. Ele é socializante, presencial numa época de fragmentação. O teatro exige uma sociabilidade que hoje não está em moda. É uma arte de profunda transgressão. Teatro é acontecimento, experiência viva.

Na sua opinião, o que diferencia o cinema e o teatro quanto a linguagem?

A matéria prima do cinema é o naturalismo. Ele quer ser real, quer que você acredite que o que ele está mostrando é realidade. Já o teatro tem a função de resgatar o caráter mítico do homem e por isso não pode ser naturalista como o cinema. Assim como o teatro ele gera catarse, mas é diferente da prospecção humana que o teatro faz. naturalismo é melhor realizado em outras esferas, como o cinema

Como é produzir hoje nessas áreas?

É mais fácil produzir cinema do que teatro. Por mais que o cinema seja um produto mais caro o entendemos como uma indústria e ele é mais organizado. Estamos num bom momento de produção cinematográfica e o teatro precisa se profissionalizar mais, não trabalhar de graça, por exemplo.

Como mudar esse quadro negativo do teatro e cinema?

O processo é lento, mas tem como mudar isso. As iniciativas de fomento estão na direção de levar o teatro a um número maior de pessoas. mas a questão não é só isso, mas sim a qualidade dos espetáculos . Somos educados pra consumir e ridicularizar tudo que é considerado diferente pela mídia e pela sociedade e isso entra na leitura do que é teatro porque quem disse que para se gostar de algo é preciso entender o seu significado? As pessoas são condicionadas a gostarem de determinadas coisas...

Quais artistas conseguem realizar trabalhos de qualidade e fugir dos problemas que você citou quanto à concepção teatral e cinematográfica?

Zé Celso, Enrique Diaz, Antunes Filho, Mauricio Paroni de Castro porque fazem teatro na sua mais pura essência. O Zé Celso pro exemplo, quando realiza uma peça de quase 8h de duração é maravilhoso porque ele obriga o público a se sociabilizar durante o tempo da apresentação e é criado uma sinergia entre ator e público. No cinema temos bons diretores que realizam trabalhos, como o Sergio Bianchi, Nelson Pereira dos Santos e Hector Babenco.

A arte hoje é democrática?

Sim, mas dentro do ambiente artístico. Muitas peças em São Paulo, de alta qualidade são vistas somente pela classe teatral e pelos amigos. Nos festivais acontece a mesma coisa, geralmente o público é de artistas de teatro ou público cativo de teatro, como o universitário. Neste sentido, o cinema é mais democrático.

Na sua opinião, como deve ser a atuação do poder público com relação ao cinema?

O meu filme foi produzido com pouco dinheiro, com o investimento das microempresas.

Acredito que tem que haver uma ação do Estado porque nada vende melhor num país do que o cinema. O cinema é o cartão de visitas de um país. Ele agrega uma força de identidade nacional e por isso o Estado deve ser atuante. Deve haver leis que obriguem as salas de exibição de reservarem horários para a exibição de cinema brasileiro. Mesmo que esses espaços sejam em horários alternativos. Quanto às leis de incentivo, sou contra as empresas investirem diretamente num produto cultural. O dinheiro deveria ir para um fundo e o poder público ser o responsável pela distribuição dos recursos porque o que acontece é que muitas empresas deixam de patrocinar ou porque ele não tem atores famosos, ou porque o tema não lhes agrada. A lei precisa ser otimizada, pois a prática mostrou que há procedimentos que não operam muito bem, o processo de capacitação pode ser menos burocrático.

Você já levou as suas peças para vários países. Como foi a experiência?

Participei de diversos festivais e sempre fomos bem recebidos, mas eu ainda estou começando...Dilemma, que fiz com a companhia Kris Niklison, por exemplo, viajou mais de 20 países, como Israel, Egito e Turquia. A Maça de Eva nós levamos pra Rússia...Sempre o teatro brasileiro é muito bem recebido lá fora.

Você dirigiu Seios, do Walcyr Carrasco, que é um autor de novelas. Como foi a experiência?

A dramaturgia do Walcyr Carrasco tem um alcance diferente das suas novelas. Não que as suas novelas não sejam de qualidade, mas ele tem um poder de transgressão no teatro que na TV ele não pode ter, e isso foi o que me chamou a atenção.

Você disse que está dirigindo um novo espetáculo...

Estou em fase de ensaios da peça cujo título é Assim que passarem de cinco anos. É um texto surrealista do Federico Garcia Lorca, inédito no Brasil, e nosso foco está na pesquisa corporal e vocal. Estamos em fase de captação pela Lei Rouanet.

No elenco está Marcelo Galdino, Sabrina Orthmann, Marina Patari, Antonio Furtado, que é parceiro no Núcleo de Cinema... são 13 atores ao todo.

Blog do Ivan
http://cafehistoria.ning.com/profile/IvanFeijo

Mozart Apaga a Luz coloca a criança em contato com a música de Wolfgang Amadeus Mozart

2011-06-26T15:04:00.000-07:00

Momentos da vida desse grande nome da música clássica estão no palco

Por Nanda Rovere

Fábula e realidade se misturam no musical escrito por Christine Röhrig e dirigido por Alvise Camozzi. Com cenas inteligentes, dinâmicas e cheias de cor e vibração, as crianças passeiam pela trajetória de um dos maiores gênios da música mundial.
Criativo, irreverente, inquieto e com lapsos de memória - esse é o Mozart vivido por Daniel Maia, que na peça se encanta pela cantora de ópera Musa (Nábia Villela). Mozart está perdido porque não se lembra direito de detalhes preciosos e isso o deixa intrigado.
Ele só ficará em paz quando decifrar um enigma e, para tanto, ele conta com a ajuda de Papageno (Fábio Caniatto), personagem retirado da obra A Flauta Mágica.
A peça tem músicas compostas por Mozart cantadas e tocadas ao vivo. As letras são de Christine Röhrig, que fez intensa pesquisa sobre a obra do artista e contou com a colaboração de Daniel Maia, para a escolha da trilha e a adaptação das músicas.
Momentos da vida de Mozart proporcionam às crianças contato com a música clássica e questões sérias, como a morte, são tratadas sem deixar de lado o lúdico e a alegria.
A manipulação de bonecos salienta o lirismo da peça e é impossível não se encantar com as canções e com a atuação dos atores-cantores. Outro momento que merece destaque é o encontro de Mozart com os seus pais.
O cenário e o figurino, além de muito bonitos, contribuem para que a magia do teatro e da música prendam a atenção do espectador e, certamente, os adultos também gostarão de Mozart Apaga a Luz, viajando por um mundo em que a imaginação e a beleza não têm limites. Falar mais sobre a peça é tirar do público a oportunidade de descobrir quem é Mozart e o motivo pelo qual ele está esquecendo fatos importantes de sua vida... Não é um texto simples, mas a todo momento a criança é estimulada por belas imagens e por um texto que valoriza a sua capacidade de reflexão.
Produções infantis que proporcionam à criança diversão e a oportunidade de aprender através da arte merecem atenção. Mozart Apaga a Luz é uma montagem que não subestima a inteligência da criança e que foi realizada por uma equipe que busca sempre a qualidade no que faz.

Dica de estreias

2011-06-18T08:36:00.000-07:00

MOZART APAGA A LUZ
A obra e a vida do compositor austríaco Wolfgang Amadeus Mozart são retratadas na peça escrita pela dramaturga Christine Röhrig (autora e tradutora de publicações infanto-juvenis) e encenada pelo diretor Alvise Camozzi.

Com dados biográficos e outros frutos da imaginação da autora, a peça reúne 20 composições de Mozart.

Estreia dia 18 de junho no . Até 31 de julho.Temporada: sábados, às 16h e domingos, às 15h.

Elenco: Daniel Maia, Nábia Vilela e Fábio Caniotto.

Figurino: Gabriel Villela. Cenário: Marcio Vinícius. Desenho de luz: Marisa Bentivegna.

Teatro Vivo

Av. Dr. Chucri Zaidan, 860. Tel.: (011) 7420-1520

http://www.vivo.com.br/espacoculturalvivo/ecv.html

CRUEL

CRUEL é uma mistura de drama e suspense. Entre outras, as características dos personagens mesclam ingenuidade, manipulação, egocentrismo e soberba. A história traz relações de amor e amizade, ódio e paixão, volúpia e desconfiança, entre outros sentimentos inerentes à natureza humana.

Com direção de Elias Andreato, que também traduziu e adaptou o texto Creditors (“Os Credores”), de August Strindberg, Cruel reúne no palco os atores Reynaldo Gianecchini, Maria Manoella e Erik Marmo.

Cenário e Figurino: FÁBIO NAMATAME

Iluminação: WAGNER FREIRE

Trilha Sonora Composta: DANIEL MAIA

Teatro FAAP (506 lugares)

Rua Alagoas, 903 – Higienópolis.

Informações e Vendas: 3662.7233 e 3662.7234.

Segundas e Terças, às 21h.

Ingressos: R$ 40

Estreia 27 de junho.

Temporada: até 04 de outubro.

2011-06-06T11:07:00.001-07:00

Revista cultural

2011-06-06T11:01:00.001-07:00

Revi Édipo: Mais maravilhoso ainda...

2011-05-24T20:09:00.000-07:00

Divulgação

Estava na livraria cultura e acabei indo rever Édipo. Amei estar na estreia e pretendia rever mais no final da temporada....mas ganhei a noite hoje...a peça que já era ótima, está magnífica
Que elenco, que direção, que equipe!
Bom, o texto...adoro tragédia grega....Elias, na sua adaptação manteve o vigor do texto e conseguiu realizar a encenação em 70 minutos sem perder, em nenhum momento, a exxência da obra
Cada fala, cada gesto, cada movimento dos atores no palco é extasiante, vigoroso, esplendoroso...
A luz, a trilha, a movimentação, a atuação dos atores, a direção precisa do Elias faz com a viva com Édipo todo o seu terror. Quanto mais ele tem certeza que a profecia fora cumprida, mais ficamos tensos, meio que paralisados na cadeira...o pública assiste a tudo no ¨maior silêncio¨ e isso é ótimo porque qualquer burburinho atrapalharia a nossa sintonia com a encenação.não dá para perder nenhuma fala, nem intenção...
Ainda não foi ver?
Guarde uma terça 21h00 para ir ao Eva Hertz! Não perca!
Abaixo meu texto sobre a peça, para quem não leu...lá também tem o serviço.

http://www.opperaa.com/926-dipo-a-forca-da-palavra-e-da-interpretaco.html

bjsss

ah
dica:
Elias Andreato transporta para o palco do Teatro Eva Herz Édipo com toda sua essência que versa sobre a cegueira do homem e a grandeza humana. A desesperada insegurança da condição humana: de certo modo, todo homem deve tatear
http://youtu.be/t86tWH-mf5w
http://youtu.be/3ukFrYqtrzg
http://youtu.be/t86tWH-mf5w

Vinícius Piedade e Amazyles de Almeida, dois artistas que merecem atenção para com os trabalhos que realizam

2011-05-17T12:06:00.000-07:00

Comemorando 3 anos na estrada
com mais de 100 apresentações nas
a peça CÁRCERE aporta em sampa por 2 finais de semana de maio.
5 regiões do país e na Europa (100 patrocínio algum),
Sinopse: Cárcere apresenta uma semana na vida de um pianista que estando no cárcere (PRIVADO DA LIBERDADE E DE SEU PIANO) será refém numa rebelião iminente. Ele vive em ritmo de contagem regressiva e suas expectativas, impressões, lembranças, reflexões e sensações são expressadas por ele num diário que inicia numa segunda-feira e termina quando estoura a rebelião, um domingo.
Dias 14, 15, 21 e 22/05.
Sábados às 21h e domingos às 20h.
Será no Núcleo Bartolomeu de Depoimentos- Rua Dr. Augusto de Miranda, 786- Pompéia.
Ingressos: R$30,00 (inteira) e R$15,00 (meia ou antecipado).
Reservas ou vendas antecipadas: vinipiedade@uol.com.br ou (11) 8117-7861
Detalhes no site http://www.viniciuspiedade.com.br/

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Texto inédito no Brasil, do premiado autor americano Tony Kushner, ganha direção de Zé Henrique de Paula
Quando a história de Casa / Cabul veio a público, em dezembro de 2001, a sincronicidade dos eventos retratados na peça com os então recentes acontecimentos que assombravam o mundo – o ataque às Torres Gêmeas, a posição do Talibã e a invasão norteamericana no Afeganistão – foram quase que prenunciados pelo autor. Tony Kushner, o ganhador do Prêmio Pulitzer por Angels in America, trabalhava no texto havia quatro anos. Casa / Cabul foi concluída antes dos ataques.

Aqui no Brasil, o espetáculo será encenado pelo Núcleo Experimental, com tradução, adaptação e direção de Zé Henrique de Paula, a partir de 7 de maio, sábado, às 21 horas, no Teatro do SESC Santana. Com direção musical de Fernanda Maia, cenário e figurino do próprio diretor e preparação de atores de Inês Aranha, a peça tem interpretação de 10 atores.

No palco, Chris Couto vive a personagem principal (Dona de Casa), acompanhada por Sergio Mastropasqua (Milton Ceiling), Kelly Klein (Priscilla Ceiling), Herbert Bianchi (Quango Twistleton), Amazyles de Almeida (Mahala), Eric Lenate (Khwaja), Alexandre Meirelles (Mulá Durrani), Thiago Ledier (Zai Garshi), Beto Amorim (Dr. Qari Shah) e Thiago Vieira (Munkrat).

Teatro do SESC Santana. Av. Luís Dumont Villares, 579 – Santana cep 02085-100 – São Paulo – SP.
Telefone: (11) 2971-8700.
Classificação: 14 anos. R$ 5 a R$ 20.
De 07/05 a 12/06. Sexta e sábado, às 21h. Domingo, às 18h.
Duração – 150 minutos com intervalo.
bjss

Eles Não Usam Black Tie

2011-05-16T11:04:00.000-07:00

A mais nova montagem de Eles Não Usam Black Tie, com direção de Dan Rosseto, vem para provas a genialidade e atemporalidade dessa obra de Gianfrancesco Guarnieri.
Trata de reflexões sobre a ética e o respeito às ideologias e como manter os princípios diante do medo decontinuar pobre e não poder dar a sua futura mulher e filho uma vida digna, fora da favela e com um mínimo de conforto.
Tião, é operário de uma fábrica e colega de trabalho de seu pai, Otávio. Fura a grave da qual o seu pai é um dos líderes e ganha o desprezo da sua comunidade. Mas não se arrepende porque não crê que a greve seja a melhor maneira de resolver o problema da classe trabalhadora.
O embate com seu pai, revolucinário e líder de várias greves na fábrica, é o conflito que sustenta a trama e a torna de rara qualidade dramática.
Outro mérito da peça é mostrar o cotidiano na favela, abordagem teatral incomum na época que ela foi escrita, 1958.
Os personagens ressaltam as dificuldades, sobretudo econômica, de sobrevivência, mas também ressaltam a alegria e o esforço da comunidade para superar as barreiras.
Romana é o ponto de apoio da família. Dedicada aos maridos e os filhos, tem um temperamento forte e muitas vezes seco, desesperançoso, resultado de muitos problemas e dificuldades que a vida lhe proporciona. Mas ama a sua família e procura mantê-la unida.
Maria é a noiva de Tião, que descobre que está grávida. Mesmo sabendo que o noivo furou a greve pensando no seu bem estar, reprova a sua atitude.
Chiquinho, o filho mais novo, e sua namorada Teresa estão descobrindo o mundo em sua volta e por isso são felizes, conseguem levar a vida de forma amena. Os amigos e vizinhos Dalva e Jesuíno também levam a vida sem muitas preocupações. Jesuíno, por sua vez, também é operário e fura a greve por ter um caráter duvidoso, está entre levar uma vida correta e realizar ações ilícitas. João, irmão de Maria não concorda com a atitude de Tião, mas lhe dá apoio em nome da amizade. Em alguns momentos o também operário Bráulio aparece em cena e não abre mão de suas convicções, assim como Otávio não apóia Tião.
O final não é feliz. Expulso de casa pelo pai e contando com o desprezo da comunidade, Tião vai tentar a vida na cidade e leva consigo o sonho de melhorar de vida...o sonho da cidade como um lugar de futuro promissor.
Guarnieri colocou em cena o retrato de uma parcela da sociedade sofrida e soube enxergar com precisão os sonhos, convicções e angústias
das pessoas que lutam a cada minuto por uma vida melhor, cada um á sua maneira. Não há julgamentos de caráter, cada um age da maneira que considera mais correta para resolver os conflitos. Seres humanos que errando ou acertando só querem uma coisa: uma vida melhor.
Nessa obra Guarnieri já demostra as suas preocupações políticas e sociais, que vai ter o seu ápice no teatro de arena e na época da Ditadura.
Um artista antenado com a nossa realidade e que transforma em arte
O cenário representa a sala da casa dos protagonistas e, sustentado por uma parede de madeira nos remete à favela. O figurino também evidencia a vida simples dos personagens.
Uma mesa, cadeiras e uma cômoda completam a ambientação.
Para pontuar as mudanças de cena, os atores modificam a disposição da mesa e das cadeiras. A trilha e a luz servem para dar pontuar essas mudanças, além da função de contribuir para dar o clima emotivo dos diálogos.
Como toda estreia alguns detalhes precisam de acerto, como sincronia da música e da luz com as cenas. Em alguns momentos Flávio Dias precisa postar mais a voz, mas ele faz com vigor o idealista Otávio. Greta Antoine, por sua vez, precisa se expressar num tom mais baixo. Isso no entanto, não tira a qualidade do elenco, que está em harmonia e consegue interpretar com competência os personagens. A maioria desses atores já esteve nono palco ao lado de Guarnieri e deram ao texto um brilho especial.

Black Tie em 58
A peça lança Gianfrancesco Guarnieri como autor. A direção foi assinada por José Renato com músicas de Adoniran Barbosa.
O título foi dado por Zé, numa alusão ao TBC.
A estreia foi no Teatro de Arena, hoje Teatro Eugênio Kusnet. A estreia foi no dia 22 de fevereiro de 1958.
Os atores dessa primeira montagem foram Lélia Abramo (Romana), Eugênio Kusnet (Otávio), Gianfrancesco Guarnieri (Tião), Riva Nimitz (Dalva), Miriam Mehler(Maria) , Celeste Lima (Terezinha) , Francisco de Assis (Jesuíno) , Milton Gonçalves (Bráulio) , Henrique César(João) e Flávio Migliaccio.
Foi sucesso de bilheteria e o grupo, que estava à beira da falência conseguiu se reerguer. Ficou mais de um ano em cartaz em São Paulo, fato inédito no teatro brasileiro. Depois viaja para o interior de São Paulo e Rio de Janeiro.

O QUE DIZ FLAVIO GUARNIERI (O FILHO DE GIANFRANCESCO):

“Uma grande emoção! Fui gerado durante a primeira montagem de Eles não usam Black-tie... Nasci durante a montagem de Gimba! Nem preciso dizer o quão importante é para mim, 51 anos depois fazer o Tião (personagem interpretado por meu pai em 58 no teatro de Arena) nessa nova montagem com direção e adaptação de meu querido e talentoso amigo Dan Rosseto. Já havia feito o Chiquinho no cinema, hoje o Tião e quem sabe um dia, farei o Otávio. Eles não usam Black-tie, não é para mim só uma grande peça, mas também uma linda e singela homenagem que eu faço para um grande homem, um grande ator, um grande dramaturgo e principalmente, um grande amigo e tremendo PAI”.

FICHA TÉCNICA

Autor

Gianfrancesco Guarnieri

Direção e Adaptação

Dan Rosseto

Elenco

Flávio Guarnieri - Tião

Sônia Loureiro - Romana

Flávio Dias - Otávio

Lia Antunes - Maria

Greta Antoine - Terezinha

Rodrigo Duarte - Chiquinho

Paulo Gabriel - Jesuíno

Leila Bass – Dalva

Vagner Valério - João

André Luis / Osvâneo Ferreira - Bráulio

Figurino

Karen Albuquerque

Trilha Sonora

Dan Rosseto

Sonoplasta

Rodrigo Carrara

SERVIÇO:

Eles não Usam Black Tie
Gênero Drama

Teatro do Mube: Avenida Europa, 218 (Entrada pela Rua Alemanha 221) Jardim Europa

Até 03 de julho (exceto 28 de maio que não haverá espetáculo). Sábados às 21h e Domingos às 20h. Ingresso Inteira: Sábados R$ 50,00 e Domingos R$ 40,00 . Tel: 11 3129-7077Começa rigorosamente no horário / Não será permitida a entrada após o início / A bilheteria abre 1 h antes do espetáculo.

Gero Camilo, ator, autor, poeta

2011-05-16T10:50:00.000-07:00

Divulgação

A Casa Amarela é pura poesia
Por Nanda Rovere

Também no Eva Herz está em cartaz A Casa Amarela, com texto e atuação de Gero Camilo, direção de Márcia Abujamra.

A sensibilidade também faz parte desse artista que faz do teatro um espaço para a poesia e a plasticidade cênica, regida por Márcia Abujamra.

Neste espetáculo, Gero interpreta o pintor Van Gogh e dá a esse gênio da nossa pintura uma humanidade incrível. Apresenta com maestria o misto de sensatez, loucura e genialidade presente no cotidiano de Van Gogh.

O artista sonhava com uma comunidade de criação, um ponto de encontro entre artistas com vontade de exercer a sua profissão com dedicação. A peça ambienta o público na Casa Amarela, na cidade de Arles, com molduras nas paredes que nos remetem à criação do pintor.

Mas o seu sonho não se realizou. Somente o amigo Paul (também interpretado por Camilo) residiu no local, travando com Gogh grandes discussões, além, claro, de muita produção artística.

Através da poesia de Gero conhecemos o pensamento e os desvarios de Gogh, que nada mais é do que a tradução do impasse que todo grande artista vive no seu processo de criação....mas Gogh foi mais longe - num ápice de loucura cortou a própria orelha...Abandonado por Gauguin e sem conseguir tornar A Casa Amarela um centro de produção, Gogh perde a paixão pela vida e questiona a existência humana.

A atuação de Gero é excelente. A cada frase, gesto e expressão corporal, além de alguns momentos em que canta, o ator transmite com maestria a personalidade conflitante e ao mesmo tempo apaixonante de Gogh.

Casa Amarela
Texto e interpretação: Gero Camilo; direção: Marcia Abujamra; cenário: Karina Ades; figurinos: Paula Cohen; iluminação: Karine Spuri; preparação corporal: Cristiano Karnas; trilha sonora: Eugenio La Salvia e Rubi; fotos: Cisco Vasques; produção executiva: Diego Chilio

Serviço:
Teatro Eva Herz (166 lugares)

Avenida Paulista, 2.073 – Livraria Cultura / Conjunto Nacional. Informações: (11) 3170-4059. A partir do dia 18/05 até 23/06, às quartas e quintas – 21h00.
Publicado em www.opperaa.com

O professor Douglas Gregório é autor do artigo Uma história recente das salas de cinema de São Paulo

2011-05-13T11:50:00.000-07:00

Na sua opinião, Como está a produção de cinema nacional hoje?

Pois bem, o cinema nacional, via Globo, ressurgiu das cinzas. Sou amigo próximo de Jeferson De, um dos principais diretores da atualidade, fomos amigos de faculdade, atuamos em produção cultural juntos e acompanhei sua trajetória desde o momento em que ele decidiu que ia fazer cinema há mais de 20 anos, e vejo na linha de trabalho dele (que se alinha com a linha de vários outros diretores em voga) um grande mote para o cinema nacional – o retrato do Brasil atual, onde o contraste entre potência emergente e os problemas sociais são gritantes. Central do Brasil, Carandiru, Cidade de Deus caminham por aí; o problema que eu enxergo é o de uma certa fixação nesta denúncia das contradições sociais, mas vejo pouca expressão noutro lado do Brasil atual, que é o da mobilidade e mudança nos padrões de vida e consumo tanto da classe média como das classes populares; Avassaladoras foi um trabalho que retratou esta situação descrita e seria interessante se surgisse mais coisas por aí; de certo que “Se eu Fosse Você”, via comédia bem expôs o retrato da classe média alta brasileira.

O cinema pode e deve denunciar as contradições sociais, mas também pode e deve ser vitrine de promoção de um país emergente, e este último viés está deixando a desejar na produção nacional.

Chegou a freqüentar salas do centro de São Paulo? Quais?

Ora pois, frequentei várias. Por exemplo, no Marabá tive o prazer de assistir duas grandes obras “Cult” das últimas décadas, Star Wars (Uma Nova Esperança) e ET; no famoso Cinespacial, pioneiro e único em São Paulo na técnica que deu nome à sala, de platéia circular e 3 (ou eram 4?) telas, vi O Nome da Rosa. No Ipiranga assisti Pink Floyd The Wall. Fui freqüentador assíduo do cluster da av. Celso Garcia, especialmente salas como o Universo, Fontana I e II e Bruni (depois Brás). No Olido vi A Missão, no Marrocos Mad Max; foram tantos filmes e tantas salas que é impossível lembrar de todas.

Neste sentido, salas pode destacar e a importância das mesmas na história de São Paulo e do nosso cinema?

Acredito que meu artigo responde bem a esta pergunta, aliás, ela em si é a essência do artigo. Ali você pode coletar várias impressões minhas a este respeito.

O que pensa sobre o processo de revitalização do centro....o tombamento trará benefícios aos cinemas?

A revitalização do centro é um sonho acalentado desde os tempos do governo de Luiza Erundina, que investiu pesado neste projeto com a reurbanização radical do vale do Anhangabaú, mas mesmo com este projeto faraônico a revitalização propriamente dita acabou não acontecendo. Participei na época de projetos desenvolvidos pela secretaria da cultura (mas não na região central) e, com esta experiência, posso afirmar com toda segurança que a revitalização ainda é mais um sonho que uma possibilidade concreta; trata-se de um grande abacaxi que há mais de 20 anos nenhum governo consegue descascar, apesar das várias iniciativas. Neste sentido, falar em revitalização de cinemas do centro é o mesmo que falar da fluência em língua inglesa com as quais nossas crianças saem do ensino fundamental ns escolas públicas.

Como vê as salas de cinema hoje, quanto á qualidade técnica e de programação?

O padrão Cinemark (Multiplex) impôs-se como padrão para as salas de cinema da atualidade, no Brasil. Isto significa uma elevação consistente da oferta de benefícios técnicos aos espectadores, bem como significa a possibilidade concreta de acesso mais fácil ao filme em cartaz que melhor lhe interessa; antigamente as salas, ao exibir um único filme principal forçava muitas vezes o espectador a se deslocar entre localidades distantes para ter acesso ao filme que lhe despertava o interesse; hoje, onde ocorre o estabelecimento de um complexo multiplex, dificilmente você precisará se deslocar para longe para assistir o filme que lhe atraiu, todas as opções dos principais lançamentos estarão ali, numa única localidade, e os shoppings estão em ritmo acelerado cada vez mais oferecendo complexos multiplex às suas comunidades. O advento do cinema digital e a freqüência cada vez maior do 3D é outro aspecto muito positivo a ser ressaltado.

link para o artigo Uma história recente das salas de cinema de São Paulo: http://oescaravelho.blogspot.com/2008/03/sesso-da-tarde-e-histria-do-cinema.html

Pesquisadora e urbanista Paula Santoro fala sobre cinema

2011-05-13T11:47:00.001-07:00

A pesquisadora e urbanista Paula Santoro fala sobre o cinema o acesso do cinema pela população e a relação do cinema com a construção do espaço urbano

Na sua opinião, Como está a produção de cinema nacional hoje?

Veja, o enfoque que dou em meu trabalho é na exibição. Sou urbanista e estou preocupada com o acesso ao cinema pela população, em especial, na relação que este equipamento teve com a construção da ideia de urbanidade cosmopolita que até hoje está presente na cidade de São Paulo. Procuro mostrar, no meu trabalho, que houve uma concepção de planejamento urbano que via no edifício do cinema uma presença importante e para implementá-los ao longo das novas avenidas abertas, havia incentivos. É o caso da Av. Ipiranga e da Av. São Luís, além de obras na Av. São João, como parte do Perímetro de Irradiação do Plano de Avenidas do Eng. Prestes Maia, prefeito entre 1938-1945.

Mesmo com este enfoque na exibição, eu acompanho a discussão da saída da participação direta do Estado, fim da Embrafilme e do Concine, causando uma estagnação na produção nas décadas de 80 e 90; e depois o período conhecido como "retomada" do cinema brasileiro. E acho que há reflexos na forma de exibição que tem que ser considerados. Tínhamos muitas mais salas exibidoras e produção nacional quando o Estado era um ator mais presente e perdê-lo totalmente para o livre mercado pode acarretar em um direcionamento do formato dos filmes para filmes "vendáveis", geralmente associados aos cinemas de shoppings. Esta alteração colabora para o fim das salas de ruas que ainda resistem, para o fim das salas que exibem cinema de arte, alternativo, cults, pornôs, enfim, toda a diversidade que nos caracteriza. Isso seria uma perda considerável. Ou seja: É PRECISO TER UMA POLÍTICA DE CULTURA! E esta é diferente da que está aí.

Chegou a freqüentar salas do centro de São Paulo? Quais?

Não, eu não cheguei a frequentar a Cinelândia Paulistana, na forma que ela ganhou nas décadas de 1950 e 1960: espaço privilegiado de atividades associadas ao lazer-cultural, das quais o cinema é o mais importante elemento. Naquele momento, a Cinelândia era concentradora das maiores salas, salas onde os filmes eram lançados, que traziam inovações como o 3D, os diferentes tamanhos de telas.

Minha vida como expectadora iniciou-se posteriormente e sou da região de Santo Amaro, Zona Sul de São Paulo (onde o "centro" mais próximo é o Largo 13!), então meus cinemas eram o Lumiére (R. Joaquim Floriano), o Chaplin (Av. Santo Amaro) e os cinemas de shoppings mais próximos de casa, como o Morumbi, o Ibirapuera. De uma certa forma sou um reflexo do fim das salas de bairro pois vi os cinemas de rua nos bairros fecharem, Chaplin fechar, o Lumiére perder fôlego, e ir ao cinema do shopping me restava como única opção próxima de casa. Vi o fim da vidas nas ruas.

Neste sentido, salas pode destacar e a importância das mesmas na história de São Paulo e do nosso cinema?

Acho que a Cinelândia Paulista foi parte da construção de uma imagem cosmopolita que hoje se tem de São Paulo e, principalmente, simboliza um momento onde havia uma articulação entre planejamento urbano e arquitetura, planejamento urbano e programa dos edifícios, que há muito perdemos. Agora, quem dita o que se constrói é o mercado e o Estado "corre atrás" dos espaços que restam para fazer os equipamentos que precisa, e ainda paga caro por isso.

Para o nosso cinema, a Cinelândia foi um ápice de viver o cinema cotidianamente. Surgiu em um momento onde se queria diferenciar as salas: do centro, lançadoras e inovadoras, para um público mais de elite, enquanto que o bairro tinha salas que atendiam ao público do entorno mais próximo. O cinema era para todos e era para uns. Havia cinemas por toda a cidade. Agora, encontrar um cinema no bairro é mais difícil.

Recentemente vivi a experiência de morar em Barcelona, perto de uma sala de cinema boa. Tinha a opção de atravessar a quadra e ir ao cinema, pagando 2 euros (aprox. 6 reais) durante a semana. Certamente, se esta proximidade existisse nos bairros aqui em São Paulo, talvez assistíssemos menos TV, talvez encontrássemos mais os amigos, talvez perdêssemos o medo do espaço público, talvez conhecessemos filmes que não nos programamos para ver, a vida traria surpresas agradáveis...

O que pensa sobre o processo de revitalização do centro....o tombamento trará benefícios aos cinemas?

Não sou a favor do tombamento das salas dos cinemas, pois este instrumento tem outros objetivos e, também, os cinemas que "tombamos" em São Paulo, estão na sua maioria fechados ou possuem outros usos (entre os tombados estão o Cine Art Palácio, Cine Dom José, Ipiranga, Marabá, Marrocos, Metrópolis e Paissandu).

Mas acho que temos que ter uma política de cultura que permita e que estimule que o cinema alternativo, de arte, o pornô, etc., tenham outras salas para ser exibido. Se deixarmos o livre mercado ditar as regras, a tendência é termos que fazer blockbusters para existir no mundo do cinema. Isso significa uma política que pense todas as etapas de um filme - produção, distribuição, exibição - e inclua o território neste planejamento.

Acho que um bom plano diretor para o território tem um papel importante neste processo. Fico sempre com um exemplo na cabeça que é o dos franceses que estabeleceram que dentro da área central de Paris (marcada pelo anel viário) os grandes supermercados não podem ser implantados. Esta foi uma política que gostaria que os pequenos sobrevivessem. Precisamos de políticas mais austeras em relação à expansão dos shoppings, e consequentemente dos cinemas em shoppings, e esta política passa por restrições e estímulos à ocupação do território. Temos que resgatar o espaço da rua como espaço de encontro, espaço da vida cotidiana. Boas políticas de transporte são também fundamentais para que o acesso ao lazer e a cultura seja possível e esteja garantido.

Qual a relação entre os cinemas e a urbanização de São Paulo?

Cinema e urbanização tem tudo a ver. Procuro mostrar, como já falei, que é possível compreender a urbanização de São Paulo a partir do estudo das salas de cinemas e da sua relação com a produção e a vivência do espaço urbano em São Paulo. No meu trabalho, abordo o papel que os equipamentos na construção da ideia de que "somos cosmopolitas" e no processo de nos diferenciarmos do provincianismo.

Mas mais que um atributo de urbanidade, o cinema diferenciou a sociedade que ocupou a cidade, os espaços dentro da cidade, esteve articulado com a ação do planejamento urbano. Nos anos 40 e 50, o edifício da sala do cinema não estava voltado para si mesmo, mas sim articulado com o urbano, por isso, dentre outros, as salas da Cinelândia são tombadas pelo patrimônio histórico. Eram projetados por bons arquitetos, eram objeto de design e inovação construtiva, acústica.

Como vê as salas de cinema hoje, quanto á qualidade técnica e de programação?

Em termos de qualidade técnica nossas salas foram palco de avanços - cinema digital, som, entre outros. Também perdemos um pouco da poesia: tem um cinema no Centro de Recife que abre suas janelas para uma ventilação natural e para vermos a lua enquanto se assiste a um filme, arquitetura impensada quando se quer os melhores efeitos sonoros.

Júlio Simões é jornalista e pesquisador

2011-05-13T11:40:00.000-07:00

Júlio Simões é jornalista e pesquisador

Fez o seu TCC sobre o cine Marabá, trabalho que se transformou no livro: Cine Marabá – O cinema do coração de São Paulo

-Nanda Rovere - Como surgiu a ideia do trabalho sobre o Marabá?

JS - Surgiu quando eu, no último ano de faculdade, reparei através de um roteiro de cinema no jornal, que a região central da cidade já não tinha tantas salas de cinema quanto antigamente - e justamente um lugar que ficou conhecido como Cinelândia! Passado isto, comentei com uma colega sobre a possibilidade de uma pauta sobre isso, mas ela me disse que renderia até mesmo um livro sobre isso, já que estávamos naquela época em que quase qualquer ideia é tema para TCC. Acontece que eu gostei da ideia e, embora tenha tido uns contratempos de grupo e até tentativas de outros temas, acabei voltando meu olhar para isso e fiz. Foi um ano inteiro pesquisando a história do cinema, procurando personagens com relação afetiva e histórias com a sala e ainda acompanhando as obras. Foi bem legal.

-NR - Qual a importância do Marabá para a história do cinema em São Paulo

JS - O Marabá, desde que foi inaugurado, em 1945, era um dos principais locais de exibição da cidade de São Paulo. Primeiro porque ficava no centro da região central, super bem localizado. Segundo porque era justamente na frente do Ipiranga, outro cinema bastante relevante para a história da cidade, fundado dois anos antes do Marabá. Aquele eixo da Ipiranga, próximo à famosa esquina com a São João, era ponto de encontro de muita gente, fervia bastante em uma época em que o Centro não era como há pouco tempo atrás, tão degradado. As pessoas circulavam muito por ali, então o cinema era relevante por isso.

- NR - Qual a sua opinião sobre a reforma e a transformação em ¨multiplex¨ .Hoje essa sala têm uma boa freqüência de público?

JS - Minha opinião sobre isso é bem clara: a restauração de um cinema como o Marabá não tem como ser ruim. Mesmo que a sala original tenha sido desmontada, transformando-se em cinco, o fato de o cinema estar funcionando e com algum público demonstra que a reforma e a restauração foram um sucesso. Não tenho números para provar se o novo cinema tem sido vantajoso para a Playarte, isso só com eles, mas tenho a impressão que, se não está dando lucro, pelo menos não está dando prejuízo. Leva-se tempo para consolidar uma sala de cinema como referência, ainda mais em um lugar onde as pessoas não estavam acostumadas a ir até pouco tempo atrás.

- NR - O tombamento trouxe algum benefício para o cine ?

JS - O tombamento foi tão importante quanto a própria reforma do cinema. Se não fosse isso, tenho certeza absoluta que a Playarte teria destruído tudo e reconstruído à sua maneira. Tanto que a empresa que administra o cinema restaurou apenas aquilo que lhe foi obrigado no projeto de tombamento, nem mais, nem menos. Mantiveram a boca de cena da antiga sala e a fachada. O resto é tudo novo, moderno, multiplex e, consequentemente, igual a todos os shoppins da cidade de São Paulo. Portanto, não fosse o tombamento, perderíamos um prédio histórico e bonito por completo.

- NR - O que pensa sobre o processo de revitalização do centro? Ele pode trazer benefícios concretos para os cinemas?

JS - Revitalizar o centro de uma cidade, em qualquer lugar do mundo, é importante. Geralmente, os centros contém história e prédios de arquitetura relevante, e isso já seria motivo suficiente para preservá-los. No caso de São Paulo, é ainda mais importante. Hoje, o Centro carrega uma imagem péssima, as pessoas têm medo, embora muito tenha sido feito para reverter isso. No caso dos cinemas, os benefícios podem ser muitos, principalmente na reabertura de algumas salas tão históricas como o Marabá, caso do Marrocos, por exemplo, que mantém sua estrutura intacta, mas não reabre por falta de interessados em investir.

-NR - O que pensa sobre o projeto da Virada de incluir cinemas, que hoje apresentam filmes pornográficos, como o Windsor e o Dom José na grade de programação?

JS - Se não me engano, o Windsor e o Dom José já não exibem mais pornôs regularmente. Está no plano da Prefeitura reabri-los como salas regulares, mas acho que não tem sido um processo rápido, até por falta de dinheiro e de uma exibidora forte por trás - caso do Marabá, que tem a sorte de ter a Playarte por perto. Mesmo assim, é sempre gratificante ver cinemas como estes dois sobrevivendo, ao menos por uma madrugada, como antigamente. Confesso que não os visitei em nenhuma das duas Viradas que estiveram abertos, fiquei devendo, mas ainda assim me deixa muito feliz saber que tem alguém interessado em resgatá-los.

NR - A 35°Mostra Internacional de Cinema em São Paulo terá Festival Online. Levar filmes para a internet é uma maneira para democratizar o acesso ao cinema?
JS - Para mim, a distribuição de filmes pela internet, assim como sua exibição em streaming, é algo irreversível. Todo mundo baixa filmes e isso não vai diminuir, nem acabar. E nem vai matar o cinema, o ato de ver filmes em tela grande sempre foi um programa, como ir ao teatro. Ou seja, uma coisa não anula a outra.

NR - Essa iniciativa pode diminuir a frequencia das pessoas nas salas de exibição?
JS - É claro que o cinema vai ter que se mexer para não perder o público, mas a tecnologia está aí pra isso. É questão de evolução. As coisas tendem a coexistir. Afinal, não foi assim com o rádio, tvs e jornais qdo surgiu a internet?

Leo Lama

2011-05-10T11:42:00.000-07:00

terça-feira, dia 10 de maio, às 20h no Auditório da Folha de São Paulo, haverá a Leitura Dramática da nova peça: UM ESPETÁCULO SEM PATROCÍNIO. Texto e direção de Leo Lama, com Maira Chasseraux e Paula Liberatti. O Auditório fica na Al. Barão de Limeira, 425, nono andar.

Memória da Cana no CCBB RJ

2011-04-17T15:47:00.000-07:00

quem estiver no rio não pode perder! newton une com maestria nelson rodrigues, Gilberto Freyre e retrata com competência o espírito retrógrado de uma sociedade arcaica e hipócrita! e o elenco...quem já viu os fofos sabe que eles são maravilhosos!

Espetáculo teatral transporta Álbum de Família, de Nelson Rodrigues para o sertão nordestino.

Por Nanda Rovere
Historiadora e estudante de jornalismo

Memória da Cana, montagem encenada pelo grupo Os fofos, é inspirada nas memórias dos atores e no universo de Gilberto Freyre. Essa mistura teve como resultado uma peça forte, recheada de conflitos e tragédias.
Os atores têm ascendência nordestina, exceto Kátia Daher. Essa opção na escalação do elenco salientou as referências às tradições nordestinas que Moreno
A transposição da obra Nelson Rodrigues para o nordeste demonstra a universalidade deste clássico da dramaturgia brasileira. A história não perdeu a sua essência e nos remete aos sertões do Brasil que ainda vivem sob os desmandos oligárquicos.
A direção de Newton Moreno é precisa e as cenas são impactantes, sobretudo nos momentos em que são colocados em questão os atos reprováveis do patriarca dominador.
A montagem foi cuidada nos mínimos detalhes. Cenário, objetos de cena, figurino, trilha e iluminação delineiam o universo de uma família em que amor e ódio se misturam. Incesto, amores enrustidos, loucura e preconceito permeiam o cotidiano caracterizado pela desunião e excessivo rancor..
O espaço para as apresentações foi dividido em diversos espaços com cortinas (os quartos dos membros da família). Uma mesa enorme ambienta o público na sala de uma propriedade rural, na qual a maioria dos embates familiares acontecem.
O figurino ressalta o espírito arcaico em que as tragédias da família ocorrem. A mãe, por exemplo, está presa a um casamento falido, de aparências (e no qual impera o rancor e a submissão à ânsia do marido em desvirginar garotas), usa óculos escuros e um vestido de noiva. Glória também usa um vestido branco, representando a pureza da sua juventude em contraponto ao seu amor por Tereza (colega de internato) e pelo seu pai. A trilha provoca desconforto diante dos conflitos apresentados.
A maquiagem contribui para traçar o perfil dos personagens, salientando, por exemplo, a beleza de D. Senhorinha e a sobriedade de Tia Rute.
A ida ao espaço dos Fofos já vale o passeio. Além disso, o grupo está entre os melhores do país, pois os artistas são talentosos e sempre estão em busca de desafios. O grupo conquistou o reconhecimento do público e da crítica encenando as comédias (Deus Sabia de Tudo e Não Fez Nada – 2000; A Mulher do Trem -2003 e Assombrações do Recife Velho – 2005) e demonstrou dominar também a tragédia com Ferro em Brasa e Memória da Cana.

SINOPSE:
Jonas, o patriarca, é apaixonado pela filha Glória, e ela por ele. Para satisfazer esse desejo, ele adquire o hábito de trazer adolescentes em casa para tirar sua virgindade, contando, para isso, com a ajuda da cunhada Rute, que também é apaixonada por ele. A mãe, D. Senhorinha, assiste a tudo imune e é apaixonada por seu filho Nonô, que é louco e perambula nu pela fazenda. Glória é expulsa do colégio interno por se envolver com uma garota; Guilherme, apaixonado pela irmã, castra-se e abandona o seminário à procura de Glória; Edmundo abandona a mulher com quem se casou por uma paixão velada pela mãe.
( matéria escrita na época da mostra com os cinco espetáculos do repertório dos Fofos, que acontece até dezembro na sede do grupo - não lembro se foi 2009 ou 2010)

Pamonha & Panaca

2011-04-16T22:09:00.001-07:00

Pamonha & Panaca
Uma homenagem às duplas cômicas

A peça Pamonha & Panaca traz a São Paulo dois grandes atores do teatro, Cristina Pereira e Ricardo Blat.São artistas que dominam a comédia e estabelecem em cena um jogo interessante. Dois vagabundos, preguiçosos, que fazem de tudo pra levar vantagem na vida e assim manter um mínimo de condição para sobreviver. Ignorantes que mostram as nuances do ser humano, não são bons nem maus, agem de acordo com as circunstâncias e da melhor maneira que os convém. Não titubeiam em passar a perna um no outro, mas também se ajudam; em outros momentos a soberba impera, mas um não consegue viver sem o outro.
A estética que homenageia o circo e duplas cômicas que ficaram famosas, como o Gordo e o Magro, também suscita à reflexão, sem deixar de lado o entretenimento e a magia que os clowns carregam.
Cristina e Blat tem interpretações de qualidade. Blat se entrega com mais fervor ao personagem e domina a técnica clown. Cristina sabe fazer rir e estabelece com o colega de palco uma boa química, mas quem domina o palco é Blat, com excelente desenvoltura corporal.
O texto é somente um apoio para os atores em cena. As situações que o envolvem são enriquecidas com detalhes da interpretação, sobretudo pela expressão corporal...
Os figurinos são maltrapilhos, pois os personagens vivem na rua. O cenário dá aos atores a liberdade de preencherem o palco com movimentações interessantes, que reforçam as confusões em que os personagens se envolvem. A luz dá à encenação um clima lúdico e salienta alguns momentos em que a direção implantou uma áurea de suspense quanto ao desenrolar da trama.
A idéia de trabalhar com papéis picados merece destaque; além de servir como objeto de cena, remete aos lixões que servem de sustento para muitas pessoas

Serviço:
Pamonha & Panaca
Rua Monte Alegre, 1024 – Perdizes - Telefone: (11) 3670-8453
Temporada: Até 15 de maio
Dias: 6ª e sábado às 21h e domingo às 19h
Ingressos: 6ª e domingo: R$ 30,00, sábado: R$ 40,00

As Conchambranças de Quaderna

2011-04-16T22:06:00.001-07:00

As Conchambranças de Quaderna estreia em SP
A criativa montagem tem direção de Inez Viana e Leonardo Bricio como protagonista.

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Sobre Teatro Sesc Vila Mariana
Da editoria de Artes Cênicas
As Conchambranças de Quaderna tem o espírito alegre e popular que encontramos na obra de Suassuna.

Tem direção de Inez Viana e traz o ator Leonardo Bricio como narrador e personagem principal de duas histórias tiradas do livro Romance d’A Pedra do Reino, de Ariano Suassuna. O ator dá ao Quaderna um jeito astuto e galanteador que cativa o espectador, além de apresentar uma expressividade corporal excelente.

Completam o elenco Claudia Ventura, Debora Lamm (da série Tudo Junto & Misturado), Ricardo Souzedo, Iano Salomão, Diogo Camargos, Zé Wendel, Junior Dantas e Viviane Câmara.

Com a utilização de cenário, movimentos, figurinos e cores deda iluminação inspirados na riqueza cultural do nosso país, Inez Viana transpôs para o palco uma história que apresenta com competência a cultura popular nordestina. A montagem tem ritmo, ótimas soluções cênicas e um elenco afinado. Assim como Bricio, todo o elenco apresenta uma expressão corporal excelente. São as movimentações em cena e os gestos precisos que dão vivacidade às cenas, provocando uma comunicação imediata com o público.

A atriz, cantora e diretora teatral Inez Viana fala sobre a peça e sobre a sua trajetória profissional. Formada pela CAL (Casa das Artes de Laranjeiras), reúne em seu currículo mais de 25 peças, filmes, novelas e shows. Entre os destaques, o musical Gardel – Uma Lembrança, sob a direção de Aderbal Freire Filho, Sassaricando e A mulher que escreveu a Bíblia.

Artista premiada e indicada a vários prêmios desde que começou a carreira profissional em 87, Inez foi indicada por sua direção de As Conchambranças de Quaderna ao Prêmio Shell 2010, Qualidade Brasil 2010 e APTR 2010. Por A mulher que escreveu a Bíblia foi indicada ao Prêmio Shell 2007 e APTR 2007.

Nanda Rovere - Fale sobre o seu contato com o universo do Suassuna e o que te levou a produzir o documentário Cavalgada à Pedra do Reino?

Inez Viana - Quando o conheci, em 98, fiquei impressionada e encantada com suas histórias. Debrucei-me em sua obra e descobri, através da Revista Bravo, uma festa popular Cavalgada à Pedra do Reino. Resolvi então produzir e dirigir o documentário, onde tive a honra de ter o escritor Ariano Suassuna como narrador principal.

NR - Qual as característica da obra de Suassuna mais te chama a atenção e a do público?

IV - A junção do popular com erudito.

NR - Na sua opinião, de que maneira o Suassuna retrata a realidade e a nossa cultura?

IV - Falando do próprio quintal. Como ele já citou "toda cultura universal é primeiramente local".

NR - Como você transportou o universo do Suassuna para o teatro?

IV - Tentei ser mais fiel possível ao seu pensamento armorial.

NR - Para o ator que interpreta textos do Suassuna tem que haver alguma maneira especial no processo de criação do personagem?

IV - Seus textos são ágeis, o humor certeiro. Portanto o ator tem que ser preciso nos gestos e na compreensão.

NR - Como foi a experiência de se dedicar à direção?

IV - Esta é minha oitava direção, mas a primeira fora da CAL (Casa das Artes de Laranjeiras) onde dou aulas de interpretação e dirijo montagens.

NR - Em qual medida a sua trajetória como atriz te ajudou?

IV - Como observadora de todas as etapas de uma montagem.

NR - Fale das viagens com a peça, como foi a receptividade?

IV - Maravilhosa! O Brasil ama Ariano Suassuna....e para São Paulo muita expectativa. Esperamos que os paulistas gostem da peça.

NR - O que você leva em conta na hora de aceitar um trabalho?

IV - Principalmente o texto.

NR - O que A Mulher que escreveu a Bíblia te trouxe de aprimoramento/aprendizado?

IV - É uma historia de superação e persistência. Aprendi muito com "A Feia" e devo isso ao querido Moacyr Scliar.

NR – A sua expressividade vocal e corporal é impressionante. Como é estar no palco e aliar canto e atuação?

IV - Obrigada. O canto sempre foi muito natural m minha vida e também passei anos fazendo Ballet, o que me ajuda ate hoje.

NR - O que pode falar sobre os seus projetos profissionais? Li, num bate papo que você fez com o Newton Moreno, que o Suassuna está escrevendo um texto para você...

IV - Já sabe mais detalhes? Ele disse que esta mesmo, mas não sei quando ficará pronto nem o assunto. Em 2012 faço 25 anos de carreira, quem sabe não comemoro atuando neste texto?

NR - Como foi a experiência de se dedicar à direção?

IV - Esta é minha oitava direção, mas a primeira fora da CAL (Casa das Artes de Laranjeiras), onde dou aulas de interpretação e dirijo montagens. Penso que seria bom se todo ator um dia pudesse ter a experiência de dirigir, porque amplia muito sua visão dentro e fora do palco. É excitante ver uma equipe de criadores (cenógrafo, figurinista, iluminador, diretor musical, preparador corporal, programador visual, produtor) pensar junta, para melhor transmitir o entendimento subjetivo, não só da direção, mas de todos, sobre um texto. E poder ver de fora o processo de cada ator, é bastante enriquecedor.

Detalhes

As Conchambranças de Quaderna
Sextas e sábados às 21h e domingos às 18h - Até 01 de maio
Excepcionalmente no dia 21 de abril, sessão às 18h. Não haverá sessão no dia 22/04
SESC Vila Mariana
Rua Pelotas, 141, Vila Mariana
Informações: (11) 5080-3000

Lobato ou O Labirinto dos Sonhos

2011-04-16T22:02:00.000-07:00

Lobato ou O Labirinto dos Sonhos evoca a imaginação das crianças.

Leia outros textos

Sobre Teatro Studio 184
Da editoria de Artes Cênicas
"Um escritor em crise só consegue resolver esse problema com a ajuda de amigos".

Através dessa história interessante, a peça não subestima a criança. Coloca em pauta assuntos que contribuem e ressaltam o respeito ao próximo e fortalecem a idéia da necessidade do outro para nos ajudar a enfrentar as barreiras que a vida nos oferece. Não podemos perder a capacidade de sonhar, nem a força para lutar nos momentos difíceis.

Lobato não consegue cumprir a promessa de terminar um livro com histórias folclóricas. Tudo que coloca no papel lhe soa banal e repetitivo. Desesperado, e sem saber o que fazer, a realidade se fundem em sua mente.

Uma boneca inteligente e vivaz sai de um baú e ajuda Lobato a resolver a sua crise de criação. Numa aventura, cheia de mistérios, encontram um cigano alquimista, uma linda sereia do mar e a curupira. Não dá para saber se o que estamos vendo é realidade ou imaginação de Lobato.

Assim como na obra de Monteiro Lobato, a peça promove leva pessoas de todas as idades a uma viagem deliciosa, mágica e sem limites pela nossa cultura.

Explicar com maiores detalhes a montagem tirará o prazer da descoberta, pois o que vale é deixar a sensibilidade aflorar, o que é fácil diante dos figurinos coloridos e da encantadora trilha sonora, que dá ritmo às cenas e salienta o clima de fantasia.

Pouco a pouco o livro vai ganhando forma, numa lúdica homenagem aos artistas, sobretudo aos escritores que como Monteiro Lobato enriquecem a vida das crianças com suas histórias instigantes...afinal que artista nunca passou por uma crise de criação?.

O elenco está de parabéns, assim como o autor e diretor estreante. Canto, movimentações criativas, um elenco competente e uma direção que valoriza o caráter lúdico do texto, garantem a qualidade da montagem.

Essa é a dica de espetáculo infantil para os próximos finais de semana. A vida corrida não possibilita que tenhamos tempo para dar vazão à nossa imaginação, para valorizar o onírico. Peças como Lobato ou O Labirinto dos Sonhos contribuem para que a criança não deixe morrer a sua capacidade de sonhar.

Detalhes

Lobato ou O Labirinto dos Sonhos
Texto e direção: César Augusto, ator e diretor que já fez parte do CPT e hoje trabalha com o diretor Gabriel Villela
Teatro Studio 184
Pça. Roosevelt, 184
Sábado e domingo às 16h
Elenco: Haroldo Joseh, Ana Paula Grande, Eduardo Tocha Poyares, Yayá Vasconcelos, Giovanna Romanelli e Célia Garcia Ferper
Produção: HS Produções, do ator Hélio Souto Jr, que esteve em Calígula e agora ensaia Crônica da Casa Assassinada, dir. Gabriel Villela. Adaptação Dib Carneiro Neto
Informações: (11) 3259-6940

Mambo Italiano no Teatro Nair Bello

2011-04-16T22:00:00.000-07:00

A estreia de Mambo Italiano reúne no palco do Teatro Nair Bello artistas de talento que têm destaque na vida cultural paulistana e interpretam personagens comuns em busca da felicidade.

O elenco é o maior mérito da montagem. Difícil não se divertir com atores que têm tanta competência para fazer comédia.

Gino (Antonio Petrin) e Maria (Cláudia Mello) têm dois filhos; Ângelo (Luciano Andrey) e Ana (Lara Córdula), que tentam lutar contra a opressão que os pais exercem sobre eles, mas não conseguem impor os seus desejos e vontades. Nino (Jarbas Homem de Mello), este filho de uma grande amiga de Gino, e Ângelo vivem juntos, mas não assumem a relação por medo da reação de seus familiares.

A tradição familiar e o apego a valores arcaicos fazem com que o dia-a-dia seja permeado de mentiras. A vontade de se libertar de qualquer amarra é tão grande que a todo momento a "tia Yolanda" é citada. A irmã de Maria queria alçar vôo e não conseguiu. Ângelo, ao contar aos pais que é homossexual, traça o caminho de uma vida digna, sem amarras, pois vivia amargurado. Consegue deixar de lado preconceitos e perceber que ser descendente de família italiana não é tão ruim quanto ele pensava.

Nino não consegue suportar a pressão que sofre da mãe, que nunca aceitou as suas escolhas particulares e sempre quis moldá-lo de acordo com os seus sonhos. O moço deixa seus anseios e desejos próprios para satisfazer a vontade de sua mãe controladora e se casa com Pina (Carla Fioroni), uma mulher que está em busca de um noivo.

Além da necessidade de quebrar barreiras devido à condição de imigrantes italianos, a estrutura familiar fica comprometida. Manter a união e o respeito mútuo é um desafio, pois todos, de alguma maneira, saem dos padrões do que a sociedade considera normal. O amor, que deveria ser sinônimo de aceitação das diferenças, afasta as pessoas e causa aborrecimentos.

A trama é ambientada no bairro da Mooca, o que faz com que a plateia paulistana se identifique com a história contada. Os atores estão perfeitos em cena e sempre é possível lembrar de algum conhecido que possui características parecidas com os personagens. Felizmente as famílias hoje estão se abrindo mais para as diferenças e respeitando as escolhas dos indivíduos, mas ainda existem preconceitos que precisam acabar, relações que perdem o seu frescor porque o respeito ao desejo do próximo não impera, o amor sendo sinônimo de sofrimento e superproteção.

Falas que colocam em xeque as relações familiares não faltam, mas o desafio do autor é criar uma trama que prenda a atenção do espectador. Mambo Italiano ganha uma tradução que valoriza a confusão típica das famílias italianas: o sentimento à flor da pele, que muitas vezes beira o melodrama.

A direção de Clarisse faz com que assistir à peça seja prazeroso, com a criação de cenas engraçadas e movimentações que dão dinamismo à apresentação. Os atores permanecem em cena durante todo o espetáculo, o que evidencia o quanto a vida de todos do enredo estão entrelaçadas.

Destaque para o jogo de cena entre Cláudia Mello e Antonio Petrin, que dão um verdadeiro show e conseguem perceber os momentos em que a comicidade do texto merece uma interpretação mais "escrachada", exagerada.

A trilha de Daniel Maia, por sua vez, dá vigor à história, evidenciado o espírito italiano e as confusões familiares.

Detalhes

Mambo Italiano
Direção de Clarisse Abujamra. Com: Cláudia Mello, Antonio Petrin, Tânia Bondezan, Luciano Andrey, Carla Fioroni, Jarbas Homem de Mello e Lara Córdula
Sexta, às 21h30. Sábado, às 21h. Domingo, às 19h
Ingressos: Sexta e Domingo R$ 60 / Sábado R$ 70
Até 27 de março
Teatro Nair Bello - Shopping Frei Caneca
Rua Frei Caneca, 569, 3° andar
Informações: (11) 3472-2414

Blitz

2010-07-25T20:50:00.000-07:00

Foto: Dalton Valerio/Divulgação

Um casal passa por uma grave crise conjugal depois que o marido, o cabo Rosinha (Marcello Escorel ), participa de uma blitz em uma escola e leva a acusação de ter atirado em um menino durante um tiroteio.

Os vizinhos, que antes o viam como símbolo de dignidade e segurança, começam a repudiá-lo, inclusive a sua mulher, Helô do Pãozinho (Janaína Ávila), que trabalha numa padaria, e lá fica sabendo o quanto o seu marido perdeu a credibilidade e o respeito no bairro. O policial se diz inocente, mas ninguém lhe dá crédito.

A situação fica insuportável, principalmente à mesa, na hora do jantar. O silêncio torturante toma conta do ambiente, para depois a raiva, o medo e o descontrole deixarem o clima sufocante, sobretudo quando Helô avisa que vai embora.

A partir daí, a dramaticidade aumenta no decorrer da peça. A lembrança do filho que morreu pequeno e teria a mesma idade do menino assassinado acentua o conflito entre os personagens.

Inconformado com a falta de confiança da mulher, Rosinha tenta demonstrar a sua inocência e consegue provar que estava dizendo a verdade. Reconquista a confiança e a admiração da mulher, numa sequência de cenas que merece destaque pela beleza poética e interpretação tocante de Marcello Escorel.

O cenário ambienta a ação na sala de jantar, local em que acontece todo o desenrolar da trama. A luz focaliza os atores e/ou muda de cor para salientar a emoção dos personagens, complementando o clima tenso.

Bosco Brasil é um dramaturgo de destaque no nosso teatro contemporâneo, com criações carregadas de emoção e com o objetivo de provocar questionamentos sobre a alma humana, colocando os indivíduos em situações-limite, que testam a sua capacidade de se sensibilizar com o mundo que o cerca. Novas Diretrizes Em Tempos De Paz é uma obra prima que fez sucesso e ganhou prêmio.

O texto de Bosco Brasil consegue sair do tema comum - ¨crise entre marido e mulher¨ - para suscitar várias reflexões pertinentes e que afetam o nosso cotidiano: a violência afetando as relações humanas, a necessidade de ouvirmos mais o próximo, evitando assim o ¨pré-julgamento¨ e injustiças, o que significa coragem e o que é covardia. A força e qualidade dos diálogos prendem a atenção e Marcello Escorel dá vigor e dinamismo à montagem.

Escorel é um ator experiente no teatro. Além do biótipo ideal para viver Rosinha, dosa a emoção na medida certa, com gestos precisos, que ajudam a apresentar para o espectador nuances da personalidade do seu personagem, resultantes do momento turbulento pelo qual ele passa. Janaína, assim como o colega de palco, é uma atriz experiente; não realiza uma entrega tão arrebatadora quanto Escorel, mas vale ressaltar que foi a sua estréia em sua cidade natal e isso certamente provoca nervosismo.

A peça já fez temporada no Rio e fica no Centro Cultural São Paulo até agosto.

Vale a pena conferir!

Arquivo:
A Falecida" - Maria Padilha e Marcello Escorel - Foto - Guga Melgar Direção Gabriel Villela, 1994
CCSP Sala Jardel Filho
Elenco: Maria Padilha, Marcello Escorel, Yolanda Cardoso, Sérgio Mastropasqua, Lourival Prudêncio, Oscar Magrini, Edson Fieschi, Adriana Esteves, Tatiana Issa

Celebração

2010-07-04T18:08:00.000-07:00

Foto de Bia Ferrer

Um jantar de celebração, daí o título da peça, é o ponto de partida para uma crítica á sociedade, com a sua hipocrisia, ironia, humor maldoso e provocante.
Num restaurante sofisticado, Julie e Lambert estão comemorando mais um aniversário de casamento, acompanhados pelos cunhados Prue e Matt. Na mesa ao lado, o banqueiro Russel e sua esposa Suki estão felizes com a ascensão profissional e social. Aparentemente todos demonstram equilíbrio e carinho, mas vão aos poucos revelando as suas loucuras, estranhezas e falsidades. São pessoas da elite sem capacidade para compreender os verdadeiros valores da vida; presos a um cotidiano tedioso e fútil.
A encenação é inspirada nas obras de Federico Fellini e vemos no palco cenário, luz e figurinos que lembram o espírito crítico e inusitado de suas criações. Vitor Mafra, roteirista e diretor de cinema, faz a supervisão das cenas e certamente contribuiu para ajudar o diretor Eric Lenate a captar o teor onírico presente nos filmes de Fellini.
A direção, ao valorizar o ator e a estética das cenas, que beira o absurdo e o surrealismo, contribui para que o conteúdo da obra de Harold Pinter ganhe força.
Em 2009, Celebração ganhou o prêmio de melhor espetáculo adulto no 13.ºCultura Inglesa Festival. Foi o último texto escrito por Pinter e ainda era inédito no Brasil. Apresenta um tema atemporal e universal e tem conquistado a atenção do público e da crítica.
O destaque vai para o exclente elenco, com humor na dose certa. Atores que estão em perfeita sintonia no palco.
Elenco – Adriano Suto, Alexandre Freitas, Carlos Morelli, Cristine Peron, Denise Machado, Domingas Person, Juliana Vedovato, Luciano Gatti, Pedro Guilherme e Valentina Lattuada. Dirigido por Eric Lenate. Tradução – Domingas Person e Ivo Muller.
Serviço: Espaço dos Parlapatões – Praça Franklin Roosevelt, 158 – Consolação – Fone 3258-4449. Quartas-feiras às 21 horas. Ingressos – R$ 30,00 e R$ 15,00. Até 14 de julho. http://celebracaoapeca.blogspot.com/

Projeto "Embajada Del Teatro Brasileño"

2010-07-03T18:31:00.000-07:00

foto Tres cigarrillos y la última lasaña
fonte:
http://www.lajiribilla.cu/2010/n471_05/471_05.html

Como admiro muito o ator Renato Borghi, muito mesmo, não posso deixar de divulgar:
Renato e seu grupo Teatro Promíscuo, estão no Projeto "Embajada Del Teatro Brasileño". Serão visitados países da América Latina. Já passaram por sete. Depois, Espanha e África.
Objetivo - divulgar a dramaturgia nacional e promover o intercâmbio teatral com países afroiberoamericanos
Espetáculos "Três cigarros e a última lasanha" de Bonassi e Navas e "Dentro" de Newton Moreno, mais workshops. conferências e filmes.
As peças fizeram parte da Mostra de Dramatugia Contemporânea, que ocupou o Teatro Popular do SESI de São Paulo entre 2002 e 2003.
Uma iniciativa muito interessante, pela oportunidade de outros países conhecerem a nossa arte e do Renato, e seus companheiros de trabalho, trazerem para o Brasil a experiência que adquiriram através do contato com outras culturas.
Renato é um ator fenomenal, que tem uma importância dentro da história da cultura brasileira, como artista e cidadão que acredita num mundo em que o respeito impere com mais vigor. Vê nas manifestações artísticas um meio eficiente para suscitar reflexões e, assim, impulsionar ações que gerem mudanças na sociedade.

Para mais detalhes:
http://embaixadateatrobrasileiro.uol.com.br/site/index2.php/

Alguns vídeos:

Algumas matérias:

http://www.cubahora.cu/index.php?tpl=principal/ver-noticias/ver-not_ptda.tpl.html&newsid_obj_id=1036873
http://www.elcomercio.com/Generales/Solo-Texto.aspx?gn3articleID=237513
http://www.bogota.gov.co/portel/libreria/php/x_frame_detalle_portal.php?id=42137&patron=01.27

Antonio: da Tua Tão Necessária Poesia‏

2010-06-29T21:33:00.000-07:00

Clarisse Abujamra e Ivan Abujamra

Antonio: da Tua Tão Necessária Poesia‏
Quanto a arte alimenta a alma...

Sinopse:
Guiada pelo tio, o ator e diretor Antonio Abujamra,passou a entender o teatro. Apaixonou-se pelo bailarino Antonio Gades e depois se casou com o ator Antonio Fagundes, pai de seu filho...Antonio.

Os Antonios que fazem parte da trajetória da atriz deixaram marcas e despertaram emoções que ajudaram a solidificar o que Clarisse é hoje enquanto cidadã: uma mulher experiente, apaixonada e pela vida e pela profissão.
Num encontro intimista, e embalado por canções executadas pelo pianistas e irmão - Ivan Abujamra - Clarisse relembra momentos de sua vida pessoal, que , na verdade, apresenta sentimentos, ações e descobertas presentes no cotidiano de todos nós.
Para pontuar cada fato, e salientar as emoções e sensações contidas em cada um deles, música e poesia se aliam. Trechos das obras de João Cabral de Melo Neto, Bertold Brecht, Camões, Fernando Pessoa, Elisa Lucinda e Arnaldo Antunes são faldos com intensidade.
Há cerca de dois anos com essa peça no repertório, Clarisse faz apresentações em São Paulo e pelo Brasil. A plátéia interage, se diverte e se emociona.
No domingo, 27 de junho, a apresentaçõo na Hebraica foi muito bonita e a atriz ficou muito emocionada, especialmente pela presença de amigos como Edney Giovenazzi, Betty Faria (parceiros da novela Uma Rosa Com Amor, do SBT) e Ana Lucia Torre.

ENTREVISTA COM ALVISE CAMOZZI

2010-06-28T16:29:00.000-07:00

ALVISE CAMOZZI

Começou a atuar no teatro em Veneza, com a companhia de comédia Dell´arte a l´Avogaria. Formou-se pela Escola de Arte Dramática Paolo Grassi em Milão, onde trabalhou em diversas produções como ator e diretor. Chegou ao Brasil em 2001, acompanhando Rachel Brumana, artista Brasileira que estava trabalhando na Itália. A parceria na vida particular e profissional rendeu diversas produções, entre elas, O Astronauta, em cartaz no Teatro. Nessa montagem, voltada para o público infantil, Camozzi assina a direção e a concepção do texto, em parceria com Christine Röhrig. Entre os trabalhos como ator: Fausto Zero, sob a direção de Gabriel Villela e Macbeth, direção Maurício Paroni de Castro. Como diretor, Só, monólogo com o ator João Miguel e Yuuki!!! O pequeno Samurai, espetáculo infantil, com a Companhia Elasticaespacial – a mesma que faz O Astronauta.
Nesta entrevista, conversamos sobre o teatro no Brasil e na Itália, a chegada no Brasil, como é fazer teatro num outro país, o processo de adaptação e a sua trajetória profissional.

Nanda Rovere - Como aconteceu a sua vinda para o Brasil?
Alvise Camozzi - Cheguei no dia 1º. de janeiro. No dia anterior tinha espetáculo, era o Jardim das Cerejeiras, lembro que acabou a peça e cheguei na casa de amigos justo à meia noite para o champanhe. Saí da festa em Milão e cheguei em Guarulhos. Rachel, minha esposa, estava me esperando, ela tinha saído da Itália antes de mim. Nos primeiros tempos fui indo e voltando, tinha que acabar o Jardim e outra peça no Centro de Pesquisa Teatral de Milão, e depois fui ficando... Tinha 27, agora tenho 36 e uma filha que torce pelo Brasil.

Nanda Rovere - Quando chegou aqui teve dificuldades por causa do sotaque?
Camozzi - De vez enquanto, no começo, e ainda hoje, quando falo o meu nome, que não é muito comum. Tento me comunicar o melhor que posso, sem me forçar a esconder meu sotaque, exatamente como faz alguém de São Paulo quando mora no Rio, e vice-versa. No teatro a dificuldade é diferente, o que você fala não nasce de ti.

Nanda Rovere - Como foi a adaptação ao país?
Camozzi - Ainda estou em descoberta, o Brasil é imenso, com São Paulo minha relação é um “odi et amo” contínuo, a metrópole é sedutora. Eu não tenho carro, vou a pé ou de ônibus ou metrô, táxi, trem, de qualquer jeito para sair do meu bairro sou obrigado a interagir, isso no começo ajudou bastante. A adaptação ao teatro brasileiro devo à Rachel e aos amigos. Mauricio Paroni, logo que cheguei a São Paulo me ajudou muito.

Nanda Rovere - O trabalho de ator sempre andou junto com o de diretor?
Camozzi - Não, minha formação é de ator. Quando morava em Veneza estava numa companhia de commedia dell’arte, depois entrei numa escola em Milão, voltada ao teatro de pesquisa. O trabalho criativo do diretor sempre me fascinou, mas na escola tudo estava dividido, diretores, atores, bailarinos e produtores, também quando me formei continuei só na atuação, trabalhava somente como ator. Fiz uma coisa ou outra na direção, mas tudo auto-produzido ou quase, comecei tomar a sério o trabalho de diretor aqui no Brasil, há poucos anos.

Nanda Rovere - Ser ator te ajuda na direção, e vice-versa? de que maneira?
Camozzi - Em geral ajuda bastante, ponho à disposição minhas ferramentas de ator, técnicas, e tento criar com os atores códigos em comum, fomentar um imaginário comum, aprender com eles e devolver o que aprendi. Conheço as dificuldades deles e estando fora posso antecedê-las, preveni-las ou causá-las com mais facilidade, mas o que eu gosto é de criar junto, de ator para ator diria. Seguir um processo horizontal de ação e reação, dialética e física, portanto para mim, ser diretor durante os ensaios, é só uma questão de posição espacial dentro do tablado, ou quase isso. Minha relação de ator com os diretores é diferente, tento sempre entender e seguir o que o diretor se propõe e me propõe, sem entrar em conflitos “conceituais”.

Nanda Rovere - Você tem realizado trabalhos na Itália, levado os que produz aqui no Brasil para lá?
Camozzi - Há alguns anos colaboro com uma dramaturga italiana que admiro muito e se tornou nossa parceira, minha e da Rachel, ela se chama Letizia Russo, a mesma autora de Só (monólogo com João Miguel, prêmio Shell como melhor ator) que estreamos o ano passado. Juntos, queremos construir um trabalho aqui no Brasil que possa depois acontecer na Itália também, por enquanto é um desejo.

Nanda Rovere - O que te chama mais atenção na arte produzida aqui, sobretudo no teatro?
Camozzi - A sensação de compartilhar um processo de criação coletivo, cada um com o próprio eixo e questionamentos. Não queria ser banal, mas aqui é muito forte a percepção de que a questão cultural e artística são fatores determinantes, diria vitais, para a comunidade.

Nanda Rovere - Quais diferenças e semelhanças você percebe entre o teatro realizado no Brasil e na Itália?
Camozzi - Existem tradições diferentes, problemáticas sócio-culturais diferentes, línguas, economias e políticas diferentes, cada um desses itens obriga o artista a se posicionar obviamente, diversamente, com o publico, de país em país. Mas penso que no mundo inteiro, o teatro possa se tornar espaço de reflexão coletiva.

Nanda Rovere - Dirigir e/ou escrever para as crianças e adultos é diferente para você?
Camozzi - Escrever para crianças está sendo um bom aprendizado, eu não me sinto, nem um pouco, dramaturgo, sou um aprendiz. Estou verificando nesses dias meus erros, assistindo ao espetáculo que encenamos. A mesma impressão tenho com o trabalho de diretor, estou aprendendo, portanto tento me dedicar da melhor maneira possível, seja para um publico de adultos ou de crianças.

Nanda Rovere - Como você sempre lidou com o misticismo que envolve a chegada do homem à Lua e os anos 70? De alguma maneira esse assunto influencia o seu jeito de criar e viver?
Camozzi - Oba! É um assunto imenso: a Lua, os anos 70, minha vida... eu e minha filha, saudamos a lua todas as noites, é uma presença mágica para nós, sim. A imagem que guardo dos astronautas é ainda romântica, são heróis, aventureiros de Júlio Verne, me divirto em pensar que o homem nunca tenha de fato pisado na Lua, como em “de la terre à la Lune” de Verne. No espetáculo “O Astronauta” tentei juntar essa imagem com outro mundo que amo muito, o da mitologia grega. Bowie deu “a liga” nisso tudo, ele inventou o Major Tom. David Bowie é uma presença que pertence a diversas gerações, a dos nossos pais, a minha; e escutando as canções junto comigo, elas se tornaram sonoridades familiares a minha filha também. Acredito que essa troca de imaginários seja fértil, tanto para os pais como para os filhos.

Nanda Rovere - Tem acompanhado a cena teatral italiana -o que pode destacar? E quanto ao Brasil, o que tem chamado atenção?
Camozzi - Vou à Itália uma, duas vezes por ano e vejo um ou dois espetáculos por ano. Minha relação com a cena atual italiana é parcial, leio muito do que acontece e meus amigos me informam, mas não me sinto apto a destacar um ou outro espetáculo que não vi. Das ultimas encenações que vi no Brasil, me impressionou o Marcio Aurélio dirigindo Anatomia Frozen.

Nanda Rovere - A sua vinda para o Brasil mudou o seu jeito de pensar e fazer teatro?
Camozzi - De pensá-lo não, de fazê-lo sim. São nove anos que moro aqui, é muito tempo. Aprendi a atuar em um idioma que não é o meu e isso me obriga a adentrar no trabalho de ator verticalmente. Penso que se tivesse ocasião de atuar novamente em italiano, agora seria mais objetivo do que era, menos presunçoso, e isso é bastante natural. Nove anos são de vida mais que de palco, e a interpretação e o intérprete amadurecem juntos.

Nanda Rovere - Entre os seus trabalhos certamente um dos destaques foi Fausto Zero. Como foi interpretar Mefisto?
Camozzi - Foi uma experiência maravilhosa, Gabriel é um grande diretor, ele deixa os atores em um limiar de risco de maneira muito sedutora, ele compõe as regras e dentro delas você tem margens estreitas para criar. São estreitas e ao mesmo tempo imensas. Obriga os atores à síntese e à superação. Em Fausto, tive o privilegio de atuar com uma parceira extraordinária, Walderez de Barros. Foi observando ela que tentava entender Gabriel, são dois artistas que admiro muito.

Nanda Rovere - Novos projetos?
Camozzi - Começarei em Agosto os ensaios de Babel, outro texto de Letizia, que encenaremos em outubro. É um texto maravilhoso, que de alguma maneira assinala uma continuação de Só. Também nessa ocasião terei a sorte de trabalhar com dois atores de grande talento: Sabrina Greve e Rodrigo Fregnan.

O ASTRONAUTA

2010-06-28T16:21:00.000-07:00

Por Nanda Rovere
O fascínio da astronomia, do rock e do teatro se juntam num trabalho que merece ser visto por pessoas de todas as idades.
Quando recebi o convite para prestigiar O Astronauta, fiquei imediatamente interessada em verificar de qual maneira o Alvise Camozzi transpôs um conteúdo relacionado à astrologia para os palcos e como conseguiu traduzir em diálogos, com a colaboração de Christine Röhrig, o conteúdo das canções de David Bowie.
Em cerca de uma hora de encenação, é impressionante o silêncio da platéia formada por crianças e adultos, que acompanham a jornada de Tom pelo espaço, na tentativa de se comunicar com o Brasil, após perder o contato com o planeta logo após a decolagem.
Dentro de sua espaçonave, ele estuda a melhor maneira de mandar um recado para os brasileiros, especialmente para a sua mulher, e avisar que a Terra corre sérios riscos se os seres que lá residem não cuidarem do seu habitat.
Tom conta com a companhia do medroso - e cativante - peixe-boi Ziggy - boneco manipulado com competência pelos atores, e que é um dos destaques da peça.
Personagens da mitologia grega e que dão nome a constelações povoam o espaço e dialogam com o protagonista. São seres enigmáticos e que revelam um enigmático cosmos.
O texto, que apresenta equilíbrio entre ficção e dados reais, suscita o interesse pelo aprendizado sobre o Universo.
A equipe coloca no palco imagens digitais e um cenário moderno que, aliado a um desenho de luz competente e ao uso de técnicas de ilusionismo, instigam a imaginação do público e evidenciam o caráter fantástico da história.
Como o assisti na estréia, o espetáculo ainda tem a crescer e merece a atenção de quem aprecia a arte como fomentadora de conhecimento e, claro, encantamento.
Serviço - Teatro Cleyde Yáconis - Centro Empresarial do Aço - Av. do Café, 277 - São Paulo/SP - Bilheteria: (11) 5070-7018 - Estação Conceição do Metrô Estacionamento - Rua Guatapará, 170 (R$10,00) - De 12 de junho a 8 de agosto - sábados e domingos, às 16 horas. Ingressos: R$ 10,00 e R$ 5,00.
Ficha Técnica - Texto: Alvise Camozzi e Christine Röhrig. Direção: Alvise Camozzi. Cenário e direção de arte: William Zarella Jr. Figurinos e Maquiagem: Marina Reis. Trilha sonora: Claudia Dorei. Iluminação: Alessandra Domingues. Vídeos: Nicko - Elenco: Bruno Kott – Tom; Paulo Loureiro Jr e Carol Mandell manipulação de bonecos e demais personagens. Vale a pena ver o vídeo:

http://www.youtube.com/watch?v=aGKqq_wf2_Y

Olhe para Trás com Raiva

2010-06-28T16:14:00.000-07:00

Por Nanda Rovere

Assistir a peças dirigidas pelo Ulysses Cruz é sempre um prazer porque foi através dele, ou melhor, a primeira montagem profissional a que tive a oportunidade de prestigiar foi A Cerimônia do Adeus, de Mauro Rasi, cuja a encenação era assinada por ele.
Sempre apreciei a sua sensibilidade para traduzir cenicamente textos de diferentes estilos e nacionalidades, com cenários, figurinos e iluminação de qualidade. Um forte apelo estético para colocar no palco textos de autores como Jorge Amado, Vargas Llosa, Roland Barthes, Nelson Rodrigues, Shakespeare,
Depois de se dedicar a trabalhos de caráter mais experimentais no teatro, ficar anos na TV, no ano passado a estréia de O Zoológico de Vidro, de Tennessee Williams, revelou um artista no auge da maturidade e que consegue conciliar com maestria um teatro mais focado no texto e no psicológico dos personagens, sem deixar de lado o cuidado com os cenários, figurinos, trilha, iluminação e gestual dos atores em cena.
A sua nova realização, Olhe para Trás com Raiva, do dramaturgo, roteirista e ator inglês John Osborne, está em cartaz no Teatro Vivo desde o dia 11 de junho e apresenta as mesmas qualidades de Zoológico descritas acima.
Baseada na vida do autor com a sua mulher, a peça mostra o cotidiano de jovens na Inglaterra dos anos 50, que vivem numa sociedade em que impera as diferenças sociais, o preconceito, a luta pela igualdade da mulher, a busca por um
Jimmy e a sua esposa Allison tentam segurar um relacionamento conflituoso devido à diferença social, ela de origem burguesa, ele de origem humilde e revoltado com o preconceito reinante na elite perante às classes mais pobres. Allison abandona o conforto para viver uma rotina doméstica comum e enfrenta ofensas e o humor àcido do marido.
Cliff é o amigo que reside num quarto embaixo do apartamento do casal e está sempre presente. Tenta amenizar os conflitos entre eles, demonstrando um grande apreço por Jimmy, e um amor contido por Allison.
Com a chegada de Helena, amiga de infância de Allison, a trama se torna mais instigante e complexa, pois a moça se torna envolve com Jimmy. A atitude contraditória de quem sempre questionou a atitude de Allison deixar a família para viver com um homem rude e agressivo revela o desejo contido e salienta no decorrer da história a fragilidade e insegurança de cada personagem, que tem a sua vida modificada.
Cenário, figurino e luz estão adequados para ambientar a ação num clima de frustações, mas com lugar para sonhos e para a busca da felicidade. Destaque para a trilha sonora que promove a viagem para o espírito contestador da época.
No elenco, destaque para a excelente atriz Karen Coelho, que atuou em O Zoológico de Vidro e demonstra forte presença em cena. Como assisti na primeira semana de apresentações, a sua atuação ainda precisava de alguns ajustes para delimitar as emoções de Allison na impactante cena final, mas nada que não imprima em seu trabalho alta qualidade. Karen consegue desenhar com precisão os gestos e as atitudes da personagem, que demonstra segurança, mas que devido à separação e à perda de um filho, perde o estímulo pela vida.
Quando estreou em1956, em Londres, personagens de origem proletária não eram retratados no teatro. Se hoje a peça não causa o mesmo impacto da época pelos valores que questiona não serem mais inéditos na pauta da dramaturgia mundial; suscita, no entanto, reflexões pertinentes a qualquer época sobre o homem, o preconceito, o amor, as diferenças.
Como a peça só foi encenada no Brasil nos anos 60, vale a pena conhecer o texto e conferir a montagem que conta com uma direção competente e um elenco que merece atenção.

Direção: Ulysses Cruz
Com: Sérgio Abreu, Karen Coelho (Allison), Thiago Mendonça (Cliff) e Maria Manoella (Helena)
Duração: 105 minutos
Classificação: 12 anos
Texto: John Osborne
Teatro Vivo (Av. Dr. Chucri Zaidan, 860). Tel. (011) 7420-1520. Sexta, 21h30; sáb., 21h; dom., 19h. R$ 40/R$ 50. Até 22/08.
http://www.vivo.com.br/teatrovivo/
http://entretenimento.uol.com.br/album/lenise_pinheiro_olheparatrascomraiva_album.jhtm#fotoNav=31

Determinadas Pessoas - Weigel

2010-06-28T16:10:00.000-07:00

Foto Gal Oppido

Por Nanda Rovere

Muitas vezes modificar o passeio agendado proporciona uma noite mais interessante do que esperávamos.
De última hora, eu e uma amiga decidimos ir ao Centro Cultural São Paulo assistir Determinadas Pessoas - Weigel, com a Esther Góes, direção do seu filho, Ariel Borghi. A peça estreou em 2008 , já esteve em cartaz na capital paulistana, viajou e agora faz temporada na sala Jardel Filho.
Faz tempo que estava planejando ver a montagem, mas ainda não havia dado certo. Pretendia ver na próxima semana, mas valeu a pena antecipar o passeio porque o monólogo é muito interessante e apresenta uma artista que se entrega cm uma energia tocante e um diretor que conseguiu guiar com precisão os movimentos e emoções da atriz em cena. Destaque para a sutileza na interpretação da atriz nas mudanças de idade da personagem.
Fatos importantes da história política, social e cultural do mundo e alemã são retratadas através da atriz e militante Helene Weigel. Em cerca de uma hora e vinte minutos de apresentação, acompanhamos, através de um texto muito bem escrito e costurado, a vida dessa mulher, seus desejos, pensamentos e emoções- sua visão sobre a arte e sobre a vida.
Esther Góes foi até a Alemanha pesquisar sobre Helene Weigel e em parceria com o seu filho, assina a autoria da peça. É nítido que houve a preocupação em colocar no palco uma encenação pautada por um conteúdo consistente e que seja fiel à trajetória da atriz que nas palavras de Esther Góes ¨foi umas das melhores do mundo¨.
Helene era casada com Bertold Brecht, ao lado dele suportou os seus envolvimentos com amantes, compartilhou o cotidiano complicado do Nazismo e de luta contra a opressão, encenou clássicos de sua dramaturgia e fundou o Berlinder Ensemble – núcleo de produção teatral.
Imagens projetadas numa tela possibilitam maior dinamismo e veracidade à narrativa, que compreende um período longo de tempo, fortalecem a poesia do texto e ampliam a empatia do público para com a trama. Com criatividade e competência, os vídeos complementam e ilustram a fala de Helene Weigel. Cenários modificados em momentos estratégicos também orientam o público quanto o tempo e o espaço em que a ação acontece. Luz, figurino e trilha também salientam o espírito provocador, inquietante e poético da protagonista.
Vale a pena conhecer mais profundamente uma figura de suma importância nas artes cênicas mundial e viajar por períodos históricos que não podem ser esquecidos, devido aos abusos cometidos contra os direitos humanos - para que tais atos não se repitam.

Serviço:
Centro Cultural São Paulo - Sala: Jardel Filho. R. Vergueiro, 1.000 – Liberdade - Tel: 11 3397-4000. Sexta a sábado, às 21h; domingo, às 20h - Ingressos: R$ 20,00 (retirada de ingressos: duas horas antes de cada sessão). Até 15/8.

As Meninas da Loja

2010-06-26T12:49:00.000-07:00

Por Nanda Rovere

Quatro funcionárias de uma loja de sapatos passam por uma situação banal: ficam do lado de fora do local de trabalho porque uma delas, a gerente, esqueceu a chave. Um problema aparentemente sem muita importância serve de mote para suscitar uma explosão de emoções em cada uma das mulheres, que por motivos diferenciados estão de mal humor.
O contato diário no trabalho ocasiona uma convivência entre elas e troca de confidências. Desavenças, que em virtude da rotina de trabalho ficam escondidas, são expostas. Por outro lado, demonstrações de afeição apontam que existe uma cumplicidade entre as colegas.
Com diálogos inteligentes, dinâmicos e que misturam humor, acidez e desânimo, o público conhece um pouco da trajetória dessas mulheres, as suas personalidades, qualidades, defeitos, desejos, sonhos e frustrações.
As Meninas da Loja é a primeira experiência do cartunista Caco Galhardo na dramaturgia. O autor, em entrevistas para a mídia, afirmou que a inspiração para o texto surgiu da sua observação diária, no caminho para o seu escritório de criação, das moças esperando a abertura das lojas na Rua Augusta para mais um dia de vendas.
No texto não há conflitos ¨de grandes proporções¨, a qualidade da obra, no entanto, está aí: Galhardo conseguiu captar com sutileza a rotina de pessoas comuns. Todas, exceto Camila, não se contentam em agüentar diariamente clientes arrogantes e representar uma loja que consideram desinteressante. Tentam driblar a insatisfação e deixar o emprego, mas a necessidade da sobrevivência não permite.
Fernanda D`Umbra é uma atriz magnífica e na direção tem crescido a cada novo projeto. A montagem prende a atenção do começo ao fim, diálogos afinados e com movimentações bem definidas, que contribuem para enfatizar o desconforto da espera.
Fernanda conta com um elenco afinado e que é um dos méritos da peça.
O cenário tem como destaque uma escada grandiosa e inúmeros pares de sapato. O mundo do ¨glamour¨ representado pelo consumismo em contraste com o dia-a-dia previsível das personagens...Para completar, figurino, trilha e luz estão em harmonia para dar credibilidade à história.
Últimos dias para conferir, até 2 de julho.
Parlapatões: quinta 21h00
sexta 21h30

Elenco – Martha Nowill, Chris Couto, Cynthia Falabella e Mari Nogueira.
Direção de arte – Simone Mina
Cenário e figurino- Simone Mina e Ofélia Lott
Iluminação – Guilherme Bonfanti
Trilha Sonora – Carcarah

André Fusko atua escreve e dirige no teatro

2010-06-21T20:32:00.000-07:00

Por Nanda Rovere

ANDRÉ FUSKO
médico, ator e dramaturgo – autor de montagens recentes de sucesso: Maternidades, com Amanda Acosta, Simceramante - Ou a Trágica História de Um Dono da Verdade e Os Solidores. Entrou no espetáculo Usufruto, substituindo Raphael Viana. Na peça, ele atua ao lado de Lúcia Veríssimo, que assina a autoria do texto.

Nesta entrevista o ator fala um pouco sobre teatro e a sua carreira

-Como é estar no palco ao lado da Lucia Veríssimo, uma atriz com experiência profissional - o que é possível aprender ao seu lado?

André Fusko - Ela é uma pessoa e uma atriz muito poderosa. Sua força poderia me inibir, mas na verdade acabamos entrando numa troca muito boa e o vigor dela serve de alimento para minha interpretação. Ela também tem muita experiência e aprendo com os tempos e intonações que ela usa com maestrina no palco.

-Como surgiu o convite para participar do espetáculo?
Fusko - Através do meu agente Flavo Canova, que soube da procura de um ator para o papel e me indicou.

-Você já havia assistido a peça? Como se preparou para a substituição?
Fusko - Assisti a peça antes de ser convidado para fazer o papel e me preparei em uma semana apenas. Contei com o apoio do Eduardo de Santhiado, assistente de direção, que me ensinou os atalhos do personagem, quando a Lucia e o Possi não podiam ensaiar.

-Geralmente você produz as suas peças. Como é estar num trabalho sem essa tarefa?
Fusko - Mais tranquilo. Apesar de estar produzindo MATERNIDADES, texto meu com Amanda Acosta no Teatro Imprensa. Eu, durante USUFRUTO, só me preocupo com meu trabalho de ator. Isso é muito bom também!

-Como foi escrever Maternidades e dirigir a sua esposa no espetáculo?
Fusko - Uma delícia! A gente ensaiava na cozinha quando o Vicentinho pegava no sono. O resultado acho que vem também dessa cumplicidade que eu e Amanda temos. Eu como diretor só posso elogiar a Amanda. Tudo que eu precisava ela dava de forma melhorada!

Você declarou que ele não é autobiográfico, mas há algum momento da peça que lembre a sua relação com o seu filho Vicente?
Fusko - Sim, talvez a mão Vovó e a Mãe Magato tenham traços da minha personalidade e as duas defendem valores em que eu acredito.

-Como administra o seu trabalho de médico e a sua atuação como ator, autor e diretor?
Fusko - Nem pergunte, porque eu não sei. Acordo as 7hs todo dia pra atender meus pacientes e às 14hs o meu dia de ator, produtor, diretor começa. Lamento apenas não ter momentos de ócio, porque são nesses momentos que meus textos nascem. Gostaria de ter tempo pra escrever mais e ver mais meus amigos.

-A sua atividade como médico influencia nas suas criações artísticas e vice-versa? De que maneira?
Fusko - Totalmente. Acho que todo médico deveria ter uma vivência em teatro. Medicina é um curso muito técnico e a humanidade fica de lado. Teatro é pura Humanidade. A gente fala do Homem todo tempo e de uma forma bem mais emocional. Já o ator se beneficia dessa vivência médica em vários momentos. Desde a forma de raciocínio até o entendimento de momentos extremos de vida e morte... tanta coisa, difícil colocar em poucas letras.

-Tem novos projetos no teatro ou TV que pode adiantar?
Fusko - Tenho alguns em teatro e nenhum convite para TV. Estou gostando de conduzir minha carreira de forma independente. Só aceitei este convite da Lucia Veríssimo porque é um trabalho irrecusável do ponto de vista artístico e pessoal.

- Qual a importância de um evento como Festa do Teatro para democratizar o acesso á sala de espetáculos. E pra finalizar, hoje, como produtores, como avaliam o teatro?
Fusko - Acho fundamental e muito positivo. Quinta o teatro esteve lotado por um público que não costuma ter acesso ao teatro. Achei democrático.
Como produtor estou desenganado. Enquanto não tivermos uma população que aprenda na escola, ou em casa, que deve pensar e questionar ao invés de apenas executar, o teatro vai ser desnecessário e perderemos nossa identidade e nosso valor. Quando o ensino público era bom, há algumas décadas, o teatro era de segunda a domingo, com duas sessões, sextas e sábados. Hoje quinta a domingo já está se tornando difícil.

Hoje tem Mazzaropi homenageia um dos maiores artistas do cinema brasileiro

2010-06-17T15:08:00.000-07:00

Divulgação

O ator Júlio Lima interpreta há alguns anos o personagem
Philaderpho, que possui a ingenuidade e a simplicidade encontradas nas criações de Mazzaropi.

Nascido em Taubaté, na mesma cidade do artista, Julio resolveu trazer o seu trabalho para a cena teatral paulistana e convidou o dramaturgo Mário Viana para escrever uma peça fictícia com os ingredientes da trajetória do ator, diretor e empresário Amacio Mazzaropi (1912 – 1981).

Hoje tem Mazzaropi conta as aventuras de Philaderpho Mazzaropi (primo distante do Mazzaropi), sua esposa Zefa e as filhas Dolor e Maricota na cidade grande.
Dolor, a filha mais velha, deixa a roça para tentar a sorte como artista e a sua família, preocupada com a moça, sai em sua procura.

Os personagens passam por situações vivenciadas pelo parente famoso e, de modo inesperado, quem consegue sucesso é Philaderpho.

Mazzaropi era uma espécie do super herói dos migrantes do campo pra a cidade e na peça está representado na vinda da família que acompanha a menina que sonha com a fama na capital.

Segundo o diretor Hugo Coelho, Mazzaropi traduz a alma do povo brasileiro e o preconceito sofrido pelos caipiras, mostrando a riqueza cultural do interior.

A peça não propõe a ¨volta do caipira¨, pois eles estão conectados à Internet, mas promove o típico caipira de calças pula-brejo, paletó apertado, camisa xadrez e botinas. Valoriza também a importância da relação familiar.

A atriz Dani Mustafci diz que assistiu a muitos filmes de Mazzaropi e reviver o seu universo foi uma experiência muito bacana. Ela é a deslumbrada Dolor e foge em busca do sucesso. Já a sua irmã Maricota, vivida por Maria Carolina Dresser, tem orgulho da sua origem.

A mãe Zefa, vivida por Yara Jamra, apóia a filha Dolor com ponderação. No elenco também estão Silvia Poggetti e Beto Galdino.

O objetivo da montagem não foi imitar as realizações do artista, mas buscar a essência das suas criações e colocá-las no palco, na linguagem teatral.

Há algumas citações das obras cinematográficas, com cenografias, figurinos e trilhas que lembram a trajetória profissional de Mazzaropi.

Para realçar o caráter popular da montagem movimentos circenses estão presentes na encenação e os atores puderam opinar na criação dos personagens e das cenas, dando maior veracidade à trama.

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ENTREVISTA COM SILVIA POGGETTI, QUE VIVE DIANA E FAZ VÁRIAS PARTICIPAÇÕES NO DECORRER DA ENCENAÇÃO

Diana é prima da Zefa ( a mãe Zefa) e convive com a família. Aparece de forma episódica e a atriz faz mais personagens no decorrer da história.

Silvia Poggetti – Realiza pesquisas para a criação dos personagens?
Silvia - Não faço grandes pesquisas psicológicas, pois acredito que para comédias elas não funcionam. Podemos cair na compaixão ao invés do olhar crítico, que é o que a comédia proporciona.

Como foi participar desta montagem?
Silvia - Compor quatro personagens diferentes foi a grande diversão de fazer a peça. Eu faço parte do grupo os Fofos Encenam que tem uma pesquisa de circo teatro, que é um espaço muito comum ao Mazzaropi e me sinto muito à vontade neste espetáculo, está sendo um excelente exercício.

E quanto ao trabalho com os Fofos, o que você pode adiantar?
Silvia - Acabamos de ganhar apoio da Petrobras para uma montagem do Newton Moreno que é ligado a Pernambuco. Eu sou mais ligada ao Fernando Neves que mexe com o circo. Estamos terminando uma pesquisa de palhaços e como ele nasceu numa coxia de circo, ele quer fazer a história da família dele. Eu participei de parte da pesquisa e deixei o projeto para participar desta peça, mas eu retomarei em breve a parceria com ele.

Como chegou até o espetáculo Hoje é dia de Mazzaropi?
Silvia - Eu já tinha feito um ciclo de leituras de textos clássicos com o Hugo, o diretor, na sala pascoal Carlos Magno, depois eu fiz uns eventos de teatro que ele fez no aniversário de São Paulo, em 2008, e agora ele me chamou para esta peça.

Você já disse ter predileção por comédia. Já fez dramas?
Silvia - Eu gosto muito de comédia. Eu fiz Jardim das Delícias, que tinha humor, mas não era comédia...Eu gosto do teatro do absurdo, eu gosto de Beckett, Fernando Arrabal, já nadei por essas praias. Fiz também a ama de Romeu e Julieta, que apesar de aliviar o drama, a peça era uma tragédia.
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ENTREVISTA COM Maria Carolina Dressler
Durante anos foi integrante da Companhia Estável, entre os destaques, Atuava em processo colaborativo e decidiu experimentar carreira solo.

Como foi a sua entrada para o espetáculo Hoje é dia de Mazzaropi?
Maria Carolina - No começo do ano eu me desliguei da minha antiga companhia, a companhia Estável. Continuo fazendo ainda algum trabalho com o grupo, mas decidi respirar novos ares.O Edinho que está na produção deste espetáculo ficou sabendo que eu não estava mais na companhia e me chamou para um teste e acabei fazendo o trabalho.

E como está sendo a experiência?
Maria Carolina - Não somos um grupo formado, mas todos pudemos opinar no processo de criação da montagem e dos personagens, e isso foi muito bacana.

O que você vê em comum na linguagem entre o seu grupo, que buscava falar do povo e desta peça, que fala também de um personagem que retratava o povo?
Maria Carolina - Muito a ver... O estilo popular do texto. O viés circense por trás...Como eu fiz também a preparação corporal do espetáculo eu propus em uma cena movimentos que lembram o universo popular do circo.

A sua trajetória é maior em palco ou na rua e/ou espaços não convencionais?
Maria Carolina – A Companhia fazia trabalhos em palcos tradicionais como O Auto do Circo e tem o último que optamos por fazer em espaço aberto, fora do palco italiano, mas mesmo no palco italiano a comunicação é diferente, mais direta.

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ENTREVISTA COM Mário Viana

Você já era admirador do Mazzaropi?
Mário Viana - Já tinha visto alguns filmes, mas não tinha um olhar muito atento, mas isso ajudou a me seduzir. Se eu já fosse fã dele isso poderia até comprometer a peça porque ia ser muito fácil falar sobre ele e a descoberta da genialidade de muitos momentos dos filmes dele perderia a graça.

E como é para uma pessoa assumidamente urbana falar do mundo caipira?
Viana – Foi muito engraçado eu urbaníssimo falar de roça. Por isso, malandramente, eu os trouxe para São Paulo, que eu conheço.

Suas obras, mesmo urbanas, sempre tiveram um caráter popular, pois mesmo sem falar do interior você fala do popular em São Paulo...Carro de Paulista, por exemplo,fala de meninos da periferia que vêm se divertir na região da Augusta, com toda a gíria paulistana.
Viana – Sim, pois eu sou da zona norte, sou nordestino. Eu brinco muito com isso. Eu atravessava o rio Tietê para vir ao centro e havia um deslocamento e eu gosto de mexer com o cotidiano e trazer as brincadeiras e espetadas que são o meu tom particular de escrever, sempre com um tom meio circense.

Projetos no teatro e na TV?
Viana – Acabei de escrever a novela com o Lauro César Muniz e não tenho projetos na TV. No segundo semestre o Otávio Martins vai dirigir um texto meu. Este ano estou mais teatral.

Como foi escrever para a TV?
Viana – Na TV eu tive que aprender primeiro a fazer melodrama e em segundo a entender a forma da cena. Eu tenho facilidade para fazer diálogo, mas eu desenvolvi na novela Poder Paralelo, diálogos muito pesados. Eu já tinha feito outras coisas para TV, mas ali eu fui aprendendo mais. Eu escrevia para todo o núcleo de drogados da novela e foi muito bom fazer.

Espetáculo Hoje tem Mazzaropi
Teatro União Cultural.
Temporada: sextas às 21h30, sábados às 21 horas e domingos às 20 horas
Até dia 27 de junho. Texto: Mário Viana. Direção: Hugo Coelho.
Elenco: Iara Jamra, Julio Lima, Silvia Poggetti, Beto Galdino, Dani Mustafci e Maria Carolina Dressler. Figurinos: Luciano Ferrari. Cenários: Paula De Paoli e Edinho Rodrigues. Iluminação: Rafael Burgath. Trilha Sonora: Kalau. Preparação Corporal: Maria Carolina Dressler. Preparação Vocal: Silvia Poggetti. Direção de Produção: Fábio Santana e Edinho Rodrigues.
Ingressos: R$ 20,00 sexta; R$ 40,00 sábado; R$ 30,00 domingo.
Teatro União Cultural – Rua Mario Amaral, 209. Paraíso - Travessa da rua Maria Figueiredo. Próximo Estação Metro Brigadeiro. Telefone 11 2148 2900 / 2148 2904.

Elias Andreato dirige o espetáculo Ghetto

2010-05-24T18:36:00.000-07:00

O ator e diretor Elias Andreato assina a concepção cênica de mais um espetáculo, que estreou dia 28 de abril no Teatro Eva Hertz, na Livraria Cultura.

O monólogo Ghetto é baseado na obra de Zvi Kolitz intitulada “Yossel Rakover dirige-se a Deus” (Yosl Rakover Talks to God), escrita, em 1946, para o jornal judaico Ídiche Zeitung, de Buenos Aires. Curiosamente, esses escritos foram, por engano, considerados reais e depois de desfeito o mal entendido, transformados em livro.

O ator judeu Fábio Herford, que conheceu a obra através de Elias, vive, no palco, o polonês Yosse. Em 1943, horas antes de sua execução, o personagem deixa nas ruínas do gueto de Varsóvia (o maior reduto judaico da Alemanha Nazista, na Polônia), um documento com relatos sobre o Holocausto.

A trilha original, tocada ao piano por Herford, dá o ritmo da encenação e acentua a emoção da história contada com maestria pelo ator.

O roteiro é de Elias Andreato, que considera o tema de importância ímpar por ouvirmos um personagem falando de sua tragédia pessoal e conversando com Deus antes de sua morte. O diretor também enfatiza: ¨Acreditamos que esta obra poética tem a grandiosidade de falar não só de um povo, mas de todos que já sofreram algum tipo de preconceito e violência por suas opiniões, credo, raça e cor¨, afirma.

O texto foi apresentado a Andreato pelo ator Guilherme Leme, que no meio do caminho desistiu. Sobre a sua parceria com Fábio Herford, comenta: ¨Como eu tinha ficado muito impressionado com a história, apresentei a obra ao Fábio e ele adorou. Pensei no roteiro para ele e queria que ele tocasse piano e criasse a trilha. Foi muito bacana essa experiência porque o Fábio, que não é um judeu ortodoxo, começou a estudar e a pensar na trajetória da família dele.

Nunca é demais suscitar reflexões sobre o desrespeito à diversidade, pois ao conhecer as tragédias do Nazismo, por exemplo, os seres humanos terão subsídios para impedir que ações brutais, que violam os diretos do indivíduo, sejam combatidas.
Serviço: Teatro Eva Herz - Livraria Cultura - Conjunto Nacional. São Paulo/SP - Informações: 11 3170-4059. Quartas e quintas, às 21h - R$ 30. Até 24 de junho. Site da peça: http://www.espetaculoghetto.com/

Elias Andreato e Fábio Herford são elogiados por colegas de profissão na estréia de Ghetto:Na estréia do espetáculo, estavam presentes parentes, artistas e amigos.

Karen Rodrigues, que atuou com Andreato no espetáculo O Avarento e Miriam Mehler, que participou de Mãe é Karma, de autoria de Andreato, ressaltam o talento do artista: O Elias é adorável, um dos meus melhores amigos e um diretor maravilhoso, e ator superlativo, afirmam.

Claudio Fontana e Dib Carneiro Neto, respectivamente ator e autor de Adivinhe Quem Vem Para Rezar, dirigido por Andreato, salientam o seu talento e generosidade: ¨Ele dirige sobre o ponto de vista do ator, por isso o trabalho dele é muito raro encontrarmos um diretor como ele, diz Fontana. ¨Ele é muito generoso, trata a gente com muito carinho É um ator espetacular, destaca Neto.

Denise Fraga, parceira de Herford em A Alma Boa de Setsuan, também evidencia o talento dos colegas de profissão: ¨ Estou doida pra ver este espetáculo, que eles queriam fazer há bastante tempo, e que promete porque marca o encontro de um grande ator com um grande diretor. ¨, diz.

Para o ator Leopoldo Pacheco, há três anos e meio com Elias em Amigas, Pero No Mucho, o artista domina o drama e a comédia: ¨Faz lindamente ¨Amigas¨, ¨achou a Dercy Gonçalves que mora dentro dele¨ e complementa: ¨Ao mesmo tempo, faz brilhantemente um espetáculo como Doido e dirige Ghetto, que é profundamente tocante, diz. ¨É maravilhoso ouvir o Fabinho contando a história do ghetto de Varsóvia. Fiquei muito emocionado porque é muito forte esse contato com Deus¨, finaliza.

A atriz Walderez de Barros trabalhou várias vezes com ele e o considera um grande companheiro de palco. ¨Lago 21 foi um trabalho especial, era dirigida pelo Jorge Takla e citava trechos do Hamlet e da Gaivota; o texto era muito sensível. Foi nesse espetáculo que surgiu a nossa amizade, dentro e fora do palco¨, conta.

ENTREVISTA ELIAS ANDREATO

Como conheceu a obra?
Elias - Esse texto quem me apresentou foi o ator Guilherme Leme. Ele queria fazer e no meio do caminho desistiu, e fiquei com o texto, que tinha me impressionado muito.

Como foi a entrada do Fábio Herford no projeto?
Elias - Eu apresentei o texto a ele, que já tinha trabalhado comigo num projeto em cima do Drummond, ele adorou, e propus que fizéssemos. Eu pensei no roteiro para ele, queria que ele tocasse piano e criasse a trilha.

E a experiência de dirigi-lo?
Elias - Foi muito bacana porque o Fábio começou a estudar esse universo e a pensar na história da família dele (foram refugiados), porque ele não é um judeu ortodoxo. Foi prazeroso pelo sentido artístico de se descobrir coisas novas em cada um de nós.

Como é estar nesse teatro mais uma vez?
Elias - Batalhamos muito para isso. Estar no Teatro Eva Hertz foi importante, um encontro com o público, com o dono do teatro e com o Dan, que também é judeu.

ENTREVISTA FÁBIO HERFORD

Como foi a experiência de ser dirigido pelo Elias Andreato?
Fábio Herford - Como diretor é uma pessoa muito sensível, sabe aproveitar muito bem tudo que um ator pode oferecer.

O que mais te chamou atenção no processo de direção?
Herford - Na minha opinião, ele faz o que um diretor deve fazer, ou seja, encaminhar, iluminar. Além disso, o Elias também sendo ator, compreende muito bem o nosso ofício, as nossas dificuldades¨, conclui.

Como foi rever a história de sua família?
Herford - O "tema" holocausto sempre esteve comigo e com a minha família.
A palavra que você usou REVER é muito apropriada, pois o meu aprofundamento no personagem, naquilo que ele está vivendo e pensando, fez com que eu revisse muita coisa, as vezes sob um novo ponto de vista, as vezes revendo antigas questões.

Teve a ajuda dos seus familiares nas pesquisas para a criação do personagem?
Herford - Eu pensava que o tema fizesse com que meus pais e seus amigos, também sobreviventes, quisessem se afastar do assunto, mas, para a minha surpresa aconteceu o contrário, se envolveram muito. Fizeram questão de me ajudar, discutindo alguns pontos do texto, me deram referências, me mostraram situações, imagens. Tudo isso serviu de alimento para a construção do Yossel, para a me aproximação dele.

Fale da reação do público.
A reação do público é muito boa, sinto que ninguém fica indiferente.

Na sua opinião, qual a principal função desta obra?
Herford - Para mim o principal objetivo de montar esse texto é combater a indiferença, e pensar qual é a nossa função ativa nos acontecimentos de hoje.

Qual a importância de encenar esse texto?
Herford - Estar no palco, lembrando toda a história, é muito importante para mim. Me faz refletir naquilo que eu desejo para o mundo hoje, para todas as pessoas.

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DEPOIMENTOS NA ÍNTEGRA

Atriz Karen Rodrigues

Depoimento sobre Elias Andreato.
Karen - O Elias é adorável, um dos meus melhores amigos e um diretor maravilhoso, e ator superlativo. Ele está fazendo Doido que é deslumbrante e agora está dirigindo este, que a propaganda de boca diz que é muito sensível e estou louca para ver. O último espetáculo em que atuei com ele foi O Avarento, com o Paulo, que também adorava o Elias.

Atriz Mirian Mehler

Fale sobre o Elias Andreato.
Mirian - Tudo o que a Karen falou eu endosso. Elias é um super ator, diretor e amigo. Você está perguntando para as pessoas certas. O Elias não só é adorado por nós duas, mas por todos.

Como foi atuar no primeiro texto teatral de autoria do Elias?
Miriam - Foi uma delícia fazer Mãe é Karma. O que me chamava atenção era a história interessante de uma família. Uma comédia feita com muito prazer por todos.

Projetos para este ano?
Miriam - Eu e Karen estamos de férias e convites são bem-vindos.

Ator Claudio Fontana

Deixe o seu depoimento sobre o Elias e Ghetto:
Claudio - O Elias é um dos maiores artista do Brasil, tanto como ator, como diretor. Ele dirige sobre o ponto de vista do ator, por isso o trabalho dele é muito raro encontrarmos um diretor como ele. Todos os espetáculos que o vejo dirigindo, sinto que o ator está muito bem cuidado, o que é fundamental para a qualidade da montagem.

Como foi ser dirigido por ele em Adivinhe Quem Vem Para Rezar?
Claudio - O Elias me dirigiu, ao lado do Paulo Autran, e foi uma das experiências mais sensíveis que tive no teatro. Ele nos dirigia de igual para igual.

Fale da sua agenda profissional?
Claudio - Voltamos com Calígula em julho, agora faço parte do elenco, além de produzir. Viajamos até julho, passando por nove cidades. No final de julho, estreamos no Rio de Janeiro e talvez em janeiro e fevereiro do ano que vem terminamos a temporada em Portugal.

Ator Dan Stulbach

Qual a importância de Ghetto quanto ao assunto abordado no texto?
Dan - Ghetto é um espetáculo feito por pessoas de teatro, tratando de um tema que é sempre bom lembrar para as pessoas não esquecerem. Um fato que ainda persiste nas lembranças de muitas pessoas.
Sou eu que escolho as peças e a escolhi por causa do projeto. Ainda não vi a montagem pronta, só ensaio.

Fale da sua experiência como diretor artístico do Eva Hertz:
Dan - É uma experiência nova, estou completando dois anos agora. Eu adoro porque Ghetto, por exemplo, não tinha teatro para se apresentar. Doido, que estava em cartaz aqui, também não. In On It (que estava na FAAP) ia ficar sem teatro pra se apresentar... Damos espaço pra gente talentosa e é um prazer encontrá-las e divulgar o trabalho. Eu brinco que sempre quis ter um restaurante, para receber as pessoas - quando era garoto falava muito isso. Arranjei um jeito ¨de ter um restaurante¨ na minha área, sem precisar cozinhar..

Como está a sua agenda para este ano?
Dan - Tem o programa Fim de Expediente, na CBN, o Tempos de Paz está saindo em DVD e participei do filme do Arnaldo Jabour, Suprema Felicidade, que entrará cartaz ainda este ano.

Jornalista e dramaturgo Dib Carneiro Neto

Como foi o seu encontro com o Elias?
Dib – O Elias dirigiu a minha primeira peça Adivinhe Quem Vem Para Rezar. Conheci o Elias mais de perto naquela época. Ele é muito generoso, trata a gente com muito carinho É um ator espetacular, o Doido, que ganhou o APCA, eu achei o máximo, e estou muito curioso para ver Ghetto; pelo que eu conheço dele, e ouvi do pessoal de Curitiba, deve ser muito legal.

Pedro Hertz, presidente da Livraria Cultura

Como surgiu a idéia do teatro Eva Hertz?
Pedro - A idéia de ter teatro é antiga, Nas outras unidades nós temos um auditório, mas aqui na paulista tem espaço para o teatro. Convidei o Dan para ser o curador do teatro porque já nos conhecíamos e é uma pessoa capacitada e ele, com maestria, administra o espaço. Sou muito grato a ele.

Um balanço desses anos de funcionamento.
Pedro - É um espaço que agrega à livraria e funciona como um centro cultural.

Atriz Walderez de Barros

Sobre Ghetto:
Walderez - Já tinha ouvido falar do texto, como ator é excelente e não perco nada do Elias, porque tudo o que ele faz é excelente.

Você costuma freqüentar esse teatro?
Walderez - Freqüento o teatro, a livraria e o café. Aqui é um lugar especial, principalmente pela boa idéia de abrir esse teatro pequeno, intimo e que tem apresentado grandes espetáculos.

Já atuou com o Elias no teatro?
Walderez - Trabalhei várias vezes com ele, um grande companheiro de palco. Fizemos juntos A Gaivota, na temporada carioca.
Lago 21 foi um trabalho especial, era dirigida pelo Jorge Takla e citava trechos do Hamlet e da Gaivota; o texto era muito sensível. Foi nesse espetáculo que veio a nossa amizade dentro e fora do palco.

Como está a sua agenda de trabalho?
Walderez - Acabei de estrear na novela das seis, da Globo. Teatro não tenho projeto para este ano porque não consigo fazer duas coisas ao mesmo tempo.

Atriz Denise Fraga

Denise -Admiro o Elias e o Fábio Herford, que está em cartaz comigo na Alma Boa de Setsuan, de sexta a domingo, no Tuca. Estou doida pra ver este espetáculo, que era uma coisa que eles queiram fazer há bastante tempo e que promete porque marca o encontro de um grande ator e com um grande diretor.

E o encontro com o Fábio?
Denise - Eu convidei o Fábio pra fazer comigo o ¨Alma Boa¨ e nós fizemos juntos Ricardo III. Conheço o Fábio desde a época de Retrato Falado ´
É um grande parceiro, talentosíssimo e um homem de teatro, que vai além de um ator.

O que você pode falar sobre o sucesso da Alma Boa de Setsuan?
Denise - Íamos fazer uma temporada só de agosto a setembro no Tuca e a temporada esticou porque o teatro lotou. As pessoas vão assistir e adoram a peça.
É um texto que eu queria montar há bastante tempo e fala do poder da gentileza, que eu acredito muito pela possibilidade de ainda nos comprometermos nas nossas relações. O Brecht faz uma parábola muito bonita do bem e do mal de cada um. Essa peça todo mundo deve ir ver. Não deixem de ver.

Mais alguma coisa que gostaria de dizer:
Denise - Estou em cartaz com o filme As Melhores Coisas do Mundo, da Laís Bodanski, muito bonito, no cinema.

Leopoldo Pacheco

-Fale sobre Ghetto, você está emocionado, não?
Leo - É maravilhoso ouvir o Fabinho contando a história do ghetto de Varsóvia. Fiquei muito emocionado porque é muito forte esse contato com Deus.
O Elias é uma fera e gostei do espetáculo como um todo.

Você está com ele no Amigas, Pero no Mucho, que é uma comédia. O que pode nos dizer sobre
Leo - Estou há três anos e meio com o Elias no espetáculo Amigas, Pero No Mucho e ele faz lindamente, achou a Dercy Gonçalves que mora dentro dele. Ao mesmo tempo, ele faz brilhantemente um espetáculo como Doido e dirige Ghetto, que é profundamente tocante. Ele tem essa capacidade de fazer comédias e dramas com a mesma competência.

Continua em cartaz no teatro? E a TV?
Leo - Piedade faz temporada no Rio e começo a gravar a novela Ti ti ti. Faço o empresário Gustavo, que tem uma editora de moda e era do núcleo de Plumas e Paetês. Ele tem uma mulher doente, submetida a sessões de quimioterapia, que é interpretada pela Giulia Gam, e um filho homossexual, que ele não aceita. É bem interessante.

Piedade é baseada na história real de Euclides da Cunha, e Ti ti Ti é um remake... Você costuma pesquisar sobre esses personagens?
Leo - Não, para não me influenciar. Eu sou responsável pelo que eu faço, não pelo que os outros fizeram. Eu procuro me concentrar no meu personagem.

Você assistiu a primeira versão esta novela?
Leo - Tititi era muito divertida, mas lembro muito pouco. De Plumas e Paetês lembro menos ainda.

ESTRÉIA DO MUSICAL NACIONAL PETER PAN

2010-05-24T18:26:00.000-07:00

Ivan e Luana

A DICA PARA O FIM DE SEMANA É A ESTRÉIA DO MUSICAL NACIONAL PETER PAN, NO HSBC BRASIL, EM SÃO PAULO. ESTA OBRA, CONHECIDA EM TODO O MUNDO, FALA SOBRE O MEDO DA MUDANÇA E O DESEJO DE SERMOS ETERNAS CRIANÇAS

A PRODUÇÃO INVESTE EM EFEITOS ESPECIAIS PARA CONQUISTAR PÚBLICO DE TODAS AS IDADES.

O espetáculo é baseado na obra de sir James Matthew Barrie e conta as aventuras de um garoto que vive na “terra do nunca” e se recusa a crescer. Peter Pan segue o estilo Broadway e faz parte do Ciclo de Homenagem aos Grandes Clássicos da Literatura Infantil.

Com direção de Billy Bond, responsável pelos sucessos a Bela e a Fera, Pinóchio e o Mágico de Oz, a montagem é protagonizada por Luana Marthin e traz mais vinte e nove atores no elenco, que interpretam ao vivo as canções em português.

A superprodução contará com três telões, pirotecnia, imagens em 3d e gelo seco. Os personagens voam no palco por meio de uma tecnologia importada do mágico americano David Copperfield e a iluminação é computadorizada.

Os cenários são grandiosos e se transformam de acordo com o ambiente no qual se passa a cena. São quatro cenários giratórios principais e 15 trocas de palco. Os figurinos -mais de 180 - são luxuosos e são adequados na caracterização dos personagens, remetendo o público ao universo dos contos de fadas.

Quem acompanha a trajetória de Billy Bond está acostumado a esse estilo de montagem, em que o visual é um atrativo indispensável.

Os atores cantam, dançam e interpretam com desenvoltura. Conseguem a empatia do público e mostram que o Brasil dispõe de artistas qualificados para musicais.

Vários artistas foram escolhidos por meio de testes. Ivan Parente e Luana Marthin já tiveram a oportunidade de trabalhar com Blond e estão entre os destaques.

Luana vive Peter Pan com competência. Foge dos gestos estereotipados e foca a interpretação na coragem com a qual o menino encara os inimigos.

Parente faz um Capitão Gancho com pitadas do humor e garante bons momentos á encenação.

Na ¨terra do nunca¨ se encontram crianças, piratas e índios e para dar credibilidade aos momentos de lutas, foram criadas coreografias que evidenciam a tensão entre os personagens.

Alguns acertos quanto às movimentações de atores e cenografias darão mais fluidez à apresentação, mas como a estréia ocorreu neste último final de semana, a tendência é ganhar ritmo no decorrer da temporada. Segurar quase duas horas de espetáculo não é fácil, mas o elenco coeso e as imagens projetadas em tela, durante as mudanças de cenário, contribuem para manter a atenção da platéia.

Peter Pan já passou por Vinhedo e depois da curta temporada na casa de shows paulistana, percorrerá as principais cidades brasileiras.

www.youtube.com/watch?v=peq1hMQcocw
Hsbc brasil
Www.hsbcbrasil.com.br
R. Bragança paulista, 1281
Chácara santo antônio
São paulo, sp

.

Direção geral de billy bond.
Assistentes de direção e dramatugia: ivan parente & márcio yáccof
Produção: andrea oliveira
elenco: ivan parente, luana marthin, luiza porto, marcio yaccoff, jean d'andrade,
Simony lino, matheus buosi, marcos antonelli, vall tosta, cayo ceasar, jaime holanda,
Édipo castro, erick gimenes, paula canterini, rachel cristina, daniel fuentes,
Roberto justino, gabriel cersosimo, vanessa ruiz, juliana caldas,
Gabriela suaiden, mateus bertolli, dheize paloma, ítalo rodrigues, karoline sanches,
Carolina souza, willian gibson, ettore lucci, junior de souza e marcio atieli.

Mariana Muniz reestreia "Speranza! Dona Esperança"

2010-03-13T18:30:00.000-08:00

Foto Cláudio Gimenez

Dona Esperança, vivida por Mariana Muniz, atriz e bailarina, é uma dona de casa comum e presa à rotina, vítima da sua solidão. Consegue mudar o seu cotidiano através da sua capacidade de sonhar, de criar um mundo onírico em sua volta.
Mariana Muniz é formada em dança pela escola de danças clássicas do Teatro Municipal do Rio de Janeiro. Dedicou-se ao trabalho com dança moderna a partir do encontro com Lurdes Bastos, Klauss e Angel Viana.
Ex-integrante do grupo experimental de dança do Balé da Cidade, estudou em Nova Yorque e na França.
Atuou em teatro sob a direção de Ulisses Cruz, Naum Alves de Souza, Gabriel Villela, Ilo Krugli, Jorge Takla, Antonio Abujamra e Roberto Lage, entre outros. Foi indicada ao Prêmio Shell 2009 ; melhor atriz pelo espetáculo “O Fantástico Reparador de Feridas”.

Serviço:
Direção José Possi Neto. Criação e interpretação Mariana Muniz. Assistente de direção e fotografia Cláudio Gimenez. Figurino Fábio Namatame. Cenografia José Possi Neto. Trilha sonora Ricardo Severo. Iluminação Celso Marques. Design de Imagens Osmar Zampieri. Projeto Gráfico Paula Viana.
Viga Espaço Cênico /SP. Informações: http://www.marianamuniz.ato.br

2010-03-07T20:29:00.000-08:00

Adivinhe = inesquecível encontro entre Paulo Autran, Claudio Fontana, Dib Carneiro Neto (autor) e Elias Andreato (diretor)
Sucesso merecido no Brasil, já teve montagem no Paraguai e Chile.
Dib foi o responsável pela adaptação de Estação Carandiru para o palco (Salmo 91) e fez a tradução de Calígula, peças excelentes dirigidas por Gabriel Villela...Obs: Calígula volta em junho, hein!
A estreia de Por Tu Padre é dia 26, em Buenos Aires, e, no elenco, o veterano ator argentino de grandes filmes, o Federico Luppi, e um jovem galã de TV, chamado Adrian Navarro.
Os queridos Dib e Claudio estarão lá e na volta contarão como foi tudo (deixo aqui o pedido a eles), pois o talento de nossos artistas é enorme e o mundo tem que conhecer a nossa arte!
Sucesso Dib!
Ah Visitem o blog do Dib - Pecinha é a vovozinha http://blogs.estadao.com.br/dib-carneiro-neto/

Musical Cats estreia em São Paulo

2010-03-03T17:14:00.000-08:00

No palco, artistas brasileiros encenam um dos maiores sucessos do teatro musical de todos os tempos

Foto divulgação

A estreia do musical Cats no teatro Abril, em São Paulo, comemora os dez anos da inauguração de um espaço dedicado exclusivamente aos musicais, que tem conquistado o público brasileiro e contribuído para a formação de artistas capacitados para atuarem nesse ramo das artes cênicas.

No decorrer dos anos, o teatro conquistou uma plateia cativa, que começou a frequentar a sala de espetáculos em busca de sucessos estrangeiros, como O Fastasma da Ópera, Les Misérables, Miss Saigon, entre outros, sendo os dois primeiros líderes mundiais de público.

Saulo Vasconcelos e Sara Sales, que têm participado das realizações do Teatro Abril, juntamente com a estreante no palco – a cantora Paula Lima - são os protagonistas da superprodução. O elenco completo é formado por artistas que passaram por testes rigorosos e possuem habilidade para o canto, interpretação e dança.

¨Estou me adaptando ao musical porque ainda sou uma aluna.Tenho me sentido em casa e tenho trabalhado arduamente, diz a cantora, que estréia em musicais. ¨ O resultado superou as minhas expectativas. A Grizabella fala do mundo que nem sempre nos aceita como somos¨, finaliza.

A encenação precisa respeitar a montagem original e tudo é cuidado nos mínimos detalhes pelos artistas. São mais de 120 profissionais, entre brasileiros, americanos e ingleses. A direção é de Richard Stafford, responsável por montagens em países como México e Argentina e Toquinho assina a tradução das letras.

Toquinho esteve em todo o processo de criação e, convidado a participar da equipe de Cats, encarou o trabalho como um desafio. ¨Foi um trabalho muito grande porque observei as rimas em inglês e as traduções precisavam respeitar milimetricamente a melodia original, para se adequarem às coreografias. Coloquei algumas referências brasileiras que vieram naturalmente¨, conta o compositor.

O cenário reproduz o beco escuro onde os gatos se encontram. Os figurinos são pintados a mão e se ajustam ao corpo de cada ator. A falta de uma dramaturgia consistente é compensada pelas belas coreografias, acrobacias e canções.

A história é baseada em 14 poemas do livro infantil Old Possum’s Book of Practical Cats, do poeta americano T.S Eliot. Publicado em 1939, a obra foi adaptada para o teatro em 1981 e a estreia nos palcos aconteceu em Londres, para um ano depois ser lançada na Broadway, nos Estados Unidos. A receptividade do público foi enorme, o que rendeu apresentações por todo o mundo. Mais de 20 países já receberam o musical Cats, que foi traduzido para 10 línguas, com mais de 30 prêmios em sua trajetória. Visto por mais de 50 milhões de espectadores, esteve em cartaz no New London Theatre por mais de vinte anos.

Como os cenários e objetos de cena possuem uma estrutura simples e fácil adaptação em diferentes palcos, o objetivo é viajar com Cats por várias capitais brasileiras, com a passagem pelo Rio de Janeiro já confirmada.

No site do musical as informações sobre elenco e equipe técnica estão completas: www.musicalcats.com.br/

Nanda Rovere - 03 / 03 / 2010
Site www.uninove.br/inove

O Convite de Casamento

2010-02-23T17:48:00.000-08:00

A peça, de autoria de Clóvys Tôrres (que também assina a direção), é uma comédia dramática sobre o amor e a memória. Um casal se diverte indo a casamentos, mesmo sem o convite para a cerimônia.
Carinho, brincadeiras e lembranças de um passado cheio de percalços, se misturam na vida de um casal que conseguiu manter a poesia no seu relacionamento.
Os atores Walter Portella e Lílian Blanc mostram que a chamada terceira idade pode ser sinônimo de experiência de vida, pois dão um show em cena. Encantam, emocionam.
Lilian esbanja carisma, talento e jovialidade. Em cena, consegue demonstrar todo o seu talento e experiencia. Portella também é um ator excelente, que se entrega de corpo e alma ao seu personagem. A química entre os dois em cena merece atenção especial. Estabelecem um lindo jogo cênico, emanando emoção e empatia. A dupla de atores é com certeza o maior trunfo do espetáculo. Clóvys aproveitou muito bem os atores que tinha em mãos.
Uma mala no meio do palco serve como cenário. Dela, saem as memórias dos personagens. A volta ao passado é dolorida, mas também repleta de bons momentos.
O desenho de luz realça as emoções dos personagens e o lirismo do espetáculo ganhou impacto com a direção centralizada na interpretação dos atores.
Tôrres teve a sensibilidade para captar as agruras e a magia do envelhecimento e criou uma montagem que merece ser vista por pessoas de todas as idades.
Num mundo em que impera o individualismo e que as relações se dissolvem rapidamente, O Convite de Casamento valoriza a capacidade de amar e de sonhar dos seres humanos.
¨ Sempre tive grande curiosidade sobre a velhice. Normalmente os idosos são pessoas que têm muito o quê contar e observar sobre a vida. Há oito anos pesquiso mais organizadamente este tema e observo velhos à minha volta. Meus avós sempre foram figuras especiais na minha vida...Portanto, desde de sempre me rodearam com suas observações, exemplos¨, diz Tôrres.
Depois de temporada em São Paulo (em 2009) e apresentações no interior do estado, a peça fica em cartaz até a se mana que vem no Teatro Augusta, em horário alternativo (16:00h).
O encontro entre Portella, Tôrres e Lilian rendeu frutos com a criação da Cia Mucuta de Teatro.
http://oconvitedecasamento.blogspot.com
Uma entrevista interessante com o diretor: http://jovempan.uol.com.br/entretenimento/programas/radioaovivo/convite-de-casamento-retorna-aos-palcos----------185611,,0
Até 28 de Fevereiro
Teatro Augusta
Vale a pena agendar sessões especiais para terceira idade ou fazer grupos para as apresentações do Augusta
Rua Augusta, 943 - Cerqueira César.
R$30,00 e meia-entrada.
Tel: (11)3151-4141

Personagens do filme Trainspotting, de1996, estão na peça inédita Pornô – Falcatrua Nº 18.633.

2010-02-11T09:40:00.000-08:00

Os fãs dessa obra cinematográfica, que residem ou estejam de passagem por São Paulo, podem rever os mesmos personagens, dez anos mais velhos.
O universo das drogas e da subversão está retratado no teatro, que mantém o espírito moderno do cinema. Irvine Welsh usa o choque, a violência e a banalização do sexo como arma poderosa de críticas.
Num subúrbio, jovens viciados em heroína tentam preencher o vazio de suas vidas acabam por trilhar o caminho da autodestruição. Na época, Trainspotting, foi acusado, em países como Inglaterra e Estados Unidos, de incentivar o uso das drogas, mas teve uma boa receptividade pelo público e pela crítica, conquistando prêmios.
A montagem, com direção de Gustavo Machado e dramaturgia assinada por Eduardo Ruiz, apresenta um reencontro em que as drogas não são o alicerce para o sucesso, atuam como assassina de sonhos. A arma para esses amigos encontrarem um caminho em suas vidas é a produção de um filme pornográfico.
A mistura teatro x cinema, teatro x literatuta, é frequenta na criação artística e os resultados , bons ou não, dependem da capacidade de adaptação da história de uma linguagem para outra...Trainspotting tem um formato interessante no cinema, agora é ver como ficará no teatro.
A trama será ambientada no bar Vegas Club e a história se passa em mesa de bar, com drinks, música e o perfume da noite.
O público que assistir o espetáculo, ainda tem direito a curtir a festa que o clube apresentar na sequência.

Autor: Irvine Welsh
Adaptação: Eduardo Ruiz
Direção: Gustavo Machado
Elenco: Ana Liz, Ana Nero, Fábio Ock, Fernando Fechhio,
Pablo Sgarbi, Ravel Cabral, Sergio Guizé e Sofia Botelho

Vegas Club. Rua Augusta 765 – Centro Informações: 11 3231-3705. Terça-feira e Quarta-feira às 21h. Preço: R$ 40,00 inteira / R$ 20,00 meia-entrada.Temporada: 9 de fevereiro a 31 de março de 2010

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